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2 DE ABRIL - GESTA DE MALVINAS - HOMENAJE A LOS HEROES DE NUESTRA PATRIA -

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EL SIGUIENTE MATERIAL ES UN SENTIDO HOMENAJE Y RECORDATORIO A LOS QUIERÓN DIERÓN SU VIDA POR LA PATRIA Y ES AL MISMO TIEMPO UN IMPORTANTE MATERIAL EDUCATIVO -

El siguiente artículo es meramente informativo y descrptivo con fines educativos y didácticos no guarda ni relación , ni vinculación  alguna con la política administrada de esa época.

Todas las notas en relación a la "Gesta De Malvinas" en este gestor son realizadas a manera de homenaje a los "Caídos en Malvinas" e información chequeada con documentos de las distintas fuerzas armadas para el estudio del tema en cada caso con fines educativos. 

 

Fuente de Veteranos de Guerra de Malvinas -  

ACCIONES BÉLICAS

Antecedentes del Conflicto
Ocupada en un principio por marinos franceses, las islas tomaron el nombre de Malouines que los españoles transformaron posteriormente al nombre de Malvinas y finalmente renombradas como Falklands por los ingleses.

Durante los siglos XVI a XVIII España tuvo que establecer su reclamo, ante Francia e Inglaterra, por la usurpación de su derecho de soberanía sobre las islas. Las islas, por derecho de sucesión, pasaron a pertenecer a las Provincias Unidas del Río de la Plata, luego del pronunciamiento del 25 de Mayo de 1810.

En 1833 se produjo la usurpación británica de las islas, quienes expulsaron por la fuerza a la población local, reemplazándola por los llamados “kelpers”. Este hecho, ocurrido mientras estaba en vigencia el tratado de Amistad, Comercio y Navegación de 1825 entre ambos países, se conformó en la causa fundamental del conflicto armado ocurrido entre Argentina e Inglaterra en 1982.

A partir de ese momento, los reclamos diplomáticos argentinos se sucedieron ante el gobierno británico y, en el siglo XX, ante las Naciones Unidas y la Organización de los Estados Americanos. Argentina nunca dejó prescribir sus derechos soberanos.

El reclamo argentino fue reconocido como legítimo por los organismos internacionales. La ONU aceptó la naturaleza colonial del diferendo (Resolución 1514) y la validez de los reclamos argentinos sobre las islas Malvinas, Georgias del Sur y Sandwich del Sur (Resolución 2065), invitando a ambos gobiernos a mantener negociaciones por el futuro de las islas. En el mismo sentido se expidieron la OEA (Organización de Estados Americanos) en el Comité Jurídico Interamericano, el Buró de Países No Alineados y el TIAR (Tratado Interamericano de Asistencia Recíproca) en la Resolución del 26 de Abril de 1982.

Paulatino distanciamiento entre ambas naciones
Una de las razones por las cuales el conflicto armado no se produjo antes, tiene que ver con la especial relación existente entre Argentina y Gran Bretaña desde la Independencia de nuestra Patria con España. Esa relación estuvo signada por la complementación económica, donde Argentina era el “granero del mundo” y Gran Bretaña proveía manufacturas. La venta de carnes, cueros y granos por parte de nuestro país, estableció una relación de dependencia con su principal comprador, Inglaterra. Todo ello se cortó al finalizar la Segunda Guerra Mundial, cuando entra en escena Estados Unidos como principal potencia occidental.

Inglaterra pierde poder y se va replegado, abandonando las antiguas colonias. Son los años de la descolonización de la India, de China, de los países sudamericanos.

En la década del 60, Inglaterra produce su “revolución verde” al comenzar a utilizar su propio territorio para proveerse de materias primas, dependiendo cada vez menos de las importaciones, que reduce drásticamente en comparación con principios de siglo.
De esta forma, se va produciendo un paulatino distanciamiento, lo que permite a la Argentina acentuar los reclamos de soberanía sobre las Islas Malvinas.

La decisión de recuperar las Malvinas
Pese a las acciones de política exterior desarrolladas por Argentina por resolver el conflicto de forma pacífica, Gran Bretaña se negó constantemente a negociar y, a fines de 1981, el gobierno militar argentino consideró como alternativa la solución militar de recuperar las islas mediante una acción sorpresiva e incruenta para las fuerzas inglesas que conllevara a la negociación por el traspaso de la soberanía de las Islas Malvinas.

Para llevar a cabo esta operación se creó una Comisión de Trabajo Conjunta conformada por las tres Fuerzas Armadas a fin de planear la recuperación; se estableció el 15 de mayo como fecha para ejecutarla.

Sin embargo, en marzo de 1982 se produjeron acontecimientos que alteraron las previsiones. Lo que era tan sólo un recurso alternativo se transformó en un objetivo principal.

Las causas
En setiembre de 1979 el empresario argentino Constantino Davidoff, especializado en negocios con chatarra, firmó un contrato con la empresa Christian Salvensen de Edimburgo (Inglaterra), adquiriendo instalaciones balleneras abandonadas en las Islas Georgias.

Davidoff gestionó en la Embajada británica de Buenos Aires el servicio del buque Endurance a fin de transportar a las Islas el personal y equipos necesarios para desmantelar las instalaciones, pero como su pedido no fue aceptado, la Armada Argentina llevó a cabo la tarea.

El empresario comunicó a la Embajada británica su viaje al archipiélago de Malvinas y en diciembre de 1981 zarpó con destino a las Georgias, a bordo del rompehielos A.R.A. “Almirante Irízar”. El 19 de marzo de 1982, Davidoff regresó al lugar en el A.R.A. “Bahía Buen Suceso” en donde se produjo el izado de una bandera Argentina en las islas. El Foreign Office ordenó el envió del Endurance con el objetivo de obligar a los operarios a arriar la bandera y evitar el desembarco del personal.

El 21 de marzo, luego de que zarpara el A.R.A. “Bahía Buen Suceso” dejando el grupo de Davidoff en tierra para seguir con sus tareas, se solicitó al gobierno argentino desalojar a los operarios allí apostados.

Después que la Junta Militar enviara al A.R.A. “Bahía Paraíso” a Georgias para evitar que los marines ingleses del Endurance desalojaran por la fuerza a los trabajadores argentinos, se sucedieron una serie de reuniones y conversaciones de alto nivel mandatario a fin de suavizar el tono de la negociación diplomática.

El 26 de marzo el comité Militar argentino resolvió prestar apoyo y proteger al citado grupo de ciudadanos. A tal efecto fueron destacadas al lugar varias unidades de la flota de guerra argentina; entre ellas, el Bahía Paraíso con 200 infantes de Marina a bordo.

Durante las horas subsiguientes, las noticias procedentes del sur daban cuenta de un inusual movimiento de buques de guerra de la Armada Nacional en el Atlántico Sur.

En vísperas del 2 de abril, mientras la guerra estaba por comenzar, seguían las tareas de desmantelamiento de la paralizada planta ballenera.

El desembarco
El 28 de Marzo algunas naves habían zarpado desde Puerto Belgrano a mando del Contraalmirante Walter O. Allara con 800 infantes de Marina.

La Fuerza de Desembarco se integró con el Batallón de Infantería de Marina Nº 2, la Agrupación de Comandos Anfibios, la Agrupación de Buzos Tácticos, una Sección de Tiradores del Ejército y una Reserva.

Un Grupo de Transporte, con el Buque de Desembarco de Tropas A.R.A. "Cabo San Antonio", el Rompehielos A.R.A. "Almirante Irizar" y el buque Transporte "Isla de los Estados".

Un Grupo de Apoyo Escolta y Desembarco, formado por las Fragatas Tipo 42, A.R.A. "Hércules" y "Santísima Trinidad", más las Corbetas A.R.A. "Drumond" y "Granville".

El Grupo de Tareas Especiales, constituido por el submarino clase "Guppy" A.R.A. "Santa Fe".

El 2 de abril de 1982 la Argentina puso en marcha la “Operación Rosario”, llamada así en honor a la virgen del Rosario. Una Fuerza conjunta de la Armada y el Ejército argentino desembarcaron en Malvinas, al mando del Contraalmirante Carlos BUSSER.

Infantes de Marina y Buzos Tácticos rodearon la casa del entonces gobernador Rex Hunt y lo emplazaron a entregarse. Las órdenes argentinas eran no producir bajas entre los “Royal Marine” y la población kelper, para no brindar argumentos a la propaganda inglesa contra Argentina.

De tal forma, ante la resistencia inglesa de entregarse inmediatamente, el Capitán Pedro Edgardo Giacchino avanzó con algunos de sus hombres sobre la casa del gobernador que estaba cercada por fuerzas propias, siendo acribillado por balas británicas.

Giacchino se convirtió en el primer héroe de Malvinas, caído por la recuperación de las islas. Como consecuencia de esta acción, las fuerzas enemigas se convencieron de que la decisión argentina de recuperar las Islas era seria, y se rindieron.

La “Operación Rosario” cumplió su cometido de recuperar Malvinas en forma incruenta para el enemigo, con un mínimo costo en las fuerzas propias, y dejando una pequeña guarnición en las Islas.

Desarrollo
3 de Abril al 30 de Abril de 1982: Se comienza a desarrollar el conflicto político diplomático entre ambos países, con marchas y contramarchas, propuestas de negociación, amenazas de profundizar el conflicto, intento de mediaciones mientras la flota británica atravesaba el Océano Atlántico. Entre tanto, en las Islas fueron tomando posiciones los numerosos regimientos y batallones argentinos, distribuyéndose fundamentalmente en la Isla Soledad. La tropa argentina comenzó a habituarse a la geografía malvinense y a la casi permanente hostilidad kelper.

1º de Mayo de 1982: Se produjo el primer ataque aéreo británico sobre las fuerzas argentinas. Se atacaron las instalaciones del Aeropuerto de Puerto Argentino y un pequeño terreno usado como aeródromo en Darwin.

2 de mayo de 1982: luego de intensas negociaciones, donde faltaba la respuesta inglesa a la propuesta de paz efectuada por el Perú, Thatcher y su gabinete deciden hundir al Crucero A.R.A. “General Belgrano”, buque argentino que no entrañaba peligro militar para la flota, ya que estaba a más de 300 millas de la misma, regresando al continente y fuera de la zona de exclusión unilateralmente declarada por Gran Bretaña. La contraofensiva naval argentina había dado marcha atrás, toda vez que se consideraba inviable la misma ante el desnivel de fuerzas entre ambas armadas y la inminencia de resultados pacíficos del conflicto.

El disparo de los torpedos del Submarino inglés “Conqueror” provocó el hundimiento del “Belgrano” en el que perecieron 323 argentinos, casi la mitad de la totalidad de las bajas argentinas en todo el conflicto (649).

3 de Mayo de 1982: Se produjo el ataque al Aviso A.R.A. Alferez Sobral. Dos helicópteros Sea Link atacan con misiles Sea Skua al aviso, provocando la muerte de su comandante, Capitán de Corbeta Gómez Roca y 7 hombres más. Sufriendo graves penurias los sobrevivientes llegaron a Puerto Deseado.

4 de Mayo de 1982: La respuesta argentina no se hizo esperar. Aviones Super-Etendard de la Armada Argentina dispararon misiles Exocet sobre el buque inglés “Sheffield”, causándole un grave incendio que no pudo ser controlado. A pocos días la nave se hundió cuando era remolcada por naves inglesas.

4 de Mayo al 31 de mayo de 1982: Se producen intensos combates aeronavales, con resultados terribles para la flota británica, por sus daños incalculables. Se produjeron las bajas del “Atlantic Conveyor”, “Sir Tristam”, “Sir Galahad”, “Coventry”, ”Ardent”, entre otros, lo que representó daños económicos y humanos significativos.

Sin embargo, la superioridad inglesa se manifestó con el apoyo decidido de EE.UU., lo que permitió revertir los resultados y garantizar el desnivel a favor de Gran Bretaña.

El apoyo norteamericano a Gran Bretaña comprendía: información satelital de las posiciones argentinas; provisión de sofisticados armamentos; apoyo político a Inglaterra y embargo económico a la Argentina, etc.

31 de Mayo al 14 de junio de 1982: En los últimos días de mayo se produce el desembarco inglés en el estrecho San Carlos.
El 12 de junio una batería terrestre de misiles Exocet MM38, instalada en cercanías del aeropuerto de Puerto Argentino, disparó un misil contra el crucero H.M.S. Glamorgan causándole graves averías en su hangar y estructura.

Hasta el 14 de junio se sucedieron intensos combates, donde los británicos con enorme superioridad numérica, aprovechando sus numerosos helicópteros y artillería móvil, a lo largo de 92 km. de terreno de montaña -distancia que separa a San Carlos de Puerto Argentino- realizan ataques y retrocesos con inmensa cantidad de bajas en sus tropas regulares y especiales.

La decisión del General Menendez- Gobernador político y militar de las Islas designado por el gobierno argentino- de no movilizar tropas de refuerzo a las posiciones atacadas y concentrar la mayor parte en Puerto Argentino cerca de su resistencia, hace que se cada una de las posiciones defensivas se enfrente solitariamente con el enemigo, hasta que se produce la caída de Puerto Argentino el 14 de junio de 1982.

Existían hasta ese momento muchas posiciones argentinas que se mantenían intactas y con una alta moral de combate. Sin embargo, había que cumplir las órdenes de entregar el armamento.

El Batallón de Infantería de Marina Nº 5, con sumo coraje, siguió combatiendo hasta horas después de la capitulación, derribando en Sapper Hill un helicóptero inglés.

Pero la decisión estaba ya tomada, y la mayoría de las tropas argentinas fueron embarcadas rumbo a la parte continental de la Argentina.

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HOMENAJE AL PASTOR BAUTISTA MARTIN LUTHER KING

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"Hemos aprendido a volar como los pájaros, a nadar como los peces; pero no hemos aprendido el sencillo arte de vivir como hermanos"

Martin Luther King, líder estadounidense

 

(Atlanta, 1929 - Memphis, EE UU, 1968) Pastor baptista estadounidense, defensor de los derechos civiles. Hijo de un ministro baptista, Martin Luther King estudió teología en la Universidad de Boston. Desde joven tomó conciencia de la situación de segregación social y racial que vivían los negros de su país, y en especial los de los estados sureños.

Convertido en pastor baptista, en 1954 se hizo cargo de una iglesia en la ciudad de Montgomery, Alabama. Muy pronto dio muestras de su carisma y de su firme decisión de luchar por la defensa de los derechos civiles con métodos pacíficos, inspirándose en la figura de Mahatma Gandhi y en la teoría de la desobediencia civil de Henry David Thoreau. Al poco de llegar a Montgomery organizó y dirigió un masivo boicot de casi un año contra la segregación en los autobuses municipales.

La fama de Martin Luther King se extendió rápidamente por todo el país y enseguida asumió la dirección del movimiento pacifista estadounidense, primero a través de la Southern Cristian Leadership Conference y más tarde del Congress of Racial Equality. Asimismo, como miembro de la Asociación para el Progreso de la Gente de Color, abrió otro frente para lograr mejoras en sus condiciones de vida.

En 1960 aprovechó una sentada espontánea de estudiantes negros en Birmingham, Alabama, para iniciar una campaña de alcance nacional. En esta ocasión, Martin Luther King fue encarcelado y posteriormente liberado por la intercesión de John Fitgerald Kennedy, entonces candidato a la presidencia de Estados Unidos, pero logró para los negros la igualdad de acceso a las bibliotecas, los comedores y los estacionamientos.


En el verano de 1963, su lucha alcanzó uno de sus momentos culminantes cuando encabezó una gigantesca marcha sobre Washington, en la que participaron unas doscientas cincuenta mil personas, ante las cuales pronunció uno de sus más bellos discursos por la paz y la igualdad entre los seres humanos. Él y otros representantes de organizaciones antirracistas fueron recibidos por el presidente Kennedy, quien se comprometió a agilizar su política contra el segregacionismo en las escuelas y en la cuestión del desempleo, que afectaba de modo especial a la comunidad negra.

No obstante, ni las buenas intenciones del presidente, quien moriría asesinado meses más tarde, ni el vigor ético del mensaje de King, Premio Nobel de la Paz en 1964, parecían suficientes para contener el avance de los grupos nacionalistas de color contrarios a la integración y favorables a la violencia, como Poder Negro, Panteras Negras y Musulmanes Negros. La permeabilidad de los colectivos de color, sobre todo de los que vivían en los guetos de Nueva York y de otros estados del norte, a la influencia de estos grupos violentos, ponía en peligro el núcleo del mensaje de King, el pacifismo.

En marzo de 1965 encabezó una manifestación de miles de defensores de los derechos civiles que recorrieron casi un centenar de kilómetros, desde Selma, donde se habían producido actos de violencia racial, hasta Montgomery. La lucha de Martin Luther King tuvo un final trágico: el 4 de abril de 1968 fue asesinado en Memphis por James Earl Ray. Mientras se celebraban sus funerales en la iglesia Edenhaëser de Atlanta, una ola de violencia se extendió por todo el país. Ray, detenido por la policía, se reconoció autor del asesinato y fue condenado con pruebas circunstanciales. Años más tarde se retractó de su declaración y, con el apoyo de la familia King, pidió la reapertura del caso y la vista de un nuevo juicio.

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2 DE ABRIL -GESTA DE MALVINAS- FMA IA-58 -PÚCARA LOS PÁJAROS INVENCIBLES -

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El siguiente artículo es meramente informativo y descrptivo con fines educativos y didácticos no guarda ni relación , ni vinculación  alguna con la política administrada de esa época.

Todas las notas en relación a la "Gesta De Malvinas" en este gestor son realizadas a manera de homenaje a los "Caídos en Malvinas" e información chequeada con documentos de las distintas fuerzas armadas para el estudio del tema en cada caso con fines educativos. 

 

El FMA IA-58 Pucará (en quechua, «Fortaleza») es un bimotor turbohélice de diseño y construcción argentina (designación Fábrica Militar de Aviones), que voló por primera vez el 20 de agosto de 1969. Está diseñado para operar en pequeñas, y no necesariamente preparadas, pistas de tierra. Su misión primordial es; la de apoyo a tierra, anti-helicópteros y especialmente misiones COIN (contra-insurgencia). Esta aeronave es inusual debido a su cabina en tándem en un bimotor a hélice, sin embargo, comparte similitudes con el OV-10 Bronco estadounidense.

El nombre Pucará está relacionado con la gran cantidad de armamento que puede cargar -amén de las construcciones/fortalezas indígenas del norte argentino, sea así un nombre apropiado para este avión-, entre ametralladoras, cañones, las tres fijaciones para armamento externo (2 bajo las alas y 1 bajo el fuselaje), misiles aire-tierra, bombas de napalm, depósitos ventrales, etc.

El Comando en Jefe de la Fuerza Aérea Argentina presentó a principios de 1968 los requerimientos al Área Material Córdoba para el proyecto y construcción del FMA IA-58 Pucará. La construcción del primer prototipo se inició en septiembre del mismo año, y realizó su primer vuelo el 16 de agosto de 1969. El primer prototipo llamado AX-2 Delfín fue equipado con dos turbohélices de origen estadounidense Garret TPE-331-U-303 de 904 CV y, realizó su primer vuelo el 20 de agosto de 1969, pero luego, para los aparatos de serie se seleccionaron las turbinas de origen francés Turbomeca Astazou XVI-G, de 1021 CV, que accionan sendas hélices tripalas de paso variable. El proyecto estuvo a cargo del ingeniero aeronáutico Aníbal Dreidemie.

El diseño mostró gran durabilidad y resistencia, pero sus motores de origen francés demostraron ser un error desde el punto de vista comercial internacional.

El Pucará es el único avión producido por la Fábrica Militar de Aviones que recibió su bautismo de fuego en un conflicto internacional —además de que fue utilizado por la Fuerza Aérea Argentina en la Operación Independencia, contra las fuerzas guerrilleras del Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP) en el monte tucumano— ya que fue utilizado durante la Guerra de Malvinas en misiones de apoyo a superficie, exploración y cazahelicópteros. En este papel logró el derribo confirmado de un helicóptero Scout británico y se destacó en la Batalla de Pradera del Ganso. Asimismo fue empleado por la Fuerza Aérea de Sri Lanka contra los disidentes Tamiles.

Sin embargo, muchos Pucará fueron destruidos en suelo por la fuerza británica, de los cuales uno se encuentra en el Museo Imperial de la Guerra de Duxford. De todos los aviones capturados en Puerto Argentino, los cinco que estaban en condiciones de vuelo o casi, fueron llevados a Inglaterra para su evaluación. Después de evaluar todas las células se decidió que el A-515 sería el elegido para volverlo a condición de vuelo y ser evaluado, sirviendo los demás como fuente de repuestos. Así, en abril de 1983 el ZD485 (ex A-515) voló por primera vez. Los ensayos concluyeron en septiembre del mismo año. Por lo tanto el A-515 volvió al museo de la RAF en Cosford con un esquema distinto al que tenía cuando volaba para la FAA. Seis Pucará fueron destruidos simultáneamente, por el «Servicio Especial del Aire, SAS» en el «Raid en la isla de Pebble».



En Malvinas, 24 Pucarás fueron capturados por los ingleses en el campo de batalla o en las bases aéreas desde las cuales habían operado con el Escuadrón Aeromóvil Pucará Malvinas. Seis ejemplares cayeron en manos británicas en la Estación Aeronaval Calderón (Isla Borbón/Pebble Island), otros once fueron capturados en BAM Malvinas (Puerto Argentino/Port Stanley), tres en BAM Cóndor (Pradera del Ganso/Goose Green) y los cuatro restantes yacían destruidos en el campo de batalla donde habían sido derribados o se habían accidentado. Los niveles de daños que registraban los aviones capturados variaban notablemente, desde algunos que estaban casi completamente destruidos hasta unos pocos que supuestamente se mantenían en condición de vuelo o casi. La acción de saqueadores y cazadores de recuerdos llevó a que la mayoría de los Pucará quedaran efectivamente fuera de servicio tras la rotura de sus superficies de control, disparo de asientos eyectables o el robo de partes y piezas (las puertas de inspección y las escarapelas, banderas y matrículas parecen haber sido especialmente buscadas por estos coleccionistas).

Malvinas



A comienzos de 1982, el grupo 3 de ataque estaba conformado por dos escuadrones con un total de 34 IA-58 operativos. El 1 de abril, el Comando de Operaciones Aéreas le ordenó al Grupo 3 de Ataque desplegar la escuadrilla Nahuel, con 4 IA-58, hacia las islas Malvinas antes de las 7.00 del día siguiente. Se les une el 8 de abril una sección de 8 Pucará.

Desde un principio quedó claro que la pista de Puerto Argentino quedaría rápidamente congestionada y que sería el principal objetivo a atacar por las fuerzas enemigas. Por ello se empezó la búsqueda de campos de aterrizaje para uso de los Pucará.

Durante la primera incursión inglesa sobre Puerto Argentino tres Sea Harrier lanzan bombas de 1000 libras y de fragmentación Beluga. El Pucara A-527 (Tigre 4) recibió un impacto directo de una bomba Cluster, que provocó su destrucción total. El Pucará A-502, sufrió numerosos impactos de esquirlas y daños en la carlinga.

El Escuadrón D del 22 SAS ejecutó un audaz golpe de mano el día 15 de mayo en el aeródromo de Isla Peeble. Como resultado de ello, fueron destruidos los Pucará A-502 y A-520 quedando dañados además los aviones A-523, A-529, A-552 y A-556.

Entre el 16 al 20 de mayo se cumplieron 19 salidas de reconocimiento ofensivo las que culminaron en ataques contra objetivos terrestres en la zona de Bahía Howard, el 21 de mayo. En el transcurso de la acción del 21 de mayo el Capitán Benítez fue derribado sobre Flat Shanty, tras un impacto de misil FIM-92 STINGER. Mientras tanto una sección de tres Sea Harrier es guida por la HMS Brillant, contra otros Pucara, que batían el blanco asignado. En el enfrentamiento el Sea Harrier XZ451 derribó al Pucará A-511 que cayó a tierra próximo a Drone Hill.

El 24 de mayo, a causa de un impacto de bomba, el A-509 queda fuera de servicio. La jornada del 28 de mayo caracterizada por una pésima meteorología con techos de servicio reducidos a tan solo 50 metros no impidió que los Pucará participaran en el combate en Darwin. La primera misión atacó con tres aviones, de los cuales el A-537 retornó con múltiples impactos. En la siguiente ola de ataque el A-533 quedó fuera de servicio tras recibir 58 impactos en el fuselaje y cuatro en el motor izquierdo. La tercera sección de Pucaras debía atacar objetivos en la zona de Camilla Creek. Sin embargo interceptaron dos Scout MK.1 del 3º CBAS /B FLIGHT de los Royal Marines. El A-537 consiguió derribar al helicóptero Scout XT 629/DR; pero, debido al reducido techo, su avión chocó con el Cerro Azul entre Darwin y Puerto Argentino. En el transcurso de la misión el A-555 tras recibir numerosas impactos cae a tierra en Peter`s Park.

Las últimas operaciones realizadas por el Escuadrón el 10 de junio incluyeron misiones de reconocimiento, exploración marítima y un ataque contra posiciones de artillería terrestre en el Monte Kent. Durante el 13 de junio y ante la inminencia del desenlace de la batalla, se decidió alistar a los últimos cuatro Pucará para una misión de ataque con posterior repliegue hacia el continente. Cada avión fue equipado con dos tanques subalares de 318 L y tres lanza cohetes LAU 61 en el soporte ventral. Esta misión planificada para las primeras horas del 14 de junio fue cancelada al cesar las hostilidades.

Durante el mes de mayo se realizaron experiencias conjuntamente con el Arsenal Naval Puerto Belgrano, con vistas a adaptar al Pucará como avión torpedero; desde la Base Aeronaval Comandante Espora se efectuaron algunos vuelos con el AX-04 equipado con un torpedo inerte MK 45.

Características

Se trata de un biplaza bimotor de ataque y apoyo táctico de construcción enteramente metálica, provisto de turbohélices, de ala baja cantilever, su empenaje está provisto de una deriva en "T". Posee un tren de aterrizaje triciclo de alta resistencia que le permite operar desde pistas semipreparadas. Los asientos eyectables son Martin-Baker de tipo cero-cero.

Está diseñado para apoyo de fuerzas terrestres: posee gran maniobrabilidad, pero no está capacitado para luchar contra aeronaves a reacción. Resulta muy eficaz, en cambio, para trabar combate contra helicópteros, especialmente cuando éstos carecen de cobertura aérea.

Comparte características comunes con el OV-10 Bronco como su ala recta y angosta, dos motores turbohélice, una cabina biplaza con asientos en tándem y eyectables de capacidad cero-cero Martin-Baker y una gran capacidad de carga de combate.

Su tren de aterrizaje de tipo triciclo, le brinda excelente resistencia en todo tipo de pistas. En el aire a pesar de no ser un aparato veloz para enfrentarse a un reactor, si posee suficiente maniobrabilidad para enfrentarse a helicópteros y principalmente brindar apoyo aéreo cercano en el campo de batalla. Permite operación normal aún en pistas de tierra. Prueba de ello fue la actividad del Pucará en Malvinas desde las tres bases aéreas, dos de ellas con pista de tierra: Base Cóndor y Base Calderón.

El nombre Pucará, significa "Fortaleza", por eso está relacionado con la gran cantidad de armamento que puede cargar, entre las ametralladoras, cañones y las tres fijaciones para armamento externo (2 bajo las alas y 1 bajo el fuselaje).

Variantes

El IA-58 ha tenido pocas modificaciones a lo largo de su vida; durante el conflicto de las Malvinas se ensayó la posibilidad de lanzar torpedos, pero el proyecto no prosperó. Para mejorar las características del avión y su aviónica se han propuesto distintos programas:
IA-58B ("Bravo")
Versión con aviónica mejorada y dos cañones automáticos DEFA de 30 mm. El único prototipo se conserva en el Museo Aeronáutico de Río Cuarto.
IA-58C ("Charlie")
Estaría equipado con dos cañones automáticos DEFA de 30 mm y misiles aire-aire, el prototipo es monoplaza.
IA-58D ("Delta")
Versión actual, similar al IA-58A, pero con mejoras en aviónica y navegación satelital.
IA-58E ("Echo")
Versión proyectada con instrumental digital («glass cockpit») y motores más potentes. Por ahora es un proyecto detenido a la espera de las necesidades operacionales asignadas.

Operadores

Actuales
Fuerza Aérea Argentina

El Pucará ha sido exportado a Colombia, Sri Lanka y Uruguay. Un intento de exportación a Mauritania; estos aviones fueron incorporados por la Fuerza Aérea Argentina a su culminación, después de que su compra se frustrase. Fueron utilizados durante la Guerra de las Malvinas. Actualmente cumple misiones de reconocimiento frente a las aeronaves clandestinas del Narcotráfico que vulneran el espacio aéreo soberano, provenientes de la Triple Frontera.

Fuerza Aérea Uruguaya

Hacia fines del año 1980, la Fuerza Aérea Uruguaya (FAU) adquirió 6 Pucará, de los cuales siguen en servicio 5,1 asignados después de su entrega al Escuadrón Aéreo N° 1, con base en Durazno. Hasta el presente el Pucará presta servicios en la FAU,no previéndose su reemplazo en forma inmediata.

 

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EUGENIO PY - EL PIONERO DEL CINE ARGENTINO -

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Eugenio Py era de origen francés y es considerado, indiscutiblemente, uno de los pioneros del cine argentino, si bien su labor estuvo fundamentalmente dedicada a los noticieros y documentales. En este sentido, es de destacar que al producirse en 1900 la visita del presidente de Brasil, Manuel Ferraz de Campos Salles, durante la segunda presidencia de Julio Argentino Roca, realizó una filmación que está considerada el primer noticiero argentino. Se titula, precisamente "Viaje del Dr. Campos Salles a Buenos Aires". Son numerosos sus reflejos acerca de la realidad que acontecía del país. 

La historia registra como primer filme documental argentino un trabajo lamentablemente perdido, "La revista de la escuadra argentina en mayo de 1901". En 1902, Py protagoniza una aventura "de película": la filmación de su viaje a Chile, cruzando la cordillera de Los Andes. La situación internacional con la vecina república se había deteriorado una vez más por la espinosa cuestión de los límites, y las divergencias surgidas en la interpretación de los tratados de 1881. El momento era propicio para un reportaje al general alemán Emilio Korner, reorganizador del ejército chileno, y al coronel sir Thomas Holdich, comisionado por el rey Eduardo VII de Inglaterra, quien había sido designado árbitro de la cuestión de límites entre las dos naciones sudamericanas. Todo esto quedó finalmente registrado por ese incomparable camarógrafo que fue Eugenio Py. En 1907 experimentó el cine sonoro bajo la influencia de los ensayos hechos en París por Pathè y Gaumont. Toda esta producción fue procesada en un laboratorio que Py instaló para Lepage. Fue fotógrafo en "Amalia", primer largometraje argentino, dirigido por Enrique García Velloso en 1914. Fue operador artístico de Max Glucksman.

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ECOLOGIA - ENERGIA EÓLICA - UNA ALTERNATIVA LIMPIA SIN CONTAMINAR EL MEDIO AMBIENTE -

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Una breve reseña de como producir energía elóica aprovechando el viento como elemento generador de enrgía. Otra forma limpia de producir electricidad en forma limpia sin contaminar el medio ambiente y sin peligros para la vida humana.

El origen del viento

El viento se puede definir como una corriente de aire resultante de las diferencias de presión en la atmósfera provocadas, en la mayoría de los casos, por variaciones de temperatura, debidas a las diferencias de la radiación solar en los distintos puntos de la Tierra. La circulación de las masas de aire se debe a la acción resultante de las fuerzas de rozamiento, de presión, gravitacional y de rotación de la Tierra, que inducen dos tipos de circulación del aire en la atmósfera



Circulación planetaria: debida a la incidencia de los rayos solares sobre la Tierra y a la rotación de ésta, varía según la zona y la época del año



Circulación a pequeña escala: viene determinada por la orografía del terreno, como las montañas y la presencia del mar

En definitiva, se puede considerar que las variables que definen el régimen de vientos en un punto determinado son:

Situación geográfica

Características climáticas

Estructura topográfica

Irregularidades del terreno

Altura sobre el nivel del suelo

Siendo su estudio de gran importancia a la hora de acometer el diseño de un dispositivo que sea capaz de aprovechar la energía que contiene el viento.

La energía del viento

Sólo un 2 % de la energía solar que llega a la Tierra se convierte en energía eólica y por diversos motivos, sólo una pequeña parte de esta energía es aprovechable.

A pesar de ello, se ha calculado que el potencial energético de esta fuente de energía es unas 20 veces el actual consumo mundial de energía, lo que hace de la energía eólica una de las fuentes de energía renovables de primera magnitud


La energía del viento es de tipo cinético (debida a su movimiento); ello hace que la potencia obtenible del mismo dependa de forma acusada de su velocidad, así como del área de la superficie captadora. Así, todas las máquinas que ha construído el hombre para obtener el mayor rendimiento posible de la energía del viento se basan en frenar el viento por medio de algún dispositivo colocado en su camino, como queda patente al hacer un breve repaso histórico del aprovechamiento de la energía eólica.







Breve historia del aprovechamiento eólico

La primera máquina eólica conocida por la historia aparece en el año 1700 a.C. en Babilonia, usándose para bombear agua, aunque parece que en la antigua Persia se utilizaban ya molinos de eje vertical para moler grano.


Hasta el siglo X no es posible encontrar documentos que mencionen los molinos de viento como práctica generalizada, pero a partir del siglo XI, aparecen en
zona mediterránea molinos con rotores a vela , que derivan en los típicos molinos manchegos y mallorquines, probablemente por influencias llegadas de Europa, cuya característica era el rotor de cuatro aspas de entramado de madera recubierto de tela 

Aunque la evolución en la historia de los molinos de viento transcurre de forma contínua, a finales de la Edad Media las innovaciones y las aplicaciones de las máquinas eólicas se producen con rapidez. Entre la segunda mitad del siglo XVIII y la segunda mitad del XIX, los molinos de viento europeos alcanzan su más alto nivel de perfeccionamiento,molinos de viento europeos alcanzan su más alto nivel de perfeccionamiento,dentro de las limitaciones de la tecnología artesanal. Los sistemas de orientación y regulación se ven completados por mecanismos internos, convirtiendo los molinos de viento en factorías mecanizadas con un alto grado de automatización.


En la segunda mitad del siglo XIX aparece una nueva generación de máquinas eólicas, con una concepción de diseño diferente: el "multipala 
americano"abrió el camino hacia mejoras en el rendimiento de esta máquinas, que no se produjo realmente hasta principios del siglo XX, cuando se aplicaron al diseño de los rotores las teorías aerodinámicas para usos aeronáuticos.


A lo largo del siglo XX, las aplicaciones basadas en el aprovechamiento del viento fueron declinando, a medida que se hacía más popular el uso del petróleo. Sin embargo, la crisis energética ha iniciado de nuevo un período en el campo del aprovechamiento eólico, habiéndose elaborado innumerables programas de estudio que han centrado su interés en dos grandes aspectos:


Elaboración de mapas eólicos y localización de emplazamientos 

Cálculo, diseño y construcción de plantas de gran potencia

Paralelamente se ha pretendido crear incentivos que motiven a la iniciativa privada a fabricar y comercializar pequeñas máquinas de funcionamiento autónomo, que permitan cubrir las necesidades de explotaciones agrícolas o industriales situadas en zonas apartadas.

Máquinas eólicas

Una máquina eólica es cualquier dispositivo accionado por el viento. Si se utiliza directamente la energía mecánica, será un aeromotor, y si se acciona un generador eléctrico, se tratará de un aerogenerador.

Los elementos de que consta una máquina eólica son los siguientes:

Soportes

Sistema de captación

Sistema de orientación

Sistema de regulación

Sistema de transmisión

Sistema de generación

El estudio de cada uno de estos elementos permitirá conocer las bases para el diseño y la construcción de estas máquinas.

Las máquinas eólicas se han de colocar sobre un soporte que resista el empuje del viento y que permita elevarla lo suficiente para evitar las turbulencias debidas al suelo o a los obstáculos cercanos. Se pueden distinguir dos tipos de soportes:



Autoportantes: torres de estructura metálica, de hormigón o tubulares

Atirantados: estructuras unidas al suelo por cables tensados que permiten, en las máquinas pequeñas, abatir la máquina para su mantenimiento o reparación

El sistema de captación o "rotor" es el elemento principal de una máquina eólica. Está compuesto por cierto número de "palas" y su misión es transformar la energía del viento en energía mecánica utilizable. Existe gran variedad de rotores.

Los parámetros principales de un rotor son los siguientes:

Velocidad típica de giro: relación entre la velocidad de la punta de la pala y la velocidad del viento, permite su clasificación en rotores

lentos (velocidad típica próxima a 1) o rápidos (velocidad típica de 5 a 8)

Rendimiento aerodinámico: también llamado "coeficiente de potencia", expresa la fracción de la energía del viento que se transforma en energía mecánica; su

valor oscila entre el 20 y el 40 %, dependiendo de las siguientes características geométricas de las palas:

Longitud

Perfil, o forma del borde de ataque de la pala contra el viento

Calaje, o ángulo de ataque de la pala contra el viento

Anchura

Por otra parte, el material utilizado en las palas tiene gran importancia, ya que debe ser rígido, ligero y barato. En los últimos años se han ensayado tanto la madera, diversas aleaciones metálicas y polímeros de resinas plásticas, habiendo dado estos últimos muy buenos resultados, con una considerable reducción de los costes de la pala.


Los sistemas de orientación sólo son necesarios en las máquinas eólicas de eje horizontal y constan de un mecanismo que detecta la dirección del viento y sitúa el rotor en su misma dirección.



Para máquinas de pequeña y mediana potencia (menor de 50 kW), cuyo rotor está situado cara al viento, el dispositivo más adecuado suele ser una cola 
, superficie plana situada en el extremo de un soporte unido al cuerpo del aeromotor. También se utilizan rotores auxiliares, dos pequeñas hélices
tras el rotor y en dirección perpendicular al mismo, sobre las que sólo actúa el viento cuando el rotor no está orientado.

Las máquinas mayores, cuyo rotor suele estar situado detrás de la torre, utilizan para su orientación el efecto de conicidad , basado en una leve
inclinación de las palas hacia detrás. Finalmente, en las grandes máquinas, se dispone de motores auxiliares, que funcionan de forma automática orientando el rotor  en su misma dirección.

Los sistemas de regulación tienen por objeto controlar la velocidad de rotación, evitando las fluctuaciones producidas por la velocidad del viento. Los sistemas
más sencillos operan sólo con viertos muy fuertes, frenando el rotor; los más elaborados adaptan la máquina a cualquier condición de viento y de potencia.

El sistema de regulación más sencillo es el de "puesta en bandera"  que produce un frenado al situar el rotor paralelo al viento; el rotor es devuelto a su posición normal cuando la velocidad del viento disminuye.



El sistema de paso variable es probablemente la forma de regulación más eficaz y actúa variando el ángulo de ataque de las palas, lo que hace variar el rendimiento aerodinámico y, en consecuencia, la potencia absorbida. Esto se lleva a cabo con ayuda de diversos mecanismos, que varían según el tamaño y características de la máquina eólica 




No sólo se puede regular la velocidad de giro de la máquina actuando sobre el rotor; también se puede actuar sobre el eje motor, realizándose el control de la
potencia mediante el frenado del mismo. El freno puede ser de zapatas, de disco o de tipo electromagnético y puede actuar por distintos mecanismos. Aunque este sistema tiene que realizar esfuerzos mayores, posee la ventaja de ser más sencillo y de encontrarse ya comercializado, hecho que disminuye considerablemente sus costes.

Para poder aprovechar la energía mecánica obtenida en el rotor es necesario un sistema de transmisión. La energía mecánica se puede transmitir como tal o mediante poleas, engranajes o utilizando un sistema cigueñal-biela. Cuando se desea generar energía eléctrica es necesario primero aumentar la velocidad de giro del rotor, que suele ser inferior a las 200 rpm, antes de accionar el generador. Ello se logra con un multiplicador, que puede ser de diferentes tipos. Se logran así velocidades de giro de varios miles de revoluciones por minuto,que permiten accionar generadores eléctricos.


Los sistemas de generación se utilizan en las máquinas eólicas para producir energía eléctrica, forma de energía preferible a la mecánica,
debido a la facilidad en su manipulación y transporte así como a la versatilidad que presentan sus aplicaciones posteriores. El sistema
eléctrico de un aerogenerador está condicionado por la velocidad de operación del rotor y por el uso que se le dé a la energía obtenida.

Los generadores que transforman la energía mecánica en eléctrica pueden ser dinamos o alternadores.

La dinamo es una máquina eléctrica sencilla que produce corriente contínua y es capaz de proporcionar potencia a escasas revoluciones, con lo que a veces se
puede prescindir de la etapa previa de multiplicación. Normalmente, la corriente eléctrica producida por una dinamo se almacena como tal en un sistema de
acumulación de baterías.

Los alternadores generan corriente alterna y para una misma potencia son más ligeros, baratos y de mayor rendimiento que las dinamos, pero trabajan a elevado número de revoluciones, por lo que necesitan un multiplicador.


Diseño de instalaciones eólicas

En el diseño de una instalación eólica es necesario considrar tres factores:

El emplazamiento

El tamaño de la máquina

Los costes

El emplazamiento elegido para instalar la máquina eólica ha de cumplir dos condiciones: el viento ha de soplar con regularidad y su velocidad ha de tener un elevado valor medio. Se hace necesario, por tanto, disponer de una información meteorológica detallada sobre la estructura y distribución de los vientos. Las mediciones estadísticas deben realizarse durante un período mínimo de tres años, para poder obtener unos valores fiables, que una vez procesados permiten elaborar:



Mapas eólicos: proporcionan una información de ámbito global del nivel medio de los vientos en una determinada área geográfica,

situando las zonas más idóneas bajo el punto de vista energético

Distribuciones de velocidad: estudio a escala zonal de un mapa eólico, que proporciona el número de horas al año en que el viento tiene una dirección y una velocidad determinadas

Perfiles de velocidad: variación de la velocidad del viento con la altura respecto al suelo, obtenido por un estudio puntual 

Las medidas necesarias para obtener los parámetros indicados se hacen con diversos aparatos, más o menos sofisticados, pero que están basados principalmente en el funcionamiento del anemómetro (medidor de la velocidad del viento).



En resumen, la elección del emplazamiento de una máquina eólica es un elemento determinante cara a su explotación, y depende de forma casi total del potencial eólico de la zona, aunque el tamaño de la máquina también suele influir en la decisión final.

El tamaño de la máquina condiciona fuertemente los problemas técnicos. En el caso de las grandes plantas eólicas, el objetivo principal es conseguir unidades tan grandes como sea posible, con el fin de reducir los costes por kW obtenido, pero las grandes máquinas presentan problemas estructurales que sólo los puede resolver la industria aeronáutica. Para las pequeñas aeroturbinas, el problema es diferente; el objetivo técnico principal es la reducción de su mantenimiento, ya que su aplicación suele estar dirigida a usos en zonas aisladas.

Se observa, pues, que el criterio de elección del tamaño de la máquina eólica es su coste, aunque hay que contemplar asimismo su aplicación. Así, si se desea producir energía eléctrica para distribuir a la red, es lógico diseñar una planta eólica mediana o grande, mientras que si se trata de utilizar esta energía de forma aislada, será más adecuado la construcción de una máquina pequeña, o acaso mediana.

Finalmente, el tamaño de la planta eólica determina el nivel de producción y, por tanto, influye en los costes de la instalación, dentro de los que cabe distinguir entre el coste de la planta (coste por kW) y el coste de la energía (coste por kW.h).

En las plantas de gran potencia el coste de la instalación presenta economía de escala: hasta ciertos límites tecnológicos, cuanto mayor sea la instalación, menor será  su coste por kW. Sin embargo, el coste de la energía depende de diferentes factores variables.

En las pequeñas máquinas eólicas, el coste de instalación es difícil de determinar, principalmente debido a que se ve muy afectado por el volumen de fabricación, y éste depende del mercado. Por su parte, el coste de la energía es muy superior al precio de la energía convencional. Sin embargo, la rentabilidad de las pequeñas máquinas puede resultar positiva si se tiene en cuenta su ámbito de aplicación, lugares aislados donde el coste de la energía de la red es muy superior al coste en los grandes centros de consumo, una vez añadidos los gastos de instalación de la línea.

Aplicaciones de la energía eólica

Las aplicaciones de la energía eólica se pueden clasificar, según su ámbito, como aplicaciones centralizadas, caracterizadas por la producción de energía eléctrica en cantidades relativamente importantes, vertidas directamente a la red de distribución, o aplicaciones autónomas, dentro de las que cabe distinguir el uso directo de la energía mecánica o su conversión en energía térmica o eléctrica.

En el marco de las aplicaciones centralizadas, en las que siempre será necesario que la potencia base de la red la proporcione una fuente de energía más estable, cabe destacar dos grandes tipos de instalaciones eólicas:

Aerogeneradores de gran potencia: se están llevando a cabo experiencias con aerogeneradores en el rango de potencias de los MW con grandes esperanzas,
ya que la potencia que se podría instalar sería muy grande 

Parques eólicos: se trata de centrales eólicas formadas por agrupaciones de aerogeneradores de mediana potencia (alrededor de 100 kW) conectados entre
sí, que vierten su energía conjuntamente a la red; la generalización de estas instalaciones contribuiría a una importante producción de electricidad de origen
eólico en el futuro 

Por su parte, las aplicaciones autónomas de máquinas eólicas de pequeña potencia pueden ser rentables en muchos casos, según las condiciones eólicas y las características concretas de las diferentes alternativas que se comparen. Las posibilidades que existen en este ámbito se pueden dividir en tres grupos, según el tipo de energía utilizada en cada caso:

Energía mecánica: aplicación inmediata en el bombeo de agua por medio de bombas de pistón, de tornillo helicoidal o centrífugas

Energía térmica: obtenible a partir de la energía mecánica bien por calentamiento de agua por rozamiento mecánico, o bien por
compresión del fluído refrigerante de una bomba de calor 

Energía eléctrica: aplicación más fecuente, pero que obliga a su almacenamiento o a la interconexión del sistema de generación autónomo con la red de distribución eléctrica 

En resumen, las aplicaciones de la energía eólica de forma autónoma están basadas principalmente en las necesidades de pequeñas comunidades o de tareas agrícolas, pudiendo sintetizarse en los siguientes puntos:

Bombeo de agua y riego

Acondicionamiento y refrigeración de almacenes

Refrigeración de productos agrarios

Secado de cosechas

Calentamiento de agua

Acondicionamiento de naves de cría de ganado

Alumbrado y usos eléctricos diversos

Asimismo resulta de interés el empleo de aerogeneradores para repetidores de radio y televisión, estaciones meteorológicas e instalaciones similares, situadas lejos de las redes eléctricas. En estos casos hay que prever normalmente un sistema de acumulación por baterías para hacer frente a las posibles calmas.

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TARA OCEANS EXPEDITIONS EN EL PACÍFICO SUR -

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Artículo en francés y español- 

Pavillons du monde à bord de Tara  
Parcours croisés

Actuellement à l’île de Pâques, Tara accueille à son bord Leïla Tirichine, chercheuse et Lee Karp-Boss, chef scientifique.
Si Leïla et Lee devaient afficher les couleurs de leur pays, il serait difficile pour elles de choisir un seul drapeau. Comme sur Tara, elles hisseraient le pavillon de leur pays d’origine, et un autre en honneur de leur pays d’accueil. Et puis dans une malle, elles conserveraient les drapeaux de ces pays qu’elles ont traversés...

Jérusalem -1964. Seize ans après la naissance d’Israël, Lee vient au monde. A l’image de son peuple, ses origines sont variées. Du sang russe, hongrois et yougoslave, coule dans ses veines. En dépit des menaces dont souffre la ville sainte, Lee passe une enfance et une jeunesse paisible dans le quartier de Katamon, situé près du centre-ville de Jérusalem. Le temps des vacances, la jeune fille et sa famille quittent la capitale pour se rendre au bord du Golf d’Aqaba, dans le Sinaï. Munie d’un masque et d’un tuba, Lee explore les merveilles de la barrière de corail du Golf d’Aqaba. De ces profondeurs marines est sans doute née sa passion pour l’océanographie.

Ghardaïa – 1970. Huit ans après l’indépendance de l’Algérie, Leïla nait dans le sud du pays, aux portes du Sahara. Ses parents ont la nationalité algérienne, française, mais ils appartiennent avant tout au peuple berbère. Leïla passe son enfance entourée des dunes de sable et des oasis. A six ans, la petite-fille démarre une collection de scorpions, serait-ce les prémices d’une passion pour les sciences naturelles… « J’étais fascinée par les scorpions. Je demandais à ma grand-mère de les attraper et ensuite je les mettais dans un bocal avec de l’éthanol. Des années plus tard, j’ai donné toute ma collection au département de zoologie, de l’institut d’agronomie d’Alger ». A l’âge de sept ans, Leïla quitte les dunes de Ghardaïa pour les plages de la capitale.

Dix-huit ans. Un baccalauréat scientifique en poche, la jeune algérienne franchit les portes de l’école d’agronomie d’Alger. Pour la jeune israélienne, l’heure a sonné d’accomplir son devoir de citoyenne. Avant de commencer son service militaire, Lee s’engage une année en volontariat dans une ville défavorisée du pays. Le matin, elle se consacre à la scolarité des enfants, l’après-midi aux projets de développement de la ville. Suite à sa candidature, Lee est ensuite affectée pour son service militaire à un poste de guide culturel. Sa mission : sillonner le pays avec des soldats pour leur enseigner l’histoire, la géographie, et la culture de ce pays qu’ils servent. « J’ai eu six mois de formation avant de commencer, avec les plus grands archéologues, historiens, géographes d’Israël. C’était passionnant. » Après deux ans et demi de service, la jeune femme voyage quelques mois en Norvège, en Angleterre. De retour dans sa ville natale, Lee s’inscrit à l’université de biologie de Jérusalem.

Seattle – 1991. Pour explorer de nouveaux horizons dans le monde de l’océanographie, Lee et son mari, lui aussi océanographe, quittent Israël et s’installent aux Etats-Unis pour effectuer leur doctorat. « Les premiers mois ont été durs. J’avais appris l’anglais à l’école mais ce n’était pas simple de suivre les cours à l’université. Et puis dans la vie de tous les jours, j’avais l’impression d’avoir perdu mon sens de l’humour, car j’avais du mal à comprendre les blagues. » Lee se met vite, très vite, à l’anglais. Jour après jour, elle se sent de plus en plus à l’aise dans son pays d’accueil. A l’université de Washington, la jeune chercheuse tente de percer les mystères de la vie des micro-organismes dans ce milieu visqueux, qui est l’océan.

Toulouse – 1994. Par le biais d’un concours national, Leïla décroche une bourse pour partir étudier en France. Après un diplôme d’agronomie approfondie en biotechnologies végétales à Toulouse, elle poursuit en DEA à Rennes, puis revient à Toulouse pour entamer une thèse en biologie moléculaire et cellulaire végétale. Leïla profite de ces années d’études en France pour sillonner le pays, et étonnement, cet « enfant du désert » aime par-dessus tout la montagne, la neige, le ski.

Alors que Lee change d’Etat aux USA pour se lancer dans un post-doctorat sur « la dynamique du carbone organique dans l’upwelling », Leïla candidate après sa thèse, pour intégrer le laboratoire de Jens Stougaard, au Danemark. « Je me souviens très bien de mon arrivée au Danemark, c’était un jour de tempête, il y avait des vents de plus de 150 km/h. Je venais de faire Toulouse – Aarhus, avec mon Opel corsa ». Pour Leïla, ce voyage épique marque le début de six années danoises, riches en rencontres et en découvertes scientifiques passionnantes. Avec son équipe, ils identifient des gènes mutants capables de noduler sans la présence de bactéries. Suite à cette découverte, le laboratoire dépose deux brevets.

Maine – 2002. Après quatre années dans l’Oregon, Lee s’installe avec sa petite famille dans le Maine, où elle décroche une place de chercheuse à l’université. Le pays qu’elle avait choisi pour étudier, semble vouloir définitivement l’adopter.

Paris – 2009. Depuis trois ans, Leïla a élu domicile à Paris pour vivre aux côtés de son mari. L’année de la naissance de son fils, la chercheuse postule à un concours du CNRS pour rentrer dans le laboratoire de biologie marine de l’ENS Paris, dirigé par Chris Bowler. En tant que coordinateur de l’expédition, Chris Bowler parle à sa nouvelle recrue du projet Tara Oceans. « Ca serait bien que tu embarques sur Tara. Tu verras, c’est une magnifique expérience qui marquera ta vie ! ». Nouvellement plongée dans le monde de la biologie marine, à l’époque Leïla ne se sent pas encore prête, malgré tout l’intérêt qu’elle porte au projet et les encouragements de son mari, lui aussi passionné de sciences.

Nice – 2009. Au cours d’un congrès d’océanographes, Lee Karp-Boss croise Gaby Gorsky, lui aussi coordinateur de Tara Oceans, qui lui présente le projet. « Pour l’anecdote, je connaissais déjà Gaby. Quand j’avais dix ans en Israël, il me donnait des cours de natation.» Adepte de la voile, Lee est tout de suite enthousiasmée par cette expédition.

Océan Pacifique Sud – 2011. Dans le cadre de l’expédition scientifique « Tara Oceans », les parcours de Lee et Leïla se rejoignent en plein désert océanique du Pacifique Sud. Qui aurait pensé que l’enfant du Sahara adopté par la France, fasse un bout de chemin avec l’enfant de la ville sainte devenue américaine ? A bord de Tara, cette rencontre n’est en réalité pas si surprenante. Ici, la science semble être un monde sans frontière, ni pavillon.

L’histoire de ces parcours croisés ne devrait pas s’arrêter là, car les deux chercheuses envisagent de se revoir pour coopérer.

Anna Deniaud

Actualmente  el Tara Oceans en la Isla de Pascua, Tara da la bienvenida a bordo de la científica  Leila Tirichine, investigadora y Lee Karp-Jefe, jefe científico.
Si Leila y Lee fueron para representar a su  país, ahora le sería difícil para ellos  elegir una sola bandera. Al igual que Tara, se izó la bandera de su país de origen, y otro en honor de su país de acogida. Y luego en un baúl, que conservan las banderas de estos países aue han visitado.....

Trayectoria de la nueva científica a bordo

-1964 Jerusalén. Dieciséis años después del nacimiento de Israel, Lee nació. Al igual que su gente, sus orígenes son variados. Sangre de Rusia, Hungría y Yugoslavia corriendo por sus venas. A pesar de las amenazas que sufre la ciudad santa, Lee pasó una infancia y juventud en el tranquilo barrio de Katamon, situado cerca del centro de Jerusalén. El tiempo de vacaciones, la niña y su familia salieron de la capital para llegar a la orilla del Golfo de Aqaba en el Sinaí. Equipado con una máscara y snorkel, Lee explora las maravillas del arrecife de coral en el Golfo de Aqaba. De estos fondos marinos es, probablemente, nació la pasión por la oceanografía.

Ghardaia - 1970. Ocho años después de la independencia de Argelia, Leila nació en el sur, cerca del Sáhara. Sus padres son de nacionalidad argelina, francesa, pero que pertenecen principalmente a la población bereber. Leila pasó su infancia rodeada de dunas y oasis. A los seis años, la nieta de iniciar una colección de escorpiones, sería el comienzo de una pasión por las ciencias naturales ... "Yo estaba fascinada por los escorpiones. Le pregunté a mi abuela para atraparlos y luego los puse en un frasco con etanol. Años más tarde, le di toda mi colección al Departamento de Zoología, Instituto de Agronomía de Argelia. " A la edad de siete años, dejando Leila Ghardaia las dunas de las playas de la capital. 

 

Dieciocho años. Una licenciatura en el bolsillo, el joven argelino camina a través de las puertas de la Escuela de Agronomía de Argel. Para los jóvenes israelíes, ha llegado el momento de realizar su deber cívico. Antes de comenzar su servicio militar, Lee cometió un voluntariado año en una ciudad en desventaja en el país. Por la mañana, se dedicó a la educación de los niños, por la tarde en los proyectos de desarrollo en la ciudad. Tras su nombramiento, Lee se asigna al servicio militar a una posición de guía cultural. Su misión: viajar por el país con los soldados para enseñar historia, geografía y cultura del país que sirven. "Yo tenía seis meses de entrenamiento antes de comenzar, con los arqueólogos líder, historiadores, geógrafos Israel. Fue muy emocionante. Después de dos años y medio de servicio, la joven a viajar unos meses en Noruega, Inglaterra. De vuelta en su ciudad natal, Lee se matriculó en la biología de la universidad de Jerusalén.

Seattle - 1991. Para explorar nuevos horizontes en el mundo de la oceanografía, Lee y su marido, también un oceanógrafo,  de Israel y se establecieron en los Estados Unidos para hacer su doctorado. "Los primeros meses fueron difíciles. Yo aprendí Inglés en la escuela pero no fue fácil de seguir cursos en la universidad. Y en la vida cotidiana, sentí que había perdido mi sentido del humor, porque tenía problemas para entender los chistes. "Lee va rápidamente, muy comprende rapídamente, el Inglés. Día tras día, se siente más cómodo en su país de acogida. En la Universidad de Washington, el joven investigador intenta desentrañar los misterios de la vida de los microorganismos en un medio viscoso, que es el océano.

Toulouse - 1994. A través de un concurso nacional, Leila gana una beca para estudiar en Francia. Después de un título en biotecnología vegetal agronomía en profundidad en Toulouse, se dirige a la DEA Rennes, Toulouse y luego volvió a comenzar un doctorado en biología molecular y celular de las plantas. Leila tiene años de estudio en Francia para viajar por todo el país, y sorprendentemente, este "niño del desierto" ama por encima de todas las montañas, esquiar en la nieve.

Si bien Lee cambia su estadia  en  los EE.UU. para participar en una investigación post-doctoral sobre "la dinámica del carbono orgánico en el afloramiento," candidato Leila después de su tesis, para integrar el laboratorio de Jens Stougaard, Dinamarca. "Recuerdo muy bien mi llegada a Dinamarca, que fue un día de tormenta, hubo vientos de más de 150 km / h. Llegué a Toulouse - Aarhus con mi Opel Corsa. Para Leila, el épico viaje marca el comienzo de seis años danés encuentros ricos y emocionantes descubrimientos científicos. Con su equipo, identificar los genes mutantes que pueden nodular sin la presencia de bacterias. A raíz de este descubrimiento, el laboratorio presentó dos patentes.

Maine - 2002. Después de cuatro años en Oregon, Lee se mudó con su familia en Maine, donde se ganó un lugar como investigador en la universidad. Los países que optaron por estudiar, parece que finalmente se adopte.

París - 2009. Durante tres años, Leila ha fijado su residencia en París para vivir junto a su marido. El año del nacimiento de su hijo, el investigador solicita ayuda del CNRS para entrar en el Laboratorio de Biología Marina en la ENS de París, dirigida por Chris Bowler. Como coordinador de la expedición, Chris Bowler habló a su nuevo recluta Tara océanos del proyecto. "Sería bueno si a bordo de Tara. Ya ves, esta es una maravillosa experiencia que marcará su vida! . Recientemente inmerso en el mundo de la biología marina en el momento de Leila no se siente listo todavía, a pesar de todo su interés en el proyecto y el apoyo de su marido, también un entusiasta de la ciencia.

Niza - 2009. Durante una conferencia de oceanógrafos, Lee Karp-Boss cumple Gaby Gorsky, también coordinador de Océanos Tara, quien presentó el proyecto. "Como anécdota, yo ya sabía de Gaby. Cuando tenía diez años en Israel, he dado clases de natación. "Marineros, Lee estaba emocionado de inmediato acerca de esta expedición.

Al sur del Océano Pacífico - 2011. Como parte de la expedición científica "Tara Oceans", el término de Lee y Leila a participar en el desierto del sur del Océano Pacífico. ¿Quién hubiera pensado que el niño del Sahara adoptadas por Francia, hace un largo camino con el niño de la ciudad santa convertido en Estados Unidos? Un tablero de Tara, esta reunión no es realmente tan sorprendente. Aquí, la ciencia parece ser un mundo sin fronteras, sin bandera.

La historia de estos científicos no se  detendrá  aquíí, ya que los dos investigadores planean volver a reunirse para cooperar.

Anna Deniaud   - presse tara oceans -

Nota original desde el Tara Oceans Expeditions - 2011 desde la Isla de Pascua - investigaciones de microorganismos , planctón , bacterias en el Oceáno Pacífico Sur  - Programa radial AM 1470 radio Mburucuyá - sábados de 10 a 12 horas - Conduce y produce Gerardo D´Andres-

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CINE - LA NOVELLE VAGUE - NUEVO MOVIMIENTO DEL CINE FRANCÉS - SU ORIGEN Y SU HISTORIA -

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NOVELLE VAGUE - 

Artículo desarrollado en español y francés

 

Aqui desarrollamos una visión dónde observamos los nuevos movimientos de los realizadores cinematográficos para romper los moldes preestablecidos de los primeros momentos del séptimo arte.

Este nuevo grupo de realizadores proponía una nueva manera de contar una historia con la imagen en movimiento.

El primer cine surge por supuesto en Europa dónde este maraviloso invento de los hermanos Lumiére se empieza a perfeccionar y a innovar en forma continua.

El avance de la técnología tendrá también un lugar prepronderante , pero los realizadores son los que tendrán el arte de llegar al público de distintas formas ya sea narrando una historia y un nuevo ejercicio de cámaras serán las que romperán las primeras estructuras de filmar en otra forma.

Tan solo como ejemplo por mencionar un innovador y maestro de maestros del cine el nombre de Alfred Hitchock será quién establecerá por primera vez en el cine el hecho de  filmar en exteriores , hasta que no apareció Alfred los rodajes se hacían en un estudio y con escenografía.

El siguiente material que están por leer es muy interesante para los aficcionados al cine y para aquellos que deseen tener un poco más de cultura en su haber , esta es la historia de los nombres en particular en Francia del movimiento innovador denominado: "Novelle Vague"

 Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

Contenido 
 

1 Desarrollo y características
2 Jean-Luc Godard3 Alain Resnais
4 François Truffaut
5 Claude Chabrol
6 Otros realizadores de la nouvelle vague
7 Películas



Desarrollo y características

Este apelativo surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) -fundada en 1951 por André Bazin- deciden incursionar en la dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville

Serían precisamente las obras de Truffaut Los 400 golpes (1959) y Alain Resnais Hiroshima mon amour (1959) las que despertaron la atención y sentenciaron el advenimiento del nuevo fenómeno cinematográfico. El proceso de consolidación de la Nouvelle Vague quedó de manifiesto en el Festival de Cannes de 1959, donde resultaron ganadores: Truffaut recibe el premio a la dirección por su película Los cuatrocientos golpes, ("Orfeo negro" de Marcel Camus fue galardonada con la Palma de Oro) y Resnais obtuvo un gran éxito con su obra Hiroshima mon amour.

Entre los referentes que inspiraron a esta “nueva ola” de la producción cinematográfica francesa, es posible citar al célebre André Bazin, del cual adoptaron la necesidad de retratar la realidad organizando la percepción de las obras de un modo sumamente verosímil, en cuanto al desarrollo de las vicisitudes de los personajes. Todos estos "nuevos trucos" se convertían en sugerentes conceptualizaciones teóricas surgidas por haberse convertido en verdaderos cinéfilos, a base de haber absorbido innumerables películas en la Cinemateca del Barrio Latino de París, donde los conceptos de "autor" y "autoría" gozaban de gran capital simbólico.

Las innovaciones técnicas y los bajos costos de los instrumentos necesarios para la realización de filmes contribuyeron a la emergencia de esta corriente. Gracias a las cámaras ligeras de 8mm. y 16 mm. (formatos no profesionales) y a las nuevas emulsiones más sensibles, hicieron posible que se rodara sin iluminación artificial, cámara al hombro y en locaciones naturales. Es decir, sin necesidad de montar grandes escenografías en monumentales estudios cinematográficos.

En 1948, el director y crítico de cine Alexandre Astruc proclama un nuevo estilo fílmico: "cámera-stylo". Se trata del cine de autor; el director tenía que encontrarse creativamente por encima de todo. La película tenía que nacer de él. "Si el escritor escribe con una pluma o un bolígrafo, el director escribe con la cámara".

Las películas surgidas durante 1959 se caracterizaban por su espontaneidad, con grandes dosis de improvisación, tanto en el guión como en la actuación; con iluminación natural, siendo rodadas fuera de los estudios y con muy poco dinero; pero rebosantes de entusiasmo, atravesadas por el momento histórico en todas las tramas. Las historias solían ser cantos a la plenitud de la vida, el deseo de libertad como valor central en todas sus dimensiones, y un nuevo modo de asumir la adultez desde la óptica de un espíritu joven (juvenilismo).

Estos cineastas nunca formaron un movimiento o escuela, incluso algunos de ellos (Louis Malle, Roger Vadim) no se les consideró en sentido estricto miembros de esta corriente por distintas razones.

Este grupo surgió en contraposición con el cine de calidad (“cinéma de qualité”), anquilosado en las viejas glorias francesas; paradójicamente, los "nuevos trucos" obtuvieron su sitio en la industria y se convirtieron en lo que antes cuestionaban, siendo el caso de François Truffaut el más evidente, así como también el de Chabrol. Sin embargo, a pesar de haber penetrado en la industria cinematográfica, estos cineastas nunca dejaron de producir un cine muy personal y notoriamente alejado de los gustos dictados por las modas.

Frente a ellos se erigió al mismo tiempo otro movimiento, erróneamente enmarcado en la Nouvelle Vague llamado "Rive Gauche", que surgió a la vera de la revista Positif con cineastas teóricamente más vanguardistas como Alain Resnais, Chris Marker y los escritores Marguerite Duras y Alain Robbe-Grillet. El cine de éstos se caracterizaba por ser más retórico, literario, elaborado y cuidado que sus colegas de la "Nouvelle Vague". Destacan los primeros films de Resnais (Hiroshima, mon amour, El año pasado en Marienbad, Te amo, te amo), La Jetée de Marker, Trans Europe Express de Robbe-Grillet e India Song de Duras.

Pocos movimientos cinematográficos han hecho correr tantos ríos de tinta y han suscitado tan apasionadas discusiones como las que concitó el fenómeno de la “Nueva Ola” entre 1958 y 1965, fermentando en las páginas de Cahiers du Cinema, al que, como vimos, se considera el ideólogo de la nueva tendencia.

Para Bazin, el realismo es ontológico en el cine, es decir connatural al carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica, y las películas que mejor lo interpretan y que más se aproximan a la esencia del cine son aquellas que reducen al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales.

En principio sólo se trató de una actitud crítica, pues en la revista Cahiers du Cinéma, François Trufautt arremete contra el “cinéma de qualité” francés y contra su pretendido realismo psicológico en un artículo titulado “Una cierta tendencia del cine francés”. Truffaut protesta de la abrumadora dominante literaria del ciné francés, que es más un cine de guionistas que de realizadores.

Hay dos aspectos fundamentales que van a favorecer el cambio: en 1958, terminada la guerra de Argelia, De Gaulle, presidente de la República de Francia nombra como ministro de cultura a André Malraux, antiguo documentalista, que va a impulsar una legislación proteccionista favorable a los cineastas noveles y al cine de calidad.

También se constituye una nueva ola de espectadores cinéfilos, formados en la frecuentación de cine-clubs que se hallan dispuestos a atraer toda novedad en el terreno cinematográfico. Una encuesta sobre la juventud francesa le permitió a la periodista Francoise Giroud hablar en diciembre de 1957 de una “nouvelle vague”, acuñando este término que va a denominar el cambio de postura de cineastas como Godard, Truffaut o Resnais, entre los más destacados.

Estos jóvenes realizadores e impulsores de la Nouvelle Vague se caracterizaron por:
Poseer un bagaje cultural cinematográfico importante, obtenido en las Escuelas de Cine y en la Cinemateca Francesa.
Forjar su estilo a través de la crítica en la revista Cahiers du Cinéma. Han sido verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados. Incluso han escrito libros sobre ellos.
Defender el cine norteamericano de Hawks, Ford, Hitchcock, Fuller, etc; y el cine realista y visual de Renoir, Bresson, Tati, Ophuls, etc.
La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje, pues se reconocían férreos admiradores de Orson Welles.
En sus películas tratan la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeño burguesa de la posguerra.
Para ellos el cine ha sido una especie de autoconocimiento personal, en sus películas aparecen claras referencias personales.

Sin embargo, en algunos puntos surge algún tipo de contradicción. Por un lado critican el sistema de producción francés, pero por otro se apasionan por el cine comercial de Hollywood, además muchos de ellos terminaron desarrollando el cine burgués que tan firmemente despreciaron en sus comienzos.

La Nouvelle Vague comienza a tomar forma en 1958, cuando Claude Chabrol dirige dos películas gracias al dinero que su mujer obtiene de una herencia. En 1959, Truffaut gana el premio a la dirección en Cannes por su película Los cuatrocientos golpes, y Resnais obtiene un gran éxito con su obra Hiroshima mon amour.

Las características de estas primeras películas contribuyen a renovar el lenguaje cinematográfico. Se ruedan en exteriores e interiores naturales, con “cámara al hombro”, de ahí su estilo de reportaje, tomas largas, forma despreocupada y una duración de rodaje que se reduce a unas pocas semanas. Aportan un nuevo uso de la fotografía, en blanco y negro, que se sirve en interiores de una iluminación indirecta, rebotada, para generar así un ambiente realista al estilo de las iluminaciones difusas de Murnau, que permite rodar con ligereza y a la cámara seguir a los actores de forma más natural. Su técnica es casi artesanal, con un equipo técnico reducido, sin estrellas importantes y con una interpretación improvisada por actores jóvenes.

En suma, es un cine realista, bajo la influencia del Neorrealismo y del lenguaje televisivo, que trata sobre temas morales, aunque no hurguen en las causas del comportamiento de los personajes. La contribución de la nouvelle vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico, redescubriendo la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso. Su aportación sirve para reafirmar la noción de cine “de autor”, para introducir la inventiva en los métodos de trabajo, sacando provecho de las novedades técnicas, como cámaras ligeras, emulsiones hipersensibles, lámparas sobrevoltadas, iluminación por reflexión, y afinando y enriqueciendo las posibilidades expresivas del lenguaje cinematográfico.

Los principales cineastas de la nouvelle vague son:

Jean-Luc Godard

Dirige en 1959 Al final de la escapada, (título original: À Bout de Souffle; y en sudamerica, conocida como "Sin Aliento") que se considera como el auténtico manifiesto en imágenes del nuevo cine francés. Es un thriller con final trágico, una historia corriente, pero su interés radica en la modificación que Godard hace del lenguaje narrativo convencional. Así por ejemplo:
Introduce digresiones (desviación en el hilo de un discurso para expresar algo que se aparta del tema que se está tratando) y utiliza un lenguaje grosero como provocación.
El guión recoge sólo algunas ideas anotadas; de esta forma, los actores pueden improvisar.
Se salta las leyes del cine, altera el raccord, los movimientos de cámara, los fundidos, provocando asincronías. Como él mismo afirmó: “Una película ha de tener planteamiento, nudo y desenlace, pero no necesariamente en ese orden.”
Los actores miran fijamente a la cámara, los encuadres son ilustración del diálogo, que a menudo transcurre en tiempo real.
Sus personajes tienen una formación cartesiana y flirtean a menudo con la ideología marxista.

Tras el Mayo del 68, se decide a utilizar el cine como un guerrillero al servicio del ideario marxista leninista.

Alain Resnais

Va a trasladar al cine sus preocupaciones estéticas con relación a otras artes. Su forma de trabajar se va a caracterizar por servirse de un guión muy trabajado, perfeccionista, por unas localizaciones minuciosas para el posterior rodaje, por usar un montaje visual y sonoro, y por avanzar hacia lo desconocido.

El tema de la memoria y el del tiempo van a ser el centro de gravedad sobre el que gira la obra de Resnais, jugará con las imágenes del presente, las del pasado y las de un posible futuro, sirviéndose del cine-montaje y de larguísimos travellings. Entre sus obras destacan Hiroshima, mon amour y El año pasado en Marienbad, donde va a hacer gala de su gusto por el montaje para narrar sus historias, alternando imágenes actuales con las del pasado o con otras inventadas por los personajes.

Resnais replantea las enormes posibilidades semánticas del cine, partiendo del montaje como instrumento para modificar tiempo y espacio, como si tratase de la mente humana.

François Truffaut

Su cine será, en comparación con las audacias formales de los anteriores, más naturalista y cotidiano. Basado en el análisis psicológico de los personajes, están construidos teniendo en cuenta su trasfondo nostálgico por el pasado. El tema de la dificultad de amar está presente en muchas de sus obras.

Sus personajes se dividen en hombres-niño y mujeres fuertes, todos de comportamiento ambivalente y contradictorio. El amor de la pareja es el tema principal en su filmografía, unido a los recuerdos de una infancia conflictiva y a la nostalgia por la adolescencia perdida. Admira a Hitchcock, admiración que va a plasmar en muchas de sus obras con homenajes al director británico.

Entre sus obras destacan Los 400 golpes, Jules et Jim, La Noche Americana o El pequeño Salvaje.


Claude Chabrol

Es el director más alejado de la nouvelle vague en su sistema de producción. Entender la obra de este autor como parte de un movimiento es injusto, pues la nouvelle vague fue solo un puntapie inicial para su carrera cinematográfica. Sin detenerse a reflexionar sobre el lenguaje cinematográfico, Chabrol explora la psicología del individuo burgués y se centra en el matrimonio y su sexualidad como institución a explorar.

Su obra capital se ubica a fines de la década del 60 y durante toda la década del 70 con títulos como "Las dulces amigas", "Una mujer infiel"(película en la que homenajea a Hitchcock), Su adaptación de la novela policial de de Nicholas Blake, "La bestia debe morir", "La década prodigiosa" (en la que actúan Orson Welles y Anthony Perkins)," El carnicero" y "El infierno", película en donde explora la mente de un hombre que sufre un caso de celotipia que no le permite vivir en paz.

Claude Chabrol es un director que utiliza al cine como método de exploración del hombre como ente social y aún no claudica en su función pues a los 80 años de edad sigue filmando y entregando grandes películas a la filmografía universal.

Otros realizadores de la nouvelle vague

Éric Rohmer
Jacques Rivette
Agnès Varda

Películas

El bello Sergio (1958) de Chabrol.
Los 400 golpes (1959) de Truffaut.
Hiroshima mon amour (1959) de Resnais.
Al final de la escapada (1959) de Godard.
Paris nous aparttient (1961) de Rivette.
Jules et Jim (1962) de Truffaut.
Le répos du guerrier de Vadim.
Cléo de 5 a 7 (1962) de Varda.
Fuego fatuo (1963) de Malle.
La guerra ha terminado (1966) de Resnais.
Mi noche con Maud (1969) de Rohmer.

 

Ici, nous développons une nouvelle vision où l’on observe les mouvements des cinéastes pour casser les moules prédéfinis les premiers moments de cinéma.

Ce nouveau groupe d’administration a proposé une nouvelle façon de raconter une histoire avec des images animées.

Le film est bien sûr d’abord en Europe où cette invention beau bébé des frères Lumière commencent à s’améliorer et d’innover en permanence.

Les progrès de la technologie aura également un prepronderante place, mais les cinéastes sont ceux qui ont l’art de toucher des publics de différentes manières et raconte une histoire et un nouvel exercice dans lequel les caméras seront casser les structures premier film autrement .

À titre d’exemple de mentionner un innovateur et un maître des maîtres du nom du cinéma d’Alfred Hitchcock qui est d’abord établi le fait que le tournage sur place, jusqu’à ce qu’il semble le tournage Alfred ont été faites dans un studio et la scénographie .

Les matières suivantes sont en train de lire est très intéressant pour les amateurs de cinéma et pour ceux qui souhaitent avoir une culture un peu plus à son crédit, c’est l’histoire des noms en particulier le mouvement novateur en France, appelés "Novelle Vague"

Nouvelle Vague (New Wave) est le nom utilisé pour désigner les critiques d’un nouveau groupe de cinéastes français a émergé dans la fin des années 1950. Les nouveaux administrateurs ont réagi contre les structures imposées films français à ce jour et, par conséquent émis l’hypothèse que la plus haute aspiration, non seulement la liberté d’expression mais aussi la liberté technique dans le domaine de la production cinématographique.

Contenu

1 Développement et caractéristiques
2 Jean-Luc Godard3 Alain Resnais
4 François Truffaut
5 Claude Chabrol
6 autres cinéastes de la nouvelle vague
7 Films



Développement et les caractéristiques

Ce terme se pose lorsque de nombreux critiques et écrivains de la revue "Cahiers du Cinéma" (Cinema Papers)-fondée en 1951 par André Bazin, la direction a décidé d’entrer dans des films dans les années cinquante, après avoir servi le profession d’écrivains dans les années précédentes. Tel est le cas de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer et Claude Chabrol, et surtout son prédécesseur Jean-Pierre Melville

Serait tout les oeuvres de Truffaut Les 400 coups (1959) et l’amour d’Alain Resnais Hiroshima mon (1959) qui a attiré l’attention et a condamné l’avènement de la nouvelle réalité du cinéma. Le processus de consolidation de la Nouvelle Vague a été souligné dans le Festival de Cannes 1959 où les gagnants: Truffaut a reçu le prix pour l’orientation de son film Les quatre coups sûrs, («Orphée noir» de Marcel Camus remporte la Palme Gold) et Resnais a été un grand succès avec son travail mon amour Hiroshima.

Parmi les références qui ont inspiré cette «nouvelle vague» du cinéma français, il est possible de citer le célèbre André Bazin, qui ont adopté la nécessité de refléter la réalité de l’organisation de la perception des œuvres d’une façon très crédible, en termes de développement les vicissitudes des personnages. Tous ces «trucs nouveau», se suggestive conceptualisations théoriques émergé pour devenir un vrai film de fans, sur la base ayant absorbé de nombreux films à la Cinémathèque dans le Quartier Latin de Paris, où les concepts d ’"auteur" et "auteur" connu un grand capital symbolique.

Les innovations techniques et le faible coût des outils nécessaires à la réalisation de films ont contribué à l’émergence de cette tendance. Avec légèreté caméras 8mm. et 16 mm. (Formats non-professionnels) et de nouvelles émulsions plus sensibles, ils peuvent être abattus sans éclairage artificiel, un appareil photo à la main, et sur l’endroit naturel. C’est à dire pas besoin de monter de grandes décors monumentaux dans les studios.

En 1948, le réalisateur et critique de cinéma Alexandre Astruc proclame un style nouveau film "caméra-stylo». Il s’agit de la auteur, le réalisateur a dû faire preuve de créativité avant tout. Le film devait être né de lui. "Si l’écrivain écrit avec un stylo ou un crayon, le directeur écrit à la caméra."

Les films qui ont émergé au cours de 1959 ont été caractérisés par la spontanéité, avec de fortes doses de l’improvisation, à la fois dans le script et de la performance, avec un éclairage naturel, étant abattu devant les studios et avec très peu d’argent, mais débordant d’enthousiasme, traversé par le moment historique dans tous les cadres. Les histoires utilisé pour chanter à la plénitude de la vie, le désir de liberté comme une valeur fondamentale dans toutes ses dimensions, et d’assumer une nouvelle façon de l’âge adulte du point de vue d’un esprit jeune (juvéniles).

Ces cinéastes n’ont jamais formé un mouvement ou à l’école, même certains d’entre eux (Louis Malle, Roger Vadim) ne sont pas considérés au sens strict des membres actuels, pour diverses raisons.

Ce groupe a émergé en opposition à des films de qualité («cinéma de qualité"), la stagnation dans le français-been, paradoxalement, les "nouveaux trucs" gagné sa place dans l’industrie et est devenu ce qui était autrefois contestée, le cas François Truffaut le plus évident, ainsi que celle de Chabrol. Cependant, malgré avoir entré l’industrie du film, ces cinéastes ne manquait jamais de produire un film très personnel et très loin des diktats de la mode goûts.

Avant eux a été érigé en même temps un autre mouvement, à tort, l’encadrement de la Nouvelle Vague appelé "Rive Gauche", qui a émergé au bord de la Positif magazine théoriquement plus de cinéastes d’avant-garde, comme Alain Resnais, Chris Marker et écrivains Marguerite Duras et Alain Robbe-Grillet. Ce dernier film a été caractérisée par être plus rhétorique, littéraire, et soigneusement préparés que leurs homologues de la "Nouvelle Vague". Mettez en surbrillance les premiers films de Resnais (Hiroshima, mon amour, L’Année dernière à Marienbad, Je t’aime Je t’aime), Marker, La Jetée, Trans Europe Express Robbe-Grillet et Song de Duras Inde.

Peu de mouvements cinématographiques ont déversé des flots d’encre et tant de personnes ont donné lieu à de telles discussions passionnées comme celles qui ont attiré le phénomène de la "New Wave" entre 1958 et 1965, le brassage dans les pages des Cahiers du cinéma, qui, comme nous l’avons vu, est considéré comme l’idéologue de la nouvelle tendance.

Pour Bazin, le réalisme est ontologique dans le film, qui est automatique et naturel de la reproduction mécanique du film, et le meilleur film qui interprètent et qui sont plus proches de l’essence du film sont celles qui minimisent les interventions de manipulation et artificiels.

En principe, seulement c’était une attitude critique, comme dans les Cahiers du Cinéma journal, François Trufautt attaqué le "cinéma de qualité" français et contre son réalisme psychologique alléguées dans un article intitulé "Une certaine tendance du cinéma français." Truffaut protestation de la majorité dominante littéraire du cinéma français, qui est plus un écrivain de réalisateurs de films.

Il ya deux questions clés qui favoriseront le changement: en 1958, après la guerre d’Algérie, De Gaulle, Président de France nommé ministre de la Culture André Malraux, un ancien bibliothécaire, qui va promouvoir une législation favorable au protectionnisme cinéastes novices et la qualité du film.

représente également une nouvelle vague de cinéphiles téléspectateurs, formé dans la fréquence du cinéma-clubs qui sont en mesure d’apporter de nouveaux développements dans le domaine du cinéma. Une enquête de la jeunesse française a permis la journaliste Françoise Giroud parler en Décembre 1957 d’une "nouvelle vague", inventant le terme d’être appelé le changement de position de cinéastes tels que Godard, Truffaut et Resnais, parmi les points forts.

Ces jeunes cinéastes et les promoteurs de la Nouvelle Vague ont été caractérisées par:
Posséder un bagage culturel important film obtenu dans l’école de cinéma et la Cinémathèque française.
Forge leur chemin à travers la critique dans les Cahiers du Cinéma journal. Ont été cinéphiles vrai, et les films ont été remplis de références et les citations en l’honneur de la plupart des cinéastes leur admiration. Ils ont même écrit des livres sur eux.
Défendre le cinéma américain des Hawks, Ford, Hitchcock, Fuller, etc et le cinéma réaliste et visuelle Renoir, Bresson, Tati, Ophuls, etc
La théorie et le désir de renouveler le film les a incités à redécouvrir le "look" de la caméra et la puissance créatrice de l’assemblée, que les fans reconnaîtront ferreux Orson Welles.
Dans ses films sont terriblement isolés de la condition humaine au sein de la société petite-bourgeoise après la guerre.
Pour eux, le film a été une sorte de la croissance personnelle, dans ses films comparer références croustillantes.

Toutefois, dans certains endroits, il ya toute sorte de contradiction. D’une part, critiquer le système de production français, mais de l’autre sont passionnés par le secteur des films d’Hollywood, ainsi que de nombreux d’entre eux a fini par développer le film si profondément méprisé bourgeoise à ses débuts.

La Nouvelle Vague commence à prendre forme en 1958 lorsque Claude Chabrol a réalisé deux films avec l’argent que sa femme a obtenu un héritage. En 1959, Truffaut remporte le prix de direction au Festival de Cannes pour son film Les quatre coups, et Resnais obtient un grand succès avec son livre Hiroshima mon amour.

Les caractéristiques de ces films contribueront à renouveler le langage du cinéma. Roulé dans naturelle intérieure et extérieure, avec "caméra à l’épaule, d’où le style de reportage, de longs plans, une insouciance et la durée de fonctionnement est réduite à quelques semaines. Fournir une nouvelle utilisation de la photographie, en noir et blanc, servi à l’intérieur de l’éclairage indirect, a rebondi de façon à susciter un environnement réaliste dans le style de l’éclairage diffus Murnau, qui permet de filmer avec la lumière et la caméra suit les acteurs les plus naturelles. Sa technique est presque artisanale, avec l’équipe technique petits, sans grandes vedettes et avec une performance impromptue par de jeunes acteurs.

En bref, c’est un film réaliste, sous l’influence du néoréalisme et de télévision de langue, qui traite de questions morales, mais pas à creuser dans les causes du comportement des personnages. La contribution de la Nouvelle Vague est un renouvellement du langage cinématographique vigoureuse, en redécouvrant la possibilité de "look" de la caméra, la puissance créatrice de réunion et d’autres ressources tombée en désuétude. Votre contribution a servi à réaffirmer la notion de cinéma d’auteur, de présenter les méthodes de l’invention de travail, en tirant parti de nouvelles techniques telles que des caméras légères, émulsions hypersensible lampes sobrevoltadas, l’éclairage par réflexion, et le raffinage et l’enrichissement possibilités expressives du langage cinématographique.

Les grands cinéastes de la Nouvelle Vague sont:

Jean-Luc Godard

Réalisé en 1959 à la fin du voyage, (titre original: A Bout de Souffle, et en Amérique du Sud, connue sous le nom "Breathless") qui est considéré comme le montre des images réelles dans le nouveau cinéma français. C’est un thriller avec une fin tragique, une histoire actuelle, mais son intérêt réside dans les changements que Godard fait langage narratif classique. Par exemple:
Entrez digressions (décalage dans la ligne d’un discours pour exprimer quelque chose qui s’écarte du sujet traité) et utilise un langage grossier comme une provocation.
Le script contient quelques idées par écrit, de cette manière, les acteurs peuvent improviser.
Ignore les lois du cinéma, modifie raccord, mouvements de caméra, fondu, causant asynchronisme. Comme il le dit: «Un film doit avoir un début, un milieu et une fin, mais pas nécessairement dans cet ordre."
Les acteurs regardent la caméra, les images sont des illustrations de dialogue, qui a souvent lieu en temps réel.
Ses personnages ont un arrière-plan cartésien et souvent flirter avec l’idéologie marxiste.

Après mai 68, a décidé d’utiliser le cinéma comme un guerrier au service de l’idéologie marxiste-léniniste.

Alain Resnais

Est-ce que le transfert aux préoccupations esthétiques du film par rapport à d’autres arts. Sa façon de travailler sera caractérisée par le recours à un scénario très élaboré, un perfectionniste, un lieux détaillé pour le tournage ultérieur par l’aide d’un visuel et sonore, et de faire progresser dans l’inconnu.

Le thème de la mémoire et le temps sera le centre de gravité sur les travaux de rotation Resnais, joue avec les images du présent, du passé et un avenir possible, et le montage du film à l’aide de longues travellings. Ses œuvres comprennent Hiroshima, Mon Amour et L’Année dernière à Marienbad, où il sera affichent leur goût pour l’assemblage de raconter leurs histoires, des images passées à courant alternatif ou d’autres inventés par les personnages.

Resnais sémantique repenser les énormes possibilités du cinéma, à commencer par l’assemblée comme un outil pour modifier le temps et l’espace, comme pour l’esprit humain.

François Truffaut

Ses films seront comparés avec les précédents audaces formelles, plus naturaliste, tous les jours. Sur la base de l’analyse psychologique des personnages sont construits en tenant compte de leurs antécédents nostalgique sur le passé. Le thème de la difficulté de l’amour est présent dans plusieurs de ses œuvres.

Ses personnages sont divisés en hommes et des femmes des enfants forts, tous les comportements ambivalents et contradictoires. L’amour du couple est le thème principal de ses films, couplé à un souvenir d’enfance en difficulté et la nostalgie de l’adolescence perdue. Hitchcock admire, l’admiration qui se traduira par une grande partie de son travail avec des hommages au réalisateur britannique.

Ses œuvres comprennent Les 400 coups, Jules et Jim, La Nuit américaine ou dans la nature.


Claude Chabrol

Loin est le directeur de la nouvelle vague dans son système de production. Comprendre le travail de cet auteur dans le cadre d’un déménagement est injuste, que la Nouvelle Vague était juste un coup d’envoi à sa carrière cinématographique. Sans s’arrêter à réfléchir sur le langage du cinéma, Chabrol explore la psychologie de l’individu bourgeois et se concentre sur le mariage et la sexualité comme une institution à explorer.

Son chef-d’œuvre se trouve dans la fin des années 60 et pendant les années 70 avec des titres comme «Les amis doux», «Une femme infidèle" (film qui rend hommage à Hitchcock), L’adaptation du roman de la police Nicholas Blake, The Beast Must Die »,« La décennie prodigieuse »(dans lequel elles opèrent Anthony Perkins et Orson Welles)," le boucher "et" Hell ", un film dans lequel il explore l’esprit d’une personne qui souffre d’une jalousie, si pas le droit de vivre en paix.

Claude Chabrol est un réalisateur qui a utilisé le cinéma comme une méthode d’exploration de l’homme comme une entité sociale et pas encore faillir à son rôle de 80-ans, est en tournage et de films pour livrer filmographie universelle.

D’autres cinéastes de la nouvelle vague

Éric Rohmer
Jacques Rivette
Agnès Varda

Films

Le beau Serge (1958) de Chabrol.
Les 400 coups (1959) Truffaut.
Hiroshima mon amour (1959), Resnais.
À la fin du voyage (1959) de Godard.
Aparttient nous Paris (1961) de Rivette.
Jules et Jim (1962) Truffaut.
Le repos du guerrier Vadim.
Cléo de 5 à 7 (1962) Varda.
Wisp (1963) de Malle.
La guerre est finie (1966) Resnais.
Ma nuit chez Maud (1969) de Rohm

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SERIE BIOGRAFIA GRANDES CIENTÍFICOS - MICHAEL FARADAY - GRAN BRETAÑA -

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La humanidad le debe nuestro bienestar de hoy a muchos científicos que trabajarón en pos de mejorar la calidad de vida hoy recordamos al reconocido científico británico Michael Faraday.

 

 

Viajamos a finales del siglo XVIII para destacar la carrera científica de un reconocido científico británico vinculado tanto a la física como a la química, y quien se encargó del estudio del electromagnetismo y la electroquímica. Se trata de Michael Faraday, miembro de la Royal Society y figura clave en el desarrollo subsiguiente de ambas disciplinas.

Hacia sus primeros años de vida, Faraday se crió en un pueblo de las afueras de Londres. No tuvo una formación académica sobresaliente, pero su vocación autodidacta lo fue acercando hacia la ciencia e inculcándole una vocación científica que no abandonaría jamás, a pesar de su nulo talento para las matemáticas.

Tras haber pasado por algunos empleos, Faraday ingresó como Asistente Químico en la Royal Institution en 1813, donde aprendió trabajo de campo y se inició en laboratorio. Allí trabajó de asistente de Humphry Davy, un famoso químico británico conocido por el descubrimiento de nuevos elementos químicos.

En la Royal Institution Fraday trabajó sobre el cloro, que había sido descubierto por Davy, y también realizó algunos experimentos sobre la difusión de los gases. Consiguió licuar varios gases, y también investigó el acero y desarrolló nuevos tipos de vidrio con propósitos ópticos. También allí descubrió el benceno y el trabajo sobre algunos gases le permitió generar bases para concepciones de agregación molecular.


Pero más allá de todos estos descubrimientos Faraday es reconocido por haber desarrollado experimentos sobre la inducción electromagnética. Este es el fenómeno que genera voltaje en un cuerpo expuesto a un campo magnético, y cuando el cuerpo es conductor ocurre una corriente inducida.

Faraday demostró que una carga eléctrica se acumula en la superficie de un conductor eléctrico cargado más allá de lo que hay en su interior.

Sus descubrimientos hicieron que a la unidad de capacidad eléctrica se denominase faradio en su honro. Esta unidad se conoce como F, y pertenece al Sistema Internacional de unidades.

En 1824 Michael Faraday ingresó a la Royal Society de Londres, y hacia 1832 se le otorgó un grado honorario de la Universidad de Oxford. Fue electo miembro extranjero de la Royal Swedish Academy of Sciences, y también fue electo miembro de la Academia Francesa de Ciencias en 1844.

Falleció en 1867 y antes de morir se negó a ser enterrado en la Abadía de Westiminster debido a su condición de sandemaniano.

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BREVE HISTORIA DE G Y G PRODUCCIONES ARTÍSTICAS - SEGUNDA PARTE -

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En esta ocasión relatamos la historia de nuestra productora , por cierto un emprendimiento familiar que ha cumplido dos décadas de la cúal nos queda numerosos recuerdos y el comienzo de un exitoso programa radial.



A mediados de 1991 comenzamos con mi hermano Gustavo un hermoso proyecto , el de realizar nuestro primer trabajo radial , su nombre: "PENTAGRAMA" aunque todo hace suponer que se trata de una audición musical , no fúe concebido con ese propósito si bien no dejamos nunca de lado la música , que no sólo fue grabada si no que por él pasarón numerosos artistas en vivo.



Un ejemplo de ello fuerón nuestros padrinos artísticos "Los del Fondo de la Legua" un querido conjunto folcloríco cuyos padrinos a su vez fuerón "Los Chalchaleros" y en ocasión de cumplir su aniversario número veinte los acompañarón tocando juntos en el Club UVA de Villa Adelina Vicente López de dónde los muchachos del fondo de la Legua tienen su origen.



Por supuesto que cuando cumplimos un año de labor estuvierón presentes en en nuestra audición y la musica fue en vivo , también no dejo de recordar mis primeros trabajos gráficos en el Diario Imagen de Marta Susana Bruno , hoy de Marcelo Ferrando y de la revista"Tiempo de la Comunidad" de la localidad de Carapachay de José María Morán-



La audición PENTAGRAMA nos trajo muchas satisfaciones por ahí pasarón los hijos de Edmundo Rivero , Mario Marzán , Raúl Palma , Alma Salteña , los pioneros padres que formarón ALUBA lucha contra la anorexia , El Club Astrónomico Félix de Aguilar , y tantos otros imposible de recordar-



PENTAGRAMA se habia propuesto en esa primera etapa presentar a todos los más sobresalientes artisitas , educadores , y lo que era inherente a la sociedad de Villa Adelina en primer lugar y luego continuar con la zona Norte , y realmente superó las expectativas, porque tuvimos la gran suerte que nos acompañarón los oyentes y el mundo de la cultura que hasta salimos con una nota en el diario IMAGEN dónde deciamos que necesitabamos una Casa de Cultura en Villa Adelina a la que en 1992 por iniciativa de algunos vecinos y la Municipalidad de San Isidro bajo la dirección de Carmen Lamberti se conformo este sueño que sin querer propiciamos desde el diario local Imagen y cultura San isidro de la cúal fuimos colaboradores permanentes hasta la actualidad y de pasó saludamos a Villa Adelina en su cumpleaños 102-



Tanto fue así que organizamos la primer muestra fotográfica de la "Fundación Antártica Marambio" auspiciada por nuestro programa de la cúal fui miembro hasta el año 2005.



En 1994 grabe un especial registro de audio de la fundación Marambio de una duración de aproximadamente 35 minutos que se uso hasta la actualidad con fines pedágogicos , dónde mi voz recorrió en forma anónima durante años organizaciones , instituciones , colegios y no puedo calcular dónde más toda la Argentina , latinoamérica y el mundo, en este compilado con música de fondo y el relato de esta epopeya histórica protagonizada por argentinos en el año 1969-



También en lo años 1991 y 1992 los sábados por la noche habiamos concretado otro de mis sueños , transmitir a los oyentes registros de Jazz argentino , resaltando las bandas tradicionales de fama internacional como la PORTEÑA JAZZ BAND , CREOLE JAZZ BAND , FENIX JAZZ BAND ,DELTA JAZZ BAND y tantas otras.



El programa se realizaba en vivo desde los estudios de la FM 106.7 de Villa Adelina y comenzabamos a las 21 hasta las 23 horas. su nombre "Embajadores del Jazz" , por ahí desfilarón de invitados muchos de los músicos más importantes del firmamento del jazz argentino de aquel entonces , lamentablemente por razones económicas nunca más pudimos volver a poner al aire este ciclo.



1994 nuevamente me refiero a esta fecha , fue el comienzo de los ciclos especiales junto a Julio Martel en el Centro Municipal Munro ex Cine Astral adquirido por la Municipalidad de Vicente López , ahí desfilarón cantantes traidos por nuestra productora desde las bandas de jazz tradicionales hasta el recientemente desaparecido Argentino Luna ,la recordada Ginamaría hidalgo , Cacho tirao , Roberto Yanez ,Opus cuatro , Los del fondo de la Legua , Enrique Dumas ,Suma Paz ,Damasio Esquivel ,Alma Salteña , Juan el peregrino ,y tantos otros...mientras tanto PENTAGRAMA se mudaba de emisora para entrar en el aire en la sintonía de un reconocida FM de la ciudad de Villa Ballester 99.3 UNIÖN de Edmundo Chiche Calcagno , también músico , jazzero de vocación - En nuestro horario tradicional de los miércoles de 21 a 23 horas.



PENTAGRAMA tuvo más de cinco premios al mejor programa cultural y más de diez menciones especiales en distintos ambitos educativos-



Además también en 1994 era movielero del Canal 5 de vVicente López hoy llamado "Somos Zona Norte" de Cablevisión y sería el lanzamiento oficial de nuestro medio gráfico "Proyecciones" hasta mediados de 1999 , hoy transformado en blog en edición digital.






 GRACIAS POR COMPARTIR ESTOS TIEMPOS DE MI VIDA PROFESIONAL EN ESTE MUNDO INTENSO DE PASIÓN QUE ES EL  DEL ARTE Y EL PERIODISMO .

LA HISTORIA CONTINÚA ----- 

Toda la información vertida en este artículo incluyendo las fotos de archivo son propiedad exclusiva de G Y G  Producciones Artísitcas. Copyright 2011.

 

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MARAVILLAS DEL MUNDO - LA GRAN MURALLA CHINA .

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El siguiente artículo es una recopilación de diferentes datos sobre esta maravilla del mundo :”La gran muralla China” en una parte pertenece a Carlos de Educación y cultura  escrito en 1999 en su blog y otras fuentes inclusive Wikipedia . pero para dale un valor agregado las fotografías exhibidas pertenecen a una reciente visita turística en 2010 de unos amigos de facebook que me parecierón sumamente interesantes del albún de Jean Marie Gallard.

El relato a continuación describe la realización de esta espectacular obra arquitectónica construida por el hombre y en la actualidad un nueva mirada del gobierno chino , a pesar de su sitema comunista ,comenzarón a flexibilizar su capacidad de captar ideas del capitalismo como ya lo hicierán en su industrialización , ahora ponen énfasis en el cuidado del patrimonio cultural que ya no sólo pertenece asu territorio si no también que “La Gran Muralla forma parte de las siete maravillas del mundo y es patrimonio de la humanidad.

Origen de la muralla china

 

Los orígenes de la muralla china se remontan al siglo V a.C. en la actualidad solo se conserva en pie un treinta por ciento de esta gran maravilla de la humanidad. El imponente muro fue modificado y extendido hasta el sigo XVI por las sucesivas dinastías imperiales de China. El objetivo específico de la gran muralla era la defensa contra ataques de los nómadas xiongnu de Mongolia y Manchuria. Cubre 20.000 km de extensión posee unos seis o siete metros de alto y entre cuatro y cinco de ancho. La muralla se construyó en tiempos de intensas guerras en la antigua región; mas de un millón de soldados custodiaron se cree que mas de diez millones de trabajadores murieron construyéndola. Los cuerpos de los trabajadores se encuentran enterrados en las inmediaciones de la gran construcción.

Sin lugar a dudas este es uno de los lugares del mundo en donde a la mayoría de las personas les gustaría caminar. Su edificación es una de las más grandes que se han efectuado en todos los tiempos y culturas que habitaron el mundo. El origen de la Gran Muralla China remonta al periodo de los Reinos Combatientes, entre los años 480 y 221 aC. La extensión de la misma llega a los 7.300 kilómetros de largo, y fue edificada con el objetivo de impedir el ataque de las tribus nómadas de Mongolia y Manchuria. Durante mil años diferentes dinastías la fueron reconstruyendo y así se completo su estructura.

 

 

El Gobierno chino llevará a cabo durante doce meses un concienzudo estudio de la Gran Muralla para comprobar su longitud exacta, estimada en unos 6.300 kilómetros, y protegerla mejor.

 

¿Cuánto mide exactamente la Gran Muralla? Esa es la pregunta que, desde hace décadas, se hacen los arqueólogos chinos, a quienes no les basta con los 6.300 kilómetros de longitud que tradicionalmente se atribuyen a este impresionante monumento.

 

Contagiándose del mismo espíritu que ya llevó a revisar la altura del Everest en 2005, la Administración Estatal del Patrimonio Cultural y la Oficina Nacional de Mediciones y Mapas efectuarán un concienzudo estudio que podría ser tan masivo como la construcción de la Gran Muralla. De hecho, los resultados no se conocerán hasta 2008, por lo que los investigadores se pasarán 12 meses recorriendo el colosal monumento y recopilando datos.

 

Desde luego, no les faltará trabajo, porque la Gran Muralla se extiende desde el paso de Jiayuguan, en la provincia noroccidental de Gansu y cerca de la frontera con Mongolia, hasta la Bahía de Bohai, a cien kilómetros de Pekín.

 

Sin embargo, lo que los arqueólogos se encontrarán durante casi todo el trazado serán ruinas, ya que sólo el 20 por ciento de la construcción se mantiene en pie, un 30 por ciento se encuentra en malas condiciones y el resto ha desaparecido casi por completo.

 

El paso del tiempo ha afectado a la Gran Muralla casi tanto como las incursiones de los bárbaros de Asia que pretendía frenar hace ya más de 2.000 años. Y es que, a pesar de su trascendencia histórica y de ser Patrimonio Cultural de la Humanidad, el «Muro de los 10.000 Li» (como se conoce en China a esta barrera, porque cada día li son 500 metros), no estaba amparado por ninguna norma de protección estatal hasta el pasado otoño.

 

A partir de ahora, el Gobierno central multará con entre 5.000 y 50.000 euros a quien organice actividades comerciales en los tramos cerrados a los turistas y a quien haga pintadas o «graffiti» como los que abundan en las zonas más visitadas. También serán castigados con dureza, incluso con penas de hasta 10 años de cárcel, los numerosos expoliadores que roban sus piedras y ladrillos para utilizarlos como materiales de construcción.

 

El régimen comunista chino ha tomado tan drástica decisión después de que cien metros de la Gran Muralla fueran desmantelados hace dos años para pavimentar una carretera y de que una multitudinaria fiesta «rave», organizada con la aprobación de las autoridades locales, causara graves daños al monumento.

 

Todo, incluyendo la nueva medición, con tal de proteger la Gran Muralla, que data de la Dinastía Qin y se remonta al año 221 antes de Cristo, cuando el primer monarca que unificó China, Qin Shi Huang, restauró los diseminados muros de defensa procedentes de la Época de los Reinos Combatientes (476-221 a.C.) y los conectó en una nueva construcción de 4.800 kilómetros. En el 206 a. C., la Dinastía Han extendió el muro hasta el Desierto de Gobi, en Mongolia, para conjurar la amenaza de los hunos que acaudillaba el temido Atila. Pero la Gran Muralla que hoy conocemos procede, en gran medida, de la Dinastía Ming (1368-1644), que introdujo ladrillos como los que se emplean actualmente y convirtió la obra en un prodigio de la ingeniería al extenderse por escarpadas montañas con pendientes de hasta 70 grados.

 

 

 

 

Gran Muralla China

 

Los materiales que se usaron para construirla eran los que más abundaban en cada región por la que pasaba. Los materiales más pesados eran transportados por elefantes.

En el transcurso del gobierno del primer emperador chino se restauraron y se unieron las primitivas secciones de la muralla, las que por ese entonces aun se encontraban

dispersas y sin continuidad. Bajo la dirección de él la construcción fue adoptando la definitiva forma.

Para construir la Gran Muralla se tardo varios siglos en los que se pasaron por el Imperio varias dinastías, como ya te contamos el primer emperador se ocupo de unir las partes, luego los Han se encargaron de llevar la extensión hasta el desierto de Gobi. La dinastía Ming se encargo de prolongarla de manera tal que su extensión a través 100 condados, en el extremo este y el noroeste. Sitien es cierto que es imposible saber con exactitud cuantas vidas se llevo la construcción, ya sea para defenderse de los atacantes o por lo riesgoso de llevar a cabo dicha obra, lo que si se sabe es que la Muralla es el cementerio más largo del mundo.

 

 

 

La Muralla cuenta con puertas que permitían el acceso, estas eran pocas y cada una de érase encontraba muy bien custodiada. Existían defensas especiales detrás de ellas por si intentaban forzarlas las tropas enemigas.

 

Las torres fueron construidas por la dinastía Han que las puso a lo largo de la línea. Ellas se comunicaban entre si mediante señales de humo y contaban con guardias permanentes y grupos de arqueros que eran los encargados de disuadir cualquier posible ataque.

 

Si bien era cierto que la muralla no tenia la capacidad de detener totalmente a aquellos que intentaran atacarla a pie, es cierto que si servia para detener a caballerías, de esta forma no era posible una gran invasión al territorio imperial.

 

 

 

 Torres de vigilancia y cuarteles

 

 

 

Torre de vigilancia

 

Los fuertes fueron construidos a lo largo de las paredes, o directamente integrados en las paredes con un sistema de señales de humo puede impedir un ataque Xiongnu. Para lograr la pronta llegada de refuerzos, el ejército hizo uso de la luz, principalmente para la caballería. La Gran Muralla también pasa a través de las principales rutas comerciales, lo que permite el control de las importaciones. Cada torre tiene escaleras únicas y de acceso difícil de manera que confunda al enemigo. Los cuarteles y los centros administrativos fueron ubicados a mayores distancias. A lo largo de la muralla existen almenas en la línea superior de la gran mayoría de la pared, con lagunas defensivas un poco más de 30 cm de altura, y alrededor de 23 cm de ancho.

 

 

Conservación

 

 

 Si bien algunas partes al norte de Pekín y cerca de centros turísticos se han conservado, e incluso reconstruido, en muchos lugares el muro está en mal estado. Las partes han servido como una fuente de piedras en la reconstrucción de viviendas y carreteras. Las secciones del Muro también son propensas a graffiti y vandalismo. Se ha destruido también, porque está en el camino de la construcción. No hay un inventario exhaustivo de la pared se ha llevado a cabo, por lo que no es posible decir cuánto de ella sobrevive, especialmente en las zonas remotas.

 

Más de 60 kilómetros de la pared en la provincia de Gansu pueden desaparecer en los próximos 20 años, debido a la erosión de las tormentas de arena. En los lugares, la altura de la pared se ha reducido de más de cinco metros a menos de dos metros. Las torres vigías que caracterizan a las más famosas imágenes de la pared han desaparecido completamente. Muchas secciones occidentales de la pared se construyeron a partir de barro, en lugar de ladrillo y piedra, y por lo tanto son más susceptibles a la erosión.

 

 

Secciones llamativas

 

 Una de las secciones más llamativas de la Gran Muralla Ming es donde remonta muy empinadas laderas. Recorre 11 kilómetros de largo, de 5 a 8 metros de altura y 6 metros en la parte inferior, hasta 5 metros en la parte superior. Tiene 67 torres de vigilancia y esta a 980 metros sobre el nivel del mar.

25 km al oeste de Tian Ling Liao la pared que es de una altura muy baja. Los arqueólogos explican que el muro que parece ser de plata, porque la piedra que utilizaban eran de Shan Xi, donde muchos se encuentran las minas. La piedra contiene alto grado de metal en ella provocando que aparezca la plata. Sin embargo, debido a los años de decadencia de la Gran Muralla, es difícil ver la parte de plata de la pared el día de hoy.

 

Puertas

 

Paso Juyong (居庸關) o "paso del norte", en la zona de Badaling. Esta sección del muro ha tenido muchos guardias para defender la capital Pekín. De piedra y ladrillos de las colinas, esta parte de la Gran Muralla es de 7,8 metros de altura y 5 metros de ancho.

Paso Jiayu (嘉峪關) o "paso del oeste". Esta fortaleza está cerca del borde occidental de la Gran Muralla.

Paso Shanhai (山海關) o "paso del este". Esta fortaleza se encuentra cerca de los bordes de la zona oriental de la Gran Muralla.

 

Finalmente una leyenda urbana ha sido desmentida su vista espacial-

 

Vista espacial

 

Algunos especialistas en décadas pasadas afirmaron que la colosal obra podría ser observada desde el espacio. Una emisión del programa de televisión “Aunque usted no lo crea” también afirmó la misma teoría extendiendo un mito social que en realidad no es verdadero. La muralla china no es mas ancha que muchas grandes carreteras y avenidas del mundo moderno, tampoco es más elevada que otras construcciones. Su extensión la convierte en una obra de ingeniería de gran magnitud en la historia de la humanidad. Si embargo numerosos astronautas afirman que no es posible que sea observada desde el espacio.

El Gobierno chino llevará a cabo durante doce meses un concienzudo estudio de la Gran Muralla para comprobar su longitud exacta, estimada en unos 6.300 kilómetros, y protegerla mejor.

 

 

 

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UNA BEBIDA CON MUCHA HISTORIA - LA CERVEZA

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Dicen que la cerveza procede de los sumerios quienes 7.000 años antes de Cristo ya descubrieron su proceso de fermentación en la zona de confluencia de los ríos Tigris y Eufrates, allá en los albores de las primeras civilizaciones. También cuentas que los propios babilonios ya tenían más de 20 clases distintas de cerveza 4.000 años antes de que Cristo viniera al mundo. E incluso se dice que entre los egipcios la cerveza era la bebida favorita.

Ahora bien, ¿de cuando se tiene constancia de la primera cervecería de la Historia del Mundo?

Pues según los datos con los que se cuenta, como no podía ser de otro modo, fueron los frailes (los benedictinos más concretamente) los primeros que fundaron un establecimiento dedicado a la elaboración y el arte de vender cervezas.


Fue ni más ni menos que en el año 1040 cuando en el monasterio alemán de Weihenstephan se fundó esta primera cervecería de la Historia. En ese año fue el Abad Arnold quien obtuvo el fuero necesario para la elaboración de la bebida, elaborando ocn el tiempo, hasta tres tipos de cervezas: una más suave para los peregrinos y más pobres; otra para los monjes y obreros y una premium para el abad y las gentes más importantes.

Fue la única cervecería durante más de 300 años, hasta el año 1363, fecha en que Seidel-Vaterstetter abrió una cervecería que hoy se ha hecho legendaria y que a más de uno entendido le sonará este nombre: la Franziskaner-Bräu.

Por cierto, aquella cervecera del año 1040 aunque ya no es una fábrica, sí que existe aún y sigue muy unido al mundo cervecero, pues es la sede de la Facultad Cevercera de Alimentos y Lácteos de la Universidad de Munich.


Tu crees que no podriás degustar de esta bebida en la actualidad , púes la respuesta es sí -.  Lo podés ver incluso en las etiquetas de las botellas de esta cerveza. Desde 1040, ni más ni menos, desde ese año viene funcionando y elaborando cerveza la Weihenstephan, la fábrica más antigua del mundo. Está situada en la ciudad alemana de Fresing, Frisinga en castellano, apenas 42 kilómetros al norte de Munich.

En su origen fue una abadía benedictina, situada en la colina de Nahrberg, y más tarde fábrica real bávara de cerveza. Hoy es una empresa cervecera en la que también se puede visitar una de las escuelas de elaboración de la cerveza más importantes del mundo, perteneciente a la Universidad Técnica de Munich. Desde mediados del siglo XI los frailes de la abadía obtuvieron el permiso necesario para elaborar tres tipos de cervezas.

Curiosamente no se distinguían por su sabor o por su color, sino que se diferenciaban en la que tomaban los peregrinos que llegaban a la abadía, los pobres y los sirvientes, la más ligera de todas, una un poco más fuerte para los frailes y monjes que vivían allí, y la cerveza Premium, la mejor de las que se elaboraban, para uso y disfrute del abad de la abadía, los prelados y la gente importante de la ciudad.

Hoy en día esta cerveza Weihenstephan, en sus doce variedades, se puede beber en 35 países distintos. si te encontrás en  Freising seguro que te encantará hacer una visita guiada por la fábrica, para conocer todo el proceso de elaboración, visitando el museo de la cerveza y la historia de los casi mil años de la abadía, y terminando con la típica degustación, en un vaso especial que nos podemos llevar como recuerdo.

Pero ahora nos detenemos un poco para hablar de su composición y sus propiedades

La cerveza es una bebida que tiene poca graduación alcohólica y que se obtiene mediante la fermentación de la levadura con el mosto obtenido de la malta de cebada, el lúpulo, el agua, el arroz y el maíz. Productos todos altamente energéticos que le confieren a la cerveza unas propiedades muy nutritivas.

La composición de la cerveza se basa en tres productos que son esenciales para su fabricación, sea del estilo que sea: el lúpulo, la malta y el agua. A ellos podríamos añadir productos complementarios como el arroz o el maíz y las levaduras.

- El lúpulo es el que le da el amargor a la cerveza, además de proveerla de sus aromas especiales y componiendo una espuma más o menos consistente y vistosa. El lúpulo estimula el apetito además de ser sedante.

- La malta se obtiene de la cebada cervecera. Tras germinar el grano, se le somete a un proceso de tostado de modo que una vez que se transforma aporta almidón, enzimas y proteínas que servirán en la elaboración del mosto. La malta nos aporta al organismo carbohidratos y vitaminas.

- El agua sirve de complemento en la elaboración final del producto, aportando propiedades minerales que se obtienen de la aplicación de sulfatos, sodio, calcio, potasio, etc. el porcentaje de agua es lo que ayuda a refrescarnos aún más.


- El arroz y la sémola de maiz aportan almidón a todo el proceso.

- La levadura son hongos que ayudan en la transformación de los azúcares en alcohol y anhídrido carbónico. Es lo que conocemos como fermentación, que ya vimos puede ser alta o baja dando un tipo u otro de cerveza.

En conjunto, la cerveza nos aporta una gran cantidad de sales minerales, de modo que un litro de esta bebida nos da toda la cantidad necesaria de magnesio en un adulto, así como entre un 20 y un 40% de la cantidad que necesitamos diariamente de fósforo y potasio. Es diurética, pues tiene mucho potasio y poco sodio, y además está indicada para los que tienen problemas del corazón (por la cantidad de magnesio que lleva) y del riñón (el magnesio es también bueno para evitar la formación de cálculos renales).

En cuanto a vitaminas, nos aporta las A, B, D y E.


Estamos entrando en temperaturas más bajas,por la proximidades en algunos meses del invierno , pero cuando menos lo pensemos estaremos otra vez con calor y será   cuestión del tan traido cambio climático o no, las temperaturas parecen subir sin límites. Sentado frente a mi computadora, miro mi derecha, al odioso termómetro de la temperatura.. ¡41º! El sudor me perla la frente, y mi garganta se reseca víctima del intenso calor que estamos padeciendo por esa ola que hace pocos días nos anunciaron en los noticiosos. “Beber cerveza“, primer flash.

Sed. Perversa sensación que me entorpece el trabajo, que me desconcentra, que no me deja reposar, esté escribiendo o esté leyendo tranquilamente. Sí, podría beber un vaso de agua, ponerme la botellita  a mi lado, pero realmente lo que me apetece es irme a cualquier boliche de playa y refrescarme.

Cerveza. Dorada, espumosa, fresca. Una helada jarra que chorrea gotas de agua por el cristal. Y esa espuma, que parece llamarme, incitarme a meter mis labios, y sacarlos de ella con ese fino hilo espumoso pintado sobre mi bigote. Siento su frescor caer garganta abajo; llenarme los sentidos; recorrerme el cuerpo como un impulso eléctrico lo haría; dándome la vida nuevamente. Mis pupilas de gato se agrandan de nuevo para volver a ver cuanto me rodea, para volverme a sentir yo, apartado del calor… ¿calor? ¿qué calor?… chasqueo la lengua, y siento su sabor a malta llenándome la boca. Aspiro hondo, y como surgida de las mismas entrañas de un mundo desconocido, de nuevo aquella voz chispeante me llama.


Miro la jarra, transparente, el oro del líquido, aquella espuma casi evaporada, que hasta parece sonreirme, y de nuevo, mi garganta me pide más. CERVEZA FRESCA…

Abro los ojos y vuelvo a mi realidad; la de mi Pc, en el desierto de mi oficina y del bochornoso calor; lejos del breve espejismo de los boliches y de la playa. Y susurrando maldiciones, porque al fin he vuelto a desconcentrarme, he de levantarme y, al menos, ir hasta la pequeña heladera que tenemos. ¡Qué demonios! Una buena cerveza me quitará el calor y la sed.

Y es que a fin de cuentas, beber cerveza es un placer.

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El origen de los apellidos - Lo que hay que saber .

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La Heráldica es la ciencia que estudia las normas para la correcta interpretación de los blasones o escudos de armas. Pero de todas formas nos planteamos cuatro preguntas: ¿Que es un apellido?, o ¿Que significado tiene?, ¿quien la forma? y ¿cual es su origen?. Por lo general la respuesta es simple; Para la primera pregunta: Nombre con que se distinguen las personas de una misma familia. El uso del Apellido comienza en la llamada cuna de la civilización: Roma, ya que con anterioridad a las distintas personas se les conocía simplemente por su nombre o en algunos casos por un alias o apodo, de tal manera que al pelirrojo se le conocía como "al rojo", al igual que al marcado por un defecto físico, por este: "El cojo, etc." o bien por su función dentro de la sociedad: "El carretero, el herrero, etc." e incluso en muchos casos su lugar de nacimiento si era distinto del de residencia: "El griego", etc. Sin embargo, llegamos a Roma donde empezó a arraigar la costumbre de añadir al nombre propio de la persona el de la tribu o familia a la que esta pertenecía, (praenomen y cognomen), por ejemplo al propio Tito (nombre propio) se le añade el de la familia (Livio) componiendo así su nombre y apellido: Tito Livio.


No obstante, esta costumbre romana quedó durante largo tiempo restringida al ambito de la nación, puesto que en el resto de Europa se continuaba usando el nombre o el apodo hasta llegado el principio de la edad media en la que comenzó a extenderse el uso del apellido. Este uso tuvo distintos origenes. Comenzaron a usarlo los señores feudales que añadían a su nombre el correspondiente a la población que habían conquistado o que correspondía a su señorío.


Naturalmente esto no ocurría con las clases populares por lo que el origen de su apellido se deriva de la población donde nacían, el oficio que desempeñaban y en no pocas ocasiones de los motes por los que eran conocidos e incluso por el nombre del padre o del abuelo con alguna modificación, por ejemplo: Hernández (hijo de Hernando) o González (hijo de Gonzalo).


Todo apellido tiene un significado muchas veces sencillo, aunque otras no tanto porque nos falta la clave que nos permita explicarlos. De entre estos apellidos destacan los apellidos toponímicos. Esta clase de apellidos son de los más abundantes. Se puede afirmar casi con total seguridad que, una persona que lleva un apellido toponímico, tiene una relación con ese lugar que le sirve como apellido. En primer lugar, puede ser que una persona, que naciera, viviera de manera temporal, y/o trabajara, en ese lugar, y tuviera que emigrar a otro lugar relativamente cercano. Es entonces cuando el nombre de un lugar se convierte en apellido toponímico: la persona que emigra, bien sea en memoria del lugar del que viene, o para diferenciarle del resto de personas que tienen el mismo nombre y primer apellido (muy común en la Edad Media), toma por apellido el nombre de ese lugar En segundo lugar, el señor de un lugar, tenga el título que tenga (vizconde, barón, conde, marqués, o duque), toma por apellido el topónimo como demostración de propiedad sobre ese lugar En cualquiera de sus casos y sus variantes, todo apellido toponímico, al menos en su origen, lleva delante la preposición (por ejemplo, Pedro de Soria), que significa relación con ese topónimo. En la actualidad, muchos apellidos toponímicos han perdido esta preposición debido a un proceso que comenzó al final de la época moderna. Y también, añadir que el apellido se puede formar en la primera persona que emigra (aunque no necesariamente), y que se hace hereditario solo por voluntad de sus descendientes. Se pueden hacer diferentes divisiones dentro de estos apellidos toponímicos. Entre la importancia de los diferentes topónimos: topónimos mayores (nombres de pueblos, villas o ciudades) y topónimos menores (del relieve, arquitectura, etc). Entre el origen geográfico de los topónimos. Los apellidos patronímicos, quizás los que más, ya que son más antiguos. Estos apellidos nacieron al añadir al nombre del hijo, el nombre del padre, que irá variando según épocas como vamos a ver. En muchas civilizaciones hubo la práctica de añadir un prefijo o un sufijo al nombre del padre convertido en apellido.


Este prefijo o sufijo, significa “hijo de”;, descendencia o filiación. Conocidos son los casos de los Ben- musulmanes, y los Mac- escoceses. Pero la forma mayoritaria de nuestros apellidos patronímicos derivan de la tradición romana. El apellido patronímico romano iba en el caso genitivo(desinencias -ius, -ii). Éste, durante la época medieval, sufrió variaciones debido al fraccionamiento del latín clásico provocando diferencias fonéticas entre las zonas, los que produjo a su vez cambios morfológicos en los apellidos: quitar, añadir, o cambiar una o más letras. La -i de la última sílaba, permutó en -a, u -o. Pero en muchos casos, se produjo una apertura del timbre, mudando a una -e-. Solo pervivió la -i- en la zona del noroeste. Monopolización de la -z en posición final, haciendo desaparecer al resto de consonantes finales, -c, -d, -s, y -t. Únicamente la -s ha sobrevivido en algunos apellidos del noroeste. Feminización de apellidos añadiendo la vocal para -a (típica del femenino latino). Supresión de una o más letras (síncopa), antes de seguir su proceso formativo de terminación en -z.

Su origen, un nombre propio generalizable a otras zonas de la Península Ibérica, nos descubre que pudo generarse a la vez en varias regiones, sin tener por tanto un tronco común todas las personas con un mismo apellido patronímico. En la Edad Media, se produce en una línea descendiente, una alternancia de dos apellidos patronímicos, formando cadena entre ellos. Una solución para diferenciarse entre ellos será, o heredar el apellido del padre en vez de formar su apellido con el nombre de su padre (originando un apellido patronímico hereditario y rompiendo la cadena); o añadir un segundo apellido al primero, formando uno solo, pero con carácter patronímico y toponímico. Este apellido que se añade suele ser el nombre del lugar con el que guarda una relación (véase apellidos toponímicos).Pero hubo apellidos patronímicos que no se declinaron, y se fosilizaron en su forma de nominativo.

También hay un cierto número de apellidos que no son ni apellidos patronímicos o ni toponímicos. Son apellidos que indican alguna característica especial del genero (cabeza de linaje): un oficio o profesión o cargo (civil, eclesiástico o militar), un apodo, un defecto, un vicio, una virtud, etc.; o bien tienen relación con el Reino Vegetal.

Una manera muy normal de clasificar a las personas es por su profesión. En este caso tuvo que haber un cabeza de linaje en que se fijara ese apellido. Y es aquí donde generalmente tiene más sentido el que un apellido de un oficio pase de padres a hijos por varias generaciones, y que a esa familia se le conociera por su oficio, o que ellos mismos lo adoptaran como apellido familiar. Se pueden dividir en oficios y en cargos. Y los cargos, a su vez en civiles, eclesiásticos y militares. Entre los oficios, destacarían apellidos como Tejedor, Tundidor (azotador), y según algunas interpretaciones, el apellido Mozas. Entre los cargos: militares (Alférez), civiles (Alcalde); y estado civil (Hidalgo). De cargo eclesiástico: Monge. Canciller o Chanciller, sería un ejemplo de cargo civil o eclesiástico, porque ambas cancillerías tenían ese cargo.

Otro tipo de apellidos es el que responde a los apodos o motes con que se puede conocer a una persona o familia, indicando alguna característica física o psicológica, un defecto, un vicio, o una virtud. Si esta característica la “heredaron” sus descendientes, entonces era fácil reconocer a esa familia. Y no era hereditaria, lo adoptaron como apellido en su memoria, aunque fuera un defecto. Como ejemplos pueden servir: Espadón, Malo, y Medrano (acobardado) como defectos; Bravo (y sus compuestos Bravo de Lagunas y Bravo de Sarabia), y Valiente, como virtudes; Matalobos, como vicio.

Por último, los apellidos relacionados con el Reino Vegetal, que aunque en nuestra provincia sea más común el componente vegetal, no se manifiesta en la misma proporción en los apellidos, como veremos a continuación. Su formación es idéntica a la de los apellidos toponímicos, pero en vez de tomar como origen un topónimo, lo hacen de un árbol, arbusto, planta, o conjunto de un mismo tipo, sus flores y sus frutos, etc... Como por ejemplo la existencia de algunos de los elementos vegetales anteriormente citados, cerca de un lugar en donde una persona viva, trabaje, etc. De este tipo, tenemos los ejemplos de Granados, Romero, Villaumbrosía (sombreada).

Por lo tanto, todos los tipos de apellidos del presente artículo pueden no tener un tronco común, sino que se pudieron haber originado en diferentes lugares de la geografía española, e incluso en diferentes lugares. Hay veces que, en la vida cotidiana, una persona se deja llevar por la “moda”. En cuestiones que nos atañen, esto se puede aplicar a algunos apellidos que gustan de llevar la preposición “de” que antecede a ciertos apellidos, porque así parecen “más nobles”.Quizás fue la propia pervivencia de la partícula “de” en algunos apellidos de personas nobles que se preocuparon en conservar sus apellidos tal cual se escribían, que hizo que posteriormente las personas asociaran que los apellidos con “de” eran de origen noble. Si una persona se dedica a investigar sus propios antepasados hispanos, descubrirá en algún momento alguno de sus apellidos con esta partícula tan peculiar. Esta preposición, con o sin el artículo determinante masculino “el” (contracción “del”) o el femenino “la” (formando “de la”), se utiliza(ba) en varias clases de apellidos (patronímicos y toponímicos), y en todos ellos tiene el significado de pertenencia, en todos sus sentidos más amplios. En los apellidos patronímicos tenía el significado de un hijo con respecto a su padre, que en algunos casos está sustituido por el sufijo “–ez”. Como ejemplos, valgan: (de) Andrés, (de) Antón, y (de) Hernando. En los apellidos toponímicos tenía el significado de relación con ese lugar o espacio físico al que hace referencia su apellido, sea por haber nacido en o cerca, vivido, trabajado, etc... el que tomó el apellido. Como ejemplo, valgan: (de) Ayuso, (de) Sauquillo, y (de) Soria. Con el devenir del tiempo, la preposición “de”, con o sin artículo determinante, fue desapareciendo (siglos XVIII y XIX), bien por olvido al escribirse, bien porque era más corto y fácil de pronunciar. Con su pérdida, todos los apellidos que lo llevaron, perdieron su significado primitivo.

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TARA OCEANS EXPEDITIONS EN EL PACÍFICO SUR - LAS BACTERIAS ESTÁN DIGERIENDO PLÁSTICO -

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 NOTA EN INGLÉS Y ESPAÑOL

Los microbios marinos están  digeriendo  plástico

 

*Artículo de referencia del Tara Oceans Expeditions de la comunidad científica Internacional

 

 

Esta basura en este pequeño mundo submarino en el océano de comer  productos plásticos pueden convertirse en  un arma de doble filo.

 

Gwyneth Zaikab Dickey

 

 A partir de la microscopía eñlectrónica se pudo detectar el descubrimiento

 Autores :  T. Mincer / G. Proskurowski

de la Sea.T. los Sargazos Picadora / G. Proskurowski

 

Especialistas en  bacterias parecen haber descubierto que las mismas se están alimentando  con la basura de plástico que tiramos al mar. Aún no sabemos si son beneficiosas, que podrían ser la limpieza de nuestros venenos o simplemente pasar  como una copia de seguridad de la cadena alimentaría.

 

El océano contiene grandes cantidades de plástico, sobre todo en pequeños fragmentos flotando justo debajo de la superficie. Bajo un microscopio electrónico, cada trozo de "papel picado de plástico" se convierte en "un oasis, un arrecife de actividad biológica", dice Tracy Mincer marinos microbiólogo de la Institución Oceanográfica Woods Hole en Massachussets.

 

Mincer y sus colegas examinaron los pedacitocitos de hilo de pescar, una bolsa de plástico y un nurdle de plástico (una pre-producción de pellets de plástico) sacó del mar de los Sargazos, un área del Atlántico Norte, donde las corrientes causan que se acumulen desechos. La región en su conjunto contiene más de 1.100 toneladas de plástico.

 

El microscopio electrónico de barrido reveló células similares a las bacterias que viven en los hoyos en el plástico, como si estuvieran comiendo la superficie de distancia.

 

"Se parecen al simple hecho de un consumidor humano para esto  tomó una briqueta parrilla caliente y la tiró en la nieve", dice Mincer. "a simple vista se ve poco esta fusión, pero en todo el exterior de las células, y son sólo madriguera en el plástico."

 

Los microbios se han encontrado digerir plástico en los rellenos sanitarios, dice, pero esta es la primera evidencia de bacterias marinas ruptura de plástico en el océano. El trabajo fue presentado el 5 º Conferencia Internacional de Desechos Marinos en Honolulu, Hawai, el 24 y 25 de marzo.

 

 

Las bacterias se alimentan de plástico podría ayudar a explicar por qué la cantidad de desechos en el océano se ha estabilizado, a pesar de la contaminación continúa. Pero los investigadores aún no saben si la digestión produce subproductos inofensivos, o si se podría introducir toxinas en la cadena alimentaría.

 

"Para entender si es o no una buena cosa, tenemos que entender todo el sistema", dice Mincer.

 

Los plásticos contienen toxinas, tales como los ftalatos, y también absorben otros químicos tóxicos como los contaminantes orgánicos existente en el océano, dice Mark Browne, un ecologista de la Universidad College de Dublín en Irlanda, que no estuvo involucrado con el proyecto. Los productos químicos pueden filtrarse en los animales microscópicos que se alimentan de las bacterias, o averiados microscópicas partículas de plástico podrían entrar en las células y liberar las sustancias químicas que hay, dice.

 

"Sea o no descubrir que el material pasa en la cadena alimentaría es algo de vital importancia", dice. "Es otro mecanismo para que las partículas de plástico que tiramos a   menudo como desechos al océano pueden ser potencialmente inocuas o no."

 

El análisis genético muestra que las bacterias en el plástico se diferencian de las del agua marina circundante o de las algas marinas cerca, dice el microbiólogo Linda Amaral-Zettler del Laboratorio de Biología Marina de Woods Hole. Hasta ahora, las secuencias de ADN obtenidos por su laboratorio muestran que casi el 25% de las bacterias en la superficie de polietileno son  vibriones, bacterias del mismo grupo que la bacteria del cólera.

 

  

 

"Esto fue una sorpresa, porque normalmente en agua de mar que estarían presentes en concentraciones mucho más bajas", dice Amaral-Zettler, quien agrega que aún no se puede saber si estas cepas son patógenas. El viento y las corrientes oceánicas llevan plásticos de todo el mundo, por lo que no forma parte del mar se escapará de los efectos de esta actividad bacteriana.

 

Amaral-Zettler y Mincer también encontraron evidencia genética y el microscopio de los eucariotas - organismos con más células complejas que las bacterias - en el plástico. Lo que ella llama la "plastisphere" puede contener comunidades complejas de vida. "Puede ser un pequeño mundo que hemos creado, para bien o para mal."

 

Los científicos de la madera de Hoyo cuyo objetivo es investigar la microbiología que se forma a partir  del plástico están elaborando  muestras de laboratorio para aislar, e identificar los microbios que se encuentran en ella. Luego de esta forma se podrá determinar si y cómo se digiere el plástico y descubrir lo que los subproductos son.

 

Referencias

Ley de lavanda, K. et al. Ciencia 329 de 1185 a 1188 (2010)

 

 

 

 

 

Gwyneth Dickey Zaikab

 

Electron microscopy reveals the inhabitants of a plastic bag fished T. Mincer/G. Proskurowski

from the Sargasso Sea.T. Mincer/G. Proskurowski

 

Specialist bacteria seem to be eating the plastic garbage we throw into the ocean. But whether they're cleaning up our poisons or just passing them back up the food chain remains to be seen.

 

The ocean contains vast amounts of plastic, mostly as tiny shards floating just beneath the surface. Under an electron microscope, each scrap of "plastic confetti" becomes "an oasis, a reef of biological activity," says marine microbiologist Tracy Mincer of the Woods Hole Oceanographic Institution in Massachusetts.

 

Mincer and his colleagues examined bits of fishing line, a plastic bag and a plastic nurdle (a pre-production plastic pellet) fished out of the Sargasso Sea, an area of the North Atlantic where currents cause debris to accumulate. The region as a whole contains more than 1,100 tonnes of plastic1.

 

Scanning electron microscopy revealed bacteria-like cells living in pits in the plastic, as if they were eating the surface away.

 

"They look like you took a hot barbecue briquette and threw it into snow," says Mincer. "You see this melting bit all around the outside of the cells, and they're just burrowing into the plastic."

 

Microbes have been found digesting plastic in landfills, he says, but this is the first evidence of marine bacteria breaking down plastic in the ocean. The work was presented the 5th International Marine Debris Conference in Honolulu, Hawaii, on 24 and 25 March.

Disappearing debris

 

Plastic-eating bacteria might help explain why the amount of debris in the ocean has levelled off, despite continued pollution. But researchers don't yet know whether the digestion produces harmless by-products, or whether it might introduce toxins into the food chain.

 

"To understand if it's a good thing or not, we have to understand the entire system," says Mincer.

 

Plastics contain toxins such as phthalates, and also absorb additional toxic chemicals such as persistent organic pollutants from the ocean, says Mark Browne, an ecologist at University College Dublin in Ireland, who was not involved with the project. Those chemicals could leach out into the microscopic animals that eat the bacteria, or broken down microscopic plastic particles could enter cells and release their chemicals there, he says.

 

"Whether or not that material then passes up the food chain is something of critical importance," he says. "It's yet another mechanism for the particles of plastic that we throw away to potentially come back to haunt us."

Plastic lovers

 

Genetic analysis shows that the bacteria on the plastic differ from those in the surrounding seawater or on nearby seaweed, says microbiologist Linda Amaral-Zettler of the Marine Biological Laboratory, Woods Hole. So far, the DNA sequences obtained by her lab show that almost 25% of the bacteria on one polyethylene surface were vibrios, bacteria from the same group as the cholera bacterium.

 

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"That was a surprise, because normally in sea water they would be present in much lower concentrations," says Amaral-Zettler, who adds that she can't yet tell if these strains are pathogenic. Wind and ocean currents carry plastic all over the world, so no part of the sea will escape the effects of this bacterial activity.

 

Amaral-Zettler and Mincer also found genetic and microscope evidence of eukaryotes — organisms with more complicated cells than bacteria — on the plastic. What she calls the "plastisphere" might contain complex living communities. "It may be a little world that we've created, for better or worse."

 

The Wood's Hole scientists aim to sample more ocean plastic and to isolate, culture and identify the microbes found on it. Then they can determine if and how they're digesting the plastic and discover what the by-products are.

 

References

Lavender Law, K. et al. Science 329, 1185-1188 (2010)

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TARA OCEANS EXPEDITIONS - LA ENTREVISTA A MICHAEL PITIOT DIRECTOR DE LAS CUATRO DOCUMENTALES DE LA AVENTURA CIENTÍFICA DEL SIGLO 21 -

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Artículo en idioma original francés y español-

 

 

DOCUMENTAIRES TARA OCEANS, LE MONDE SECRET

Interview de Michael Pitiot, réalisateur et auteur de la série de documentaire, TARA OCEANS, LE MONDE SECRET

 

La série de 4 documentaires de 52 minutes TARA OCEANS, LE MONDE SECRET sera diffusée en première exclusivité sur Planète Thalassa les 15, 22, 29 avril et 6 mai, à 20h40.

 

Présentation : Vue du ciel, la Terre est bleue. Mais, en réalité, que sait-on des océans de la planète ? Qui habite les océans ? C’est pour tenter de répondre à ces questions qu’une équipe de scientifiques embarque à bord de la goélette Tara. Ce voyage les conduit à un monde secret… un monde que l’on nomme «plancton», un monde presque inconnu et qui désigne des millions d’organismes différents. Une seule certitude : ces espèces océaniques jouent un rôle considérable dans la vie de la planète.

 

Pourquoi ces quatre documentaires ?

 

Le récit d’une longue expédition comme Tara Oceans (2009-2012) est proche de celui d’une saga. Un mode narratif qu’on appelle « la quête », au cinéma. Un long chemin plein de péripéties qui mène à une vue d’ensemble ; somme toute assez comparable à la recherche scientifique ! Ce genre de film nécessite une phase d’initiation où l’on découvre les héros, le bateau, la mer, et bien sûr le premier aspect de la quête. C’est ce qu’expose le premier film : le monde caché du phytoplancton et du zooplancton. Dans le deuxième film, on entre dans ce monde et l’on comprend son organisation. Le troisième film explore comment la biologie est à la source de notre Terre, de sa géologie, de sa chimie… C’est assez bluffant, en réalité, l’histoire monte en puissance ! Enfin, le dernier film est celui de la révélation, pour reprendre la terminologie du cinéma. C’est celui où l’on s’interroge sur « l’homme dans tout ça ». Cette quête se déroule sur fond de navigation parfois délicate dans des coins extraordinaires. On raconte une odyssée !

 

Quels sont les messages que vous avez voulu faire passer dans cette série ?

 

Avant de réaliser ces films, le monde du plancton s’arrêtait pour moi au krill que mangent les baleines… j’étais loin d’imaginer l’incroyable diversité de ces espèces et leur rôle. Je crois que le premier message est là : avec qui vivons-nous ? Ensuite nous souhaitons expliquer que notre planète est née d’un équilibre entre tous ceux qui y vivent. En gros, c’est l’écologie façon plancton. On la perçoit très concrètement dans les océans. Le dernier message résulte des précédents : on dit qu’il est urgent de sauver la biodiversité, mais en réalité c’est l’homme que l’on tente de sauver. Après, il faut trouver le ton pour faire passer ce message-là…

 

Comment fait-on pour rendre visible l’invisible ?

 

On s’entoure de bons complices… Il y a les scientifiques qui m’ont apporté leurs images de plancton, comme par exemple le biologiste Christian Sardet. Il filme au Canon 5D, ce qui permet d’obtenir de superbes gros plans du plancton. L’autre outil important, ce sont les effets spéciaux signés Ronan Jupin. C’est lui qui m’a permis de manipuler comme je voulais ce plancton. Il n’y a pas d’effet gratuit, juste une bonne 2D. Mais dans un projet comme celui-là, voir le plancton c’est commencer à croire à son existence. Donc ce n’est pas une option.

 

Quelles ont été les principales difficultés rencontrées dans la réalisation de cette série ?

 

 Ce sont des films basés sur une vraie mission scientifique. Mais cette réalité n’est parfois pas la force de l’image. Vous demandez à un scientifique : « Dites-moi que ce que vous voyez est incroyable », mais ça ne marche pas forcément parce que, pour lui, le temps de l’émerveillement est parfois passé depuis belle lurette. Donc il faut aider le spectateur à ressentir ce que l’on vit. Puis il faut de l’action et du suspense ! Pas toujours évident quand on pense que le principe d’une mission de recherche est justement d’éviter les mauvaises surprises… De ce point de vue-là, Frédéric Lossignol, le chef monteur de la série, a été d’un appui solide pour reconstruire des scènes. La musique de Gérard Cohen-Tannugi aussi. L’autre point délicat c’est le tournage sur la durée à bord d’un bateau. On ne peut pas y être en permanence, alors les chefs opérateurs doivent se relayer. Après, il faut assembler leur travail. Heureusement, l’un d’entre eux, Christophe Castagne, s’est débrouillé pour y retourner souvent.

 

Quels sont les meilleurs souvenirs que vous en garderez ?

 

L’enthousiasme des équipes, que ce soit celles du film, des scientifiques ou des équipages de Tara. Je crois que l’autre bon souvenir c’est le jour où j’ai compris ce qu’une mission comme Tara Oceans pouvait apporter à notre vie à tous. L’histoire de la planète – donc de l’humanité – est au coeur des océans. Son avenir aussi.

 

 

Voir le teaser

 

Voir le dossier de presse

 

Téléchargez l’affiche dans les Goodies.

 

Réalisation : Michael Pitiot

Auteurs : Michael Pitiot, Thierry Ragobert et Frédérique Lossignol

Producteur délégué : Jean-Pierre Bailly

Coproduction : MC4 – Fonds Tara – CNRS Images

Avec la participation de la Commission Européenne, Direction Générale Recherche et Innovation – France Télévisions – PLANETE THALASSA – Ministère de l’Écologie, du Développement durable, des Transports et du Logement – CNC

Distribution internationale : Ampersand

 

DOCUMENTALES OCÉANOS TARA, The Secret World

 

La serie de cuatro documentales de 52 minutos OCÉANOS TARA, El mundo secreto se estrenará exclusivamente en Planeta Thalassa 15, 22, 29 de abril y 6 de mayo a las 20:40.

 

Presentación: Desde el cielo, la Tierra es azul. Pero en realidad que se sabe sobre los océanos del planeta? ¿Quién vive en los océanos? Para tratar de responder a estas preguntas, un equipo de científicos abordaron la goleta Tara. Este viaje les lleva a un mundo secreto ... un mundo que se llama "plancton", un mundo casi desconocido y que nos lleva a millones de organismos diferentes. Una cosa es cierta: estas especies oceánicas juegan un papel importante en la vida del planeta.

 

Entrevista con Michael Pitiot, director y autor de la serie documental, TARA océanos, el mundo secreto

 

¿Por qué la realización de  cuatro documentales?

 

La explicación es sencilla una  historia como la  expedición  como la del  Tara Océans tan extensa  (2009-2012) es similar a la de una saga. La historia merece un  relato llamado "La búsqueda" en el cine. Un largo camino lleno de aventuras que conducen a una visión general, bastante comparable a la investigación científica! Este tipo de película requiere una fase de iniciación donde se descubre el héroe, el barco, el mar, y por supuesto el primer aspecto de la misión. Es como lo explica la primera película: el mundo oculto de fitoplancton y zooplancton. En la segunda película, nos adentramos en este mundo y comprender su organización. La tercera película explora cómo la biología es la fuente de nuestra Tierra, su geología, la química ... Es bastante sorprendente, en realidad, la historia es cada vez más fuerte! La última película es la revelación a la terminología de la película. Es donde uno se pregunta sobre el "hombre en todo esto." Esta búsqueda se lleva a cabo en un contexto de navegación a veces complicado en los rincones extraordinarios. Se relata una odisea!

 

¿Cuáles son los mensajes que quería transmitir en esta serie?

 

Antes de hacer estas películas, el mundo se detuvo para mí krill plancton comido por las ballenas ... No tenía idea de la increíble diversidad de estas especies y su función. Creo que el primer mensaje es este: ¿con quién vivimos? A continuación, queremos explicar que nuestro planeta nace de un equilibrio entre los que viven allí. Básicamente, se trata de cómo la ecología del plancton. Se ve concretamente en los océanos. Los resultados finales del mensaje anterior: se dice que es urgente para salvar la biodiversidad, pero en realidad es el hombre que está intentando guardar. Después, tenemos que encontrar el tono para conseguir  el mensaje ...

 

¿Cómo hacer visible lo invisible?

 

Rodearse de cómplices e smuy bueno para esto conté con un grupo de científicos que han contribuido con sus imágenes de plancton, como el biólogo Cristiano Sardet. Dispara con una 5D de Canon, que ofrece excelentes primeros planos de plancton. La herramienta importante para otros, los efectos especiales están firmados Ronan Júpiter. Él me permitió manejar como yo quería que este plancton. No hay efecto sin, a un buen 2D. Pero en un proyecto como éste, ver el plancton es empezar a creer en su existencia. Así que no es una opción.

 

¿Cuáles fueron las principales dificultades encontradas en la fabricación de esta serie?

 

 Estas son las películas basadas en la misión de la ciencia real. Pero esta realidad no es a veces la fuerza de la imagen. Le pregunta a un científico: "Dime lo que ves es increíble", pero que no necesariamente funciona porque para él el tiempo para preguntarse a veces pasó hace mucho tiempo. Así que tenemos que ayudar al espectador a sentir lo que vieron. Luego se toma la acción y el suspenso! No siempre es evidente si se considera que el principio de una misión de investigación es precisamente para evitar sorpresas desagradables ... Desde este punto de vista, este Federico Lossignol, el editor jefe de la serie, ha sido un fuerte apoyo para la reconstrucción de escenas. Música Gérard Cohen-Tannugi también. Otro punto delicado es que entregar la vida a bordo de un barco e s imposiblepero por suerte hubo operadores de turno que pudieron estar lo suficiente a bordo para  completar esta documental con todos los datos necesarios. Entonces usted tiene que montar su trabajo. Afortunadamente, uno de ellos, Christopher Castagne, ha conseguido volver a menudo.

 

¿Cuáles son los mejores recuerdos que guarda?

 

El entusiasmo de los equipos, ya se trate de la película, los científicos y la tripulación de Tara. Creo que otro buen recuerdo es el día que me di cuenta de lo que una misión como Tara océanos podría traer a nuestras vidas. La historia del planeta - lo de la humanidad - está en el corazón de los océanos. Su futuro también.

 

 

Dirigida por: Michael Pitiot

Autores: Michael Pitiot, Ragobert Thierry y Lossignol Frédérique

Producción ejecutiva: Jean-Pierre Bailly

Coproducción: MC4 - Tara Fundación - Imágenes del CNRS

Con la participación de la Comisión Europea, Dirección General de Investigación e Innovación - televisiones de Francia - Planeta Thalassa - Departamento de Ecología, Desarrollo Sostenible, Transporte y Vivienda - CNC

Distribución Internacional: Ampersand

 

 

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CINE - LOS GRANDES DIRECTORES - ALFRED HITCHCOCK EL MAESTRO DEL SUSPENSE

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No se podría hablar de cine sin hablar de Alfred Hitchcock  , en los apartados anteriores recorrimos la renovodara y rebelde corriente de la “Novelle Vague” rompiendo los códigos tradicionales  , pero Hitch fúe extraordinario en el manejo de las cámaras como un innovador nato , fúe el primero que realizó una pelicula con cámara fija y también en exteriores .

 

La cuidadosa toma sugerente más que explícita y el juego entre luces y sombras más la inquietante música en los momentos claves y la exigencia a todos los actores que le  tocaron en suerte ser parte de su elenco, muchos le deben su fama a este famoso director.

Esta es la breve historia de alguien que supo hacer cine y fue maestro de maestros

 

Figura indiscutible del cine de misterio y de intriga, la capacidad del cineasta Alfred Hitchcock para aplicar recursos narrativos innovadores al servicio del suspense tuvo una importancia fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico moderno. Con un dominio excepcional de las técnicas cinematográficas, produjo películas que mantienen al espectador en un constante estado de tensión hasta el final de la proyección y que lo llevan a vivir apasionadamente lo relatado en la pantalla. El Mago del suspense supo unir tramas de gran solidez con imágenes de excepcional fuerza expresiva, concilió la calidad con el éxito comercial y legó una de las filmografías más brillantes e influyentes de la historia: su huella habría de percibirse en numerosas imitaciones y en la obra de realizadores tan distintos como el francés François Truffaut o los estadounidenses Brian de Palma y David Lynch.

 

Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, una población entonces cercana al neblinoso Londres de Sherlock Holmes, Jack el Destripador y Scotland Yard, y que hoy es un distrito del East End de la capital británica. Sus padres, William Hitchcock y Emma Jane Wehlan, dueños de un negocio de comestibles, ya tenían dos hijos, William (1890) y Ellen Kathleen (1892), y gozaban de una cierta estabilidad económica, pero tampoco vivían de un modo excesivamente holgado.

 

 

Alfred Hitchcock

 

La figura de su padre intervino de una forma muy especial en la formación del carácter y la personalidad del muchacho. Cuando tenía cuatro o cinco años, su padre lo mandó a la comisaría de policía con una carta. El comisario la leyó y lo encerró en una celda durante algunos minutos diciéndole: "Esto es lo que se hace con los niños malos." Nunca comprendió la razón de esta broma siniestra, porque su padre lo llamó su "ovejita sin mancha", y vivió una infancia disciplinada, aunque algo excéntrica y solitaria, escudriñando siempre desde su rincón, con los ojos muy abiertos, todo lo que pasaba a su alrededor.

 

Para Hitchcock, su padre era el típico comerciante del East End, que tenía el orden, la disciplina y la austeridad en la cima de su escala de valores para afrontar la vida. Así, el autoritarismo y la rigidez moral presidieron la educación del joven Alfred. De aquí arranca el interés del director por el tema de la culpa, omnipresente en todos sus filmes y esquema común de la trama profunda de sus historias, normalmente como una alegoría sobre el pecado y la redención. Hitchcock hablaría muy pocas veces de su madre, y, sin embargo, de mayor intentó siempre mantenerla a su lado.

 

Las repercusiones del catolicismo en su personalidad se acrecentaron durante sus años escolares, puesto que su primera escuela fue la Casa Conventual Howrah, en Poplar. La familia se había trasladado en 1906 a esta otra población desde Leytonstone para abrir un nuevo establecimiento. Al cabo de dos años, Alfred abandonó la Casa Conventual porque volvieron a trasladarse, esta vez a Stepney. Allí el muchacho ingresó en el Colegio de San Ignacio, fundado por los jesuitas en 1894 y especialmente reconocido por su disciplina, su rigor y su estricto sentido católico.

 

Este centro jesuítico dejó una profunda huella en Hitchcock por el modo como eran tratados allí la culpa y el perdón. El mismo Hitchcock lo explicaría años más tarde: «El método de castigo, por supuesto, era altamente dramático. El pupilo debía decidir cuándo acudir al castigo que se le había impuesto. Debía dirigirse a la habitación especial donde se hallaba el cura o el hermano lego encargado de administrarlo. Algo parecido a dirigirte a tu ejecución. Creo que era algo malo. No usaban el mismo tipo de correa con que azotaban a los chicos en otras escuelas. Era una correa de caucho». Esta práctica acentuó el miedo del pequeño Alfred a todo lo prohibido y acaso le descubrió los condimentos más emocionantes del suspense, esa turbia confusión sadomasoquista que florece ante lo inminente y fatal.

 

Hasta los catorce años permaneció en el colegio. En su primer curso sobresalió por su aplicación y obtuvo una de las seis menciones honoríficas que la dirección del centro concedía. Había conseguido la calificación de excelente en latín, francés, inglés y formación religiosa: las asignaturas que, según el criterio de sus maestros, eran de mayor importancia.

 

Sin embargo, el último año en San Ignacio se destapó el lado travieso, bromista y trasgresor del joven Alfred, o mejor, del joven Cocky, de acuerdo con el apodo con que lo conocían sus compañeros. Se dedicó a robar huevos del gallinero de los jesuitas para arrojarlos contra las ventanas de las habitaciones de los sacerdotes; o, ayudado por compinches, maniataba a algunos de sus compañeros y encendía petardos colocados en sus traseros. También esta vertiente, por un lado irónica y por otro traviesa, infractora de la ley y hasta gamberra, aparecería luego como uno de los rasgos típicos de su filmografía. Se trataba de un manera lúdica e indirecta de superar el complejo de culpa, siempre al acecho inconscientemente.

 

 

 

 

Hitchcock recordaba estos años con amargura y, al mismo tiempo, como una influencia importante en su obra: «Si han sido educados en los jesuitas como yo lo fui, estos elementos tienen importancia. Yo me sentía aterrorizado por la policía, por los padres jesuitas, por el castigo físico, por un montón de cosas. Éstas son las raíces de mi trabajo.» Es fácil relacionar estos años vividos en el Colegio de San Ignacio con el interés de Hitchcock por lo macabro y lo criminal. De aquellos años datan también las visitas del joven al Museo Negro de Scotland Yard para contemplar su colección de reliquias criminales, y al Tribunal de lo Criminal de Londres, donde asistía a los juicios por asesinato y tomaba notas al modo de Dickens, uno de sus escritores preferidos en aquella época, junto con Walter Scott y Shakespeare.

 

En 1913 dejó el colegio y trató de orientar su futuro profesional. Comenzó los estudios de ingeniero en la School of Engineering and Navigation y siguió cursos de dibujo en la sección de Bellas Artes de la Universidad de Londres; al mismo tiempo ayudaba a sus padres en la tienda. Fue entonces cuando descubrió una nueva afición para sus ratos de ocio: el cine, que estaba empezando a imponerse como una de las actividades lúdicas más importantes de Londres. En la capital había más de cuatrocientos aparatos de proyección, instalados a menudo en pistas de patinaje.

 

De cinéfilo a director

 

Hitchcock, que desde los dieciséis años leía con avidez revistas de cine, no se perdía las películas de Chaplin, Buster Keaton, Douglas Fairbanks y Mary Pickford. Pudo admirar, cuando las películas mudas constituían una auténtica revelación de las ilimitadas posibilidades del cine, El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916), apabullante éxito y estrepitoso fracaso, respectivamente, del gran Griffith. Años después le impresionó vivamente un film de Fritz Lang, Der müde Tod (Las tres luces, 1921), historia fantástica que desarrolla el tema romántico de la lucha entre el amor y la muerte mediante tres episodios que suceden en China, Bagdad y Venecia, y que decidió también la vocación cinematográfica del español Luis Buñuel. Al mismo tiempo mantenía su afición por la lectura. «Es muy probable que fuera por la impresión que me causaron las historias de Poe por lo que me dediqué a rodar películas de suspense. No quiero parecer inmodesto, pero no puedo evitar comparar lo que he intentado poner en mis filmes con lo que Poe puso en sus narraciones», diría años más tarde.

 

 

En pleno rodaje

 

En diciembre de 1914 murió su padre. Alfred quedó profundamente afectado y hubo de rehacer su vida junto a su madre. Los hermanos mayores ya no vivían en la casa y, además, había estallado la Primera Guerra Mundial. Tuvieron que abandonar el negocio y volver a Leytonstone, porque allí tenían más amigos. El muchacho encontró trabajo al cabo de poco tiempo en las oficinas de la Henley Telegraph and Cable Company. Por quince chelines a la semana revisaba o calculaba los tamaños y los voltajes de los cables eléctricos. Sin embargo, como esta ocupación no le gustaba, al cabo de unos meses logró que le trasladaran al departamento de publicidad. Con ese trabajo creativo se labró cierto prestigio, a pesar de su juventud. Se libró del reclutamiento gracias a su trabajo en una compañía que colaboraba con la guerra y a su obesidad.

 

En 1920, a los veintiún años, aquel joven cuya afición al cine había ido creciendo leyó en una revista que una compañía cinematográfica estadounidense, la Famous Players-Lasky, iba a instalar unos estudios en Londres. No se lo pensó dos veces y se presentó en las oficinas de la Famous con unos bocetos de decoración para películas mudas que había diseñado con la ayuda de su jefe en el departamento de publicidad de la Henley. De inmediato, la compañía lo contrató como diseñador de rótulos y decorados y, en cuanto el sueldo de la Famous se lo permitió, abandonó la Henley. El primer año trabajó de rotulista en varias películas, y al año siguiente consiguió que le fueran encargados los escenarios y los diálogos menores de nuevos filmes. Los escribió bajo la dirección de Georges Fitzmaurice, quien también le inició en las técnicas de filmación.

 

En 1923 el actor, guionista y productor Seymour Hicks le ofreció que codirigiera un filme menor, Always tell your wife, y poco después colaboró en el rodaje de una película inacabada por falta de presupuesto, Mrs. Peabody. Eran sus primeras experiencias cinematográficas de verdad. En los estudios, Hitchcock había conocido a una tal Alma Reville, un muchacha de su misma edad, natural de Nottingham, extremadamente menuda y delgada (todo lo contrario que él) y gran aficionada al cine, que había trabajado en los estudios de una compañía londinense desde los dieciséis años, la Film Company, y que luego pasó a la Famous. Alma y Hitchcock colaboraron en varias películas dirigidas por Graham y Cutts, y en 1923 viajaron a Alemania para localizar los exteriores de un filme cuyo guión había escrito Hitchcock, The prude’s fall. En el barco de regreso a Inglaterra, Hitchcock se declaró e iniciaron un largo noviazgo.

 

Los primeros años trabajaron juntos en películas de la productora de Michel Balcon, la Gainsbouroug Pictures Ltd., como por ejemplo The blackguard, un filme para el cual el equipo tuvo que trasladarse varios meses a Alemania, circunstancia que Hitchcock aprovechó para conocer la obra de los grandes directores alemanes de la época, como Fritz Lang o Erich von Stroheim. En 1925, Balcon le propuso dirigir una coproducción anglo-alemana titulada El jardín de la alegría (The pleasure garden). Era su primera oportunidad como director. El resultado, al parecer, agradó a los directivos, porque aquel mismo año dirigió otros dos filmes, El águila de la montaña (The mountain eagle) y El enemigo de las rubias (The lodger). Las tres se estrenarían en 1927.

 

 

 

 

El 2 de diciembre de 1926 se casó con Alma según el rito católico y se establecieron en Cromwell Road, en Londres. Al estrenarse, los filmes obtuvieron una buena acogida por parte del público y de la crítica. En ellos, el director aparecía marginalmente, sin estar incluido en el reparto: era su manera de firmar sus películas, que luego se haría tan popular. Aprovechando el éxito, cambió de productora, y a finales de 1927 rodó El ring (The ring), un filme basado en un guión propio con la British International Pictures. Con esta película se convirtió en uno de los directores más cotizados de Inglaterra y empezó su camino fulgurante hacia la fama internacional.

 

La fama

 

Con el éxito internacional aumentó considerablemente sus ingresos, y se compró una casa de veraneo en Shamley Green, en las afueras de Londres, cerca de la cual se instalaría su madre poco después. En 1928 nació su hija Patricia Alma; al parecer, el director nunca había pasado tantos nervios como durante el parto. Por entonces, los Hitchcock tenían una intensa vida social, y las veladas con amigos de la productora, la British, eran habituales en la casa de Cromwell Road, en las que a veces ofrecía a los amigos uno de sus números cómicos particulares: Hitchcock, que pesaba más de ciento treinta kilos, aparecía desnudo de cintura para arriba, con un marinero pintado en la inmensa barriga, que agitaba rítmicamente mientras silbaba. En una ocasión se vistió de mujer y grabó su actuación. La cinta, que conservó toda su vida, sería exhibida en 1976 en una sesión privada en los estudios de la Universal.

 

En 1928 rodó sus últimos filmes mudos, The farmer’s wife, Champagne y The maxman, y al año siguiente estrenó su primera película sonora, La muchacha de Londres (Blackmail), basada en una obra teatral que estaba teniendo un gran éxito en la capital. Por primera vez un filme británico incorporaba una banda sonora, a partir de la tecnología de la RCA estadounidense.

 

Otros filmes hablados, como Juno and the Paycock (1930), Murder (1930) y The Skin game (1931), sin alcanzar un gran éxito de público y crítica, le confirmaron como uno de los directores británicos más inteligentes y creativos y que más innovaciones e ideas técnicas estaba aportando al mundo del cine. Su preocupación era encontrar un estilo narrativo propio, para lo cual descubrió nuevas posibilidades expresivas en el montaje, en los movimientos de cámara y en el empleo de la luz. Lo suyo era el arte de la cámara: su enorme dominio de la imagen, a nivel persuasivo y sentimental, hacía que el público se identificara con sus historias y con sus personajes y convertía en verosímiles la fantasía y el misterio, las situaciones extrañas y originales con que vestía la realidad. Su extraordinaria narrativa cinematográfica llevaba al público a vivir apasionadamente lo que sucedía en la pantalla.

 

En 1932, por imposición de la British, tuvo que filmar una comedia de enredos y persecuciones, El número 17 (Number Seventeen), y luego rodó Mejor es lo malo conocido (Rich and Strange, 1932), una película cuyo argumento se le ocurrió al matrimonio Hitchcock durante un crucero por el Atlántico y el Caribe que hicieron con su hija en 1931: una modesta pareja londinense, gracias a una herencia inesperada, realiza un crucero alrededor del mundo, durante el cual pasan de la alegría a los temores, las tristezas y las infidelidades, para recuperar, tras un naufragio, su lealtad. Después de Valses de Viena (Waltzes from Vienna, 1933), una biografía del compositor Richard Strauss hecha por encargo, Hitchcock volvió a trabajar para Michel Balcon, que había fundado la productora Gaumont-British.

 

Maestro del suspense

 

A partir de entonces empieza la gran época del cine de Hitchcock, la época de los grandes títulos de su filmografía, una etapa dorada de creación ininterrumpida que duraría prácticamente hasta el fin de sus días. La primera película que hizo con la nueva productora fue El hombre que sabía demasiado (The man who knew too much, 1934), una obra de arte del cine de suspense que fue elegida por la crítica como la película del año en Inglaterra.

 

Le siguieron otros títulos fundamentales de su filmografía: 39 escalones (The thirty-nine steps, 1935), Agente secreto (The secret agent, 1936) y Sabotaje (Sabotage, 1936), todos ellos filmes ya clásicos en los que la trama y la intriga lograban crear una tensión psicológica como nunca se había visto en el arte cinematográfico, y en los que la fuerza expresiva de las imágenes mezclaba con genial sabiduría la acción y los apuntes psicológicos de los personajes. Todo ello se rodeaba a menudo de un trasfondo metafísico-existencial en el que se concebía el amor de un modo romántico y redentor, y en el que la delimitación entre el bien y el mal y la conciencia de pecado no estaban exentas de cierta fascinación divertida por los malvados. Hitchcock era humanista y satírico a la vez, sádico y con un particular sentido del humor.

 

 

39 escalones (1935)

 

En cada nuevo filme perfeccionaba la técnica de la intriga, que a lo largo de su carrera llegó a cimas difícilmente superables. Su último filme británico fue La posada de Jamaica (Jamaica Inn, 1938), que no obtuvo mucho éxito a pesar de estar protagonizado por Charles Laugthon, ya famoso, junto a una jovencísima Maureen O’Hara. En marzo de 1939, meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, Hitchcock partió junto a su mujer, su hija y su secretaria personal, Joan Harrison, a Nueva York.

 

En Hollywood

 

El viaje respondía a una oferta de David O. Selznick, el poderoso productor norteamericano, que en un viaje a Estados Unidos realizado el año anterior le había propuesto dirigir en Hollywood. La película resultante fue Rebeca (Rebecca, 1940), uno de sus filmes más célebres, que supuso un Oscar para la protagonista, Joan Fontaine. La siguiente película estuvo condicionada por la circunstancia histórica: la guerra se extendía, parecía larga y complicada, y en Enviado especial (Foreing Correspondent, 1940), una obra de contenido belicista, hizo un alegato en favor de los aliados.

 

 

Con Joan Fontaine en la presentación de Rebeca (1940)

 

Hitchcock había llegado a un acuerdo con Selznick por el que le produciría dos películas al año por un sueldo de 2.750 dólares semanales y una bonificación de 15.000 dólares anuales. Una cláusula especial le permitía en 1941 rodar dos películas con otra productora, la R.K.O. Se trataba de Matrimonio original (Mr. and Mrs. Smith) y Sospecha (Suspicion), otro de los títulos clásicos de su carrera. El director seguía en su línea de perfeccionamiento del cine de intriga, aportando en cada película nuevos descubrimientos técnicos, ocurrencias narrativas y trucos geniales que crearon escuela en la historia del cine.

 

Al poco tiempo de llegar a Hollywood, en 1941, los Hitchcock se trasladaron al apartamento de Carole Lombard en Bel Air; la actriz había decidido vivir con su pareja, Clark Gable. El mismo año, dado que la conflagración mundial se complicaba cada vez más, Alma viajó a Inglaterra y trajo consigo a su madre. Alfred también fue a Londres para recoger a la suya y llevarla a los Estados Unidos, pero su madre se negó. Hitchcock, cuya vuelta a Los Ángeles coincidió con los primeros bombardeos nazis sobre Inglaterra, tuvo que conformarse pensando que su madre vivía todo el tiempo en Shamley Green y contaba con la protección de su hermano William.

 

Al año siguiente, Carole Lombard murió y el matrimonio tuvo que cambiar de casa; se trasladaron a Bellagio Road, también en Bel Air. Su siguiente película fue Sabotaje (Saboteur, 1942), producida por la Universal Pictures a pesar de la oposición de Selznick, que provocó una gran tensión a lo largo del rodaje. A partir de entonces decidió no rodar más de una película por año. En 1943 hizo La sombra de una duda (Shadow of a doubt). Aquel año murió su madre en Londres, el 26 de septiembre, a causa de una polionefritis aguda. Hitchcock a duras penas pudo soportar el golpe: quedó emocionalmente destrozado y adelgazó cuarenta kilos en pocos meses.

 

 

Los decorados oníricos de Recuerda (1945)

corrieron a cargo de Dalí

 

La serie de filmes siguientes contenía títulos también de primer orden; algunos figuran entre sus obras más importantes: Náufragos (Lifeboat, 1943); Recuerda (Spellbound, 1945); Encadenados (Notorious, 1946), con Ingrid Bergman; El proceso Paradine (The Paradine Case, 1947), con Gregory Peck en el papel principal; y La soga (Rope, 1948), su primer filme en color, con James Stewart de protagonista, actor que se convertiría en uno de sus preferidos y con quien trabajaría en muchas otras películas célebres. En Recuerda, considerada como una de las cimas de la filmografía de Hitchcock, trabajaba por primera vez con Ingrid Bergman y con Gregory Peck, al que lanzó a la fama, y contó con la colaboración de Salvador Dalí para los decorados, de tipo onírico. Algunas de las secuencias con los dos protagonistas se cuentan, a juicio de muchos especialistas, entre las mejores escenas de amor romántico de toda la historia del cine.

 

Los gloriosos cincuenta

 

A comienzos de los años cincuenta, con su reputación cinematográfica por las nubes y una sólida posición económica, estrenó películas que confirmaron su fama en el mundo entero, como Atormentada (Under Capricorn, 1949), Pánico en la escena (Stage Frigth, 1950) y Extraños en un tren (Strangers on a train, 1951), un éxito rotundo de crítica y de público. La versión radiofónica del filme, estrenado por la CBS, batió todos los récords de audiencia.

 

 

Extraños en un tren (1951)

 

En 1951, el matrimonio Hitchcock realizó un viaje de placer por Italia, Alemania, Países Bajos, Suecia y Noruega. Durante el viaje, la hija de Hitchcock se prometió con Joseph O’Conell, un alto cargo de una corporación, con quien se casó en la catedral de San Patricio de Nueva York al año siguiente. El padre no vio con muy buenos ojos esta boda de su hija, puesto que hasta entonces la muchacha había colaborado con él en algunas películas (años más tarde trabajaría en Psicosis) y estudiaba teatro; hubiera querido un yerno relacionado con el mundo del cine. A cambio, intentó atraer a O’Conell a la industria cinematográfica, sin mucho éxito.

 

Yo confieso (I confess, 1953), el filme siguiente, se rodó en medio de una difícil relación entre el director y el protagonista, un Montgomery Clift en un estado de destrucción psicológica y alcoholismo bastante preocupante. Parece ser que una noche, durante el rodaje, Hitchcock llegó a emborrachar premeditadamente a Clift para dejar en evidencia los límites de su desequilibrio.

 

Apareció entonces en el firmamento cinematográfico de Hitchcock una nueva estrella que acapararía durante unos años toda su atención: Grace Kelly. Con ella, la actriz que mayor fascinación le produjo nunca en su carrera, rodó Crimen perfecto (Dial M for murder, 1953), La ventana indiscreta (Rear window, 1954), junto a James Stewart, y Atrapa a un ladrón (To catch a thief, 1955), junto a Cary Grant. Son algunas de las películas más conocidas del maestro de la intriga. Su adoración por Grace llegó a su punto máximo en la última de las tres, cuyo rodaje se alargó a causa de que el director se empeñó en que la actriz bailara con un espectacular traje dorado en la última escena.

 

 

La ventana indiscreta (1954)

 

En 1955 estrenó Pero ¿quién mató a Harry?, que dio su primera oportunidad y lanzó a la fama a una veinteañera Shirley MacLaine. Era un brillante experimento en el que el misterio y la intriga se mezclaban genialmente con lo cómico, en una combinación de comedia y cine de suspense. A raíz de su nueva nacionalidad estadounidense, obtenida en 1955, firmó un contrato con la productora de televisión CBS para realizar una serie semanal de media hora de duración titulada Alfred Hitchcock presents, que de 1960 a 1965 se siguió realizando para la NBC.

 

Una segunda versión de El hombre que sabía demasiado (1956), con James Stewart y Doris Day, Falso culpable (The Wrong Man, 1957), con un estelar Henry Fonda, Vértigo (Vertigo, 1958), de nuevo con Stewart, ahora junto a una Kim Novak debutante, y Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), con Cary Grant y Eva Marie Saint, fueron la serie de filmes archifamosos de la segunda mitad de los años cincuenta. Todas las protagonistas femeninas de Hitchcock empezaban a responder a un mismo prototipo: Kelly, Novak o Saint eran rubias platino, delgadas, dulces, bellas, delicadas, angelicales, finas; toda una propuesta de arquetipo femenino.

 

La etapa final

 

En 1960 llegó Psicosis (Psycho), uno de sus éxitos más clamorosos y polémicos. Superando a sus obras anteriores, la película conmocionó la mentalidad de la época e inauguraba el género del suspense de tema psiquiátrico, el llamado thriller psicológico. Un jovencísimo Anthony Perkins (interpretando la doble personalidad de Norman Bates), Vera Miles y Janet Leigh formaron el famoso trío protagonista. El rodaje había sido carísimo, pero la recaudación fue tal que Hitchcock, con los beneficios obtenidos, pudo comprar tantas acciones de la Universal como para convertirse en el tercer accionista de la compañía.

 

 

 

 

 

Las siguientes películas estuvieron marcadas por el descubrimiento de una nueva actriz y musa particular, Tippi Hedren. Con ella rodó dos películas fundamentales en la evolución de su obra, Los pájaros (The Birds, 1963) y Marnie, la ladrona (Marnie, 1964). Parece que el interés a nivel personal del director por la actriz llegó a tal extremo de insistencia, según pudo comprobar todo el equipo del rodaje, que la relación acabó cortada por completo, porque Hitchcock no pudo soportar el rechazo de Hedren y decidió no volver a trabajar con ella. En sus filmes siguientes supeditó su creatividad y su bagaje acumulado a ciertos criterios comerciales y a la colaboración de estrellas consagradas. Así, filmó Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966) con Paul Newman y Julie Andrews, y Topaz (1969), películas ambas muy marcadas por el contexto de la guerra fría, en las que se daba un mensaje propagandístico claramente prooccidental y antisoviético.

 

En 1968, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le concedió el Memorial Irving G. Thalberg, en compensación del error tremendo de no haberle concedido nunca un Oscar, a pesar de que había sido nominado en cinco ocasiones (por Rebeca, Náufragos, Recuerda, La ventana indiscreta y Psicosis). Una vez más, uno de los mejores directores de la historia del cine se había quedado sin la estatuilla. En el acto de entrega el director se limitó a dar las gracias. Mientras, en Europa, la obra de Hitchcock se había convertido en referencia y guía de toda una nueva generación de directores, entre los que destacaría Truffaut, de cuyas charlas con el maestro surgió un largo libro en el que el cineasta hablaba extensamente de su vida, del cine y de su obra.

 

En 1971, con motivo del rodaje de Frenesí (Frenzy, 1972), permaneció en Europa una temporada, durante la cual se le sumaron las dificultades: su salud empezó a empeorar y Alma sufrió un ataque de apoplejía que le afectó el habla. La posibilidad de perder a su esposa aumentó la predisposición de Hitchcock hacia el alcohol. Cuando en 1975 su esposa experimentó una mejoría, recuperó parte de su antiguo vigor y rodó La trama (Family Plot, 1976), su última película.

 

 

La trama (1976)

 

Pero, a sus setenta y seis años, Hitchcock padecía de artritis y su corazón estaba delicado. En 1976 el director sufrió un colapso, y Alma un nuevo ataque de apoplejía. Durante los años siguientes sus colaboradores trataban de mantenerle el ánimo alto y le visitaban con frecuencia, intentando alejarlo de los rumores periodísticos sobre su alcoholismo y su envejecimiento progresivo. Llovían los homenajes: en 1978 recibió el premio a la labor de una vida del American Film Institute; en 1979 fue galardonado como el Hombre del Año por la Cámara de Comercio británico-americana; el mismo año fue nombrado por real decreto caballero comendador del Imperio británico.

 

Pocos meses después, la mañana del 29 de abril de 1980, moría el maestro y el genio del cine de terror, de suspense y de misterio, un hombre que creó un estilo y un mundo propios como pocos directores lo lograron a lo largo de la historia del cine. Se hallaba preparando ansiosamente, con su rigor y meticulosidad habituales, un nuevo guión de hierro para su película número cincuenta y cuatro, adaptación de la novela de Ronald Kirkbride titulada The short night. Pero Hitchcock, que había dicho "mi amor por el cine es más fuerte que cualquier moral", ya no podía hacer cine.

 

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JESÚS ENTRANDO A JERUSALEN - DOMINGO DE RAMOS - SEMANA SANTA

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Allí está Jesús entrando a Jerusalén. Él ya sabía que estaban tramando su muerte e ir a Jerusalén era bien peligroso. Pero Jesús entra a Jerusalén y en un gesto precioso y radical, da la vida y derrama hasta la última gota de sangre por nosotros.

Entre los judíos prevalecía la mentalidad no evangélica del triunfo, del éxito y esperaban al Mesías con un gran ejército que daría una lección a los romanos, convirtiendo a Jerusalén en la capital del mundo. La mentalidad no evangélica que se había filtrado en el Antiguo Testamento consistía en que si Dios estaba con ellos, vencerían siempre a cualquier pueblo y todos serían sometidos a Jerusalén. En cambio, esa no es la mentalidad del Señor. Para Cristo el éxito consiste en dar la vida, en sacrificarse por los demás. Aunque nosotros aún creemos que si Dios está con nosotros todo nos debe salir bien y ser siempre exitosos. Esto no es cierto, no porque se esté cerca del Señor todo va a salir bien humanamente, no es eso lo que el evangelio dice. El evangelio mas bien manifiesta que el éxito, la realización total se da llevando la cruz, sirviendo al prójimo y dando la vida por los demás. Ése es el auténtico logro, la plenitud total, cuando todos los dones y carismas que el Señor nos ha dado se vuelcan en una meta preciosa, maravillosa y noble, en algo realmente honesto, bueno, positivo y santo y nos entregamos allí llevando nuestras cruces y muriendo en el calvario. Ése es el éxito del evangelio.

Cristo no acepta usar la violencia para que se practique la justicia. Sí, es verdad que en una ocasión sacó el látigo y expulsó a los mercaderes del templo, pero fue para corregir, no para aniquilar; porque en ese caso hubiera sacado una espada y matado a los mercaderes. Él sacó un látigo, igual que de pequeños papá o mamá nos dieron de vez en cuando y merecidamente un buen correazo para corregirnos, para que cambiáramos nuestra conducta. Cristo no acepta la violencia, no predica la violencia y no usa la violencia.

Jesús entra a Jerusalén encima de un burrito. ¡Qué decepción para algunos y qué sorpresa para otros! Pero también, ¡qué alegría para los que son hombres y mujeres sencillos y de buena voluntad! Ponen los mantos y las palmas en el suelo y cuando Él entra a la ciudad dicen: Hosanna, hosanna, bendito el que viene en el nombre del Señor. Lo reciben los pobres, los humildes, los sencillos. Los ricos, los poderosos dicen: Oh, qué idiota ése, mira cómo viene, qué ridículo en un burrito y si cree que así va a salvar a Israel, está loco completamente.

Y entra Jesús, manso y sumiso, con sus sandalias viejas, su manto y su túnica, encima del burrito a Jerusalén, para salvarnos de la muerte eterna. ¡Qué linda imagen de paz, de reconciliación! Apacible, humilde, sencillo, así era Jesús. San Pablo dice que nosotros tenemos que imitar los sentimientos de Cristo que siendo Dios se despojó de su rango, se hizo hombre, uno de tantos, sin dejar de ser Dios.

El que es cristiano anda encima de un burrito, sencillo y humilde, demostrando que es hijo de un Dios que es bueno y pacífico, no violento; que vive en armonía con los demás, no agresivo; que vive amando al prójimo, no atacándolo, explotándolo ni humillándolo; que respeta al prójimo, porque en el prójimo está Jesús. El que es cristiano vive, anda encima de un burrito y no encima de aquel caballo brioso de la soberbia y el orgullo. Imitemos a Jesús, subámonos al burrito, porque Él es amor y con Él somos ¡INVENCIBLES!

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HOMENAJE A OSVALDO MIRANDA - GRAN ACTOR ARGENTINO DEL CINE ,TELEVISIÓN Y TEATRO -

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Hoy recordamos a Osvaldo Miranda , fino , elegante actuaciones de gran naturalidad y un fanático de Atlanta , nos dejó esta mañana a los 96 años.

En el año 1996 lo entreviste con motivo del aniversario de los estudios Lumiton en la localidad bonaerense de Munro.

Los invito a recorrer su trayectoria:

Osvaldo Miranda
Premio Konex de Platino 1981: Actor de Comedia Cine y Teatro
Jurado Premios Konex 2001: Espectáculos


Nació 03/11/1915. Actor. Trabajó en radio, cine, teatro y TV. Hizo teatro de revista en las salas Maipo y Variedades. Debutó como extra en cine en Los muchachos de antes no usaban gomina (1937) con Florencio Parravicini y en la remake (1969) fue su protagonista. Trabajó con Niní Marshall (PK), en Cándida millonaria, y con Luis Sandrini (PK) en El más infeliz del pueblo. En TV debutó en Tropicana Club y protagonizó la serie La nena. En los ‘80 realizó temporadas teatrales en Mar del Plata. Filmó más de 50 películas y protagonizó más de 50 obras teatrales, entre ellas: Boeing Boeing, La jaula de las locas y 40 kilates. Se le realizó un homenaje por su trayectoria, en el Teatro Nacional Cervantes (2003). Fue Presidente de la Asociación Argentina de Actores, de la cual es Presidente Honorario. Presidente del Centro de Jubilados de Actores. Ciudadano Ilustre de Buenos Aires y Visitante Ilustre de Mar del Plata. Ganó numerosos premios, entre ellos: 4 Martín Fierro, 2 Florencio Sánchez, María Guerrero y Santa Clara de Asís.

 

Comentarios de Osvaldo Miranda en los Premios Clarín Espectáculos

La verdad mi trayectoria no puede ser más linda, porque empecé bien desde abajo, la primera vez que figuré en un programa de teatro lo único que estaba abajo de mi nombre era la palabra "Imprenta". Lúcido, irónico, Osvaldo Miranda recibió el Premio Clarín Espectáculos a la Trayectoria con una seguidilla de chistes y comentarios graciosos.

Tanto humor contrarrestó la imagen de fragilidad que dio al entrar al escenario ayudado por Ricardo Darín y un andador. Lo mismo que su propia autorregulación de la energía al indicar en el reportaje de Clarín muy amablemente pero firme "bueno, ésta es la última pregunta". Miranda sabe cuidarse solo.

Comediante impecable, dandy accesible, hombre elegante, protagonista de filmes como Los muchachos de antes no usaban gomina, y de programas íconos de la TV local (como La nena y Mi cuñado), el de Miranda es un extraño caso de artista admirado por generaciones muy jóvenes, como los músicos de Miranda!. "Hace unos años me vinieron a pedir permiso para usar mi apellido y yo les pregunté ¿por qué? Me dijeron que era elegante y ellos querían hacer algo elegante. Yo les contesté que eso era algo externo y qué lástima que costaba mucho". Decidió apadrinarlos. "¿Y le gusta la música que hacen ellos?". "Y... yo soy tanguero", señala por toda respuesta.

De hecho, su debut fue como cantante de tangos. Más tarde trabajaría con artistas de la talla de Niní Marshall, Luis Sandrini, Ernesto Bianco, Blackie, Irma Córdoba, Enrique Santos Discépolo.

Nacido y criado en Villa Crespo, es hincha fanático de Atlanta. En el año 2004 fue proclamado por todo el pueblo bohemio como el "hincha más famoso del club". Aunque para él el premio más lindo fueron los 4 años en que se desempeñó como presidente de la Asociación Argentina de Actores.

Dice que por la calle, la gente le repite invariablemente tres frases: "¿camina mucho?", "¡qué bien se lo ve!", "¿pero cuántos años tiene?".

Curiosidades de Osvaldo Miranda el actor que también seducia a la juventud un grupo musical lleva su nombre 

Miranda! es una banda techno pop, formada en el año 2002, cuando empezaron a recorrer el circuito under porteño. Al tiempo que empezaban a hacerse sentir en el escenario y crecía su número de fans hacían reportajes donde se los tildaba de promesa del nuevo sonido en el rock argentino.
A poco tiempo de haber llegado a escena y con un demo grabado en casa, fueron cosechando elogios y amor de sus fans que se multiplican día a día ¿Qué tienen, qué traen? Una buena combinación de letras de amor descarnado, melodías de baladas pegadizas de conciencias intranquilas, valses electrónicos con algo de deseo sexual, sentimientos encontrados construidos sobre efectos sonoros rítmicos para bailar; si a esto le sumamos una buena dosis de talento vocal, una expresiva interpretación y un show cuidado encontramos en Miranda todo un cóctel para una de esas noches en las que algo hay que festejar.

El grupo le debe su nombre al actor Osvaldo Miranda. Desde su formación deseaban conocer al actor. El emotivo encuentro se concretó en el marco del Festival Buen Día "Arriba" (Dic. de 2002), en un bar frente a la plaza de Palermo Viejo. Los chicos del grupo le expresaron su admiración y agradecimiento. Osvaldo mencionó los premios que cosechó en su exitosa carrera y se mostró asombrado y feliz de recibir éste reconocimiento de un grupo de jóvenes.

Homenaje especial en el programa radial: "Conciencia Cívica" emitido el Sábado 7 de mayo de 2011 por AM 1470 RADIO BMURUCUYÁ -

 MUSEO DE LA PALABRA DE LA MUNICIPALIDAD DE SAN ISIDRO - 

Gentileza de su Director Alexis Di Noia - 

Asesor Cultural Gerardo D´Andres -

El audio es un dialogo con el Director- Fundador del Museo De La Palabra Lic. Jorge Di Noia con el actor Osvaldo Miranda - Grabado en el año 2000 - Villa Adelina - San Isidro .  


JUEVES SANTO - LA ÚLTIMA CENA - SU SIGNIFICADO-

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La última Cena

Texto: Lucas 22:7-20; Éxodo 12:7,13



Resumen: Ésto explica la Cena del Señor a los niños. Jesús les contó a sus discípulos el verdadero significado de la comida de Pascua. Jesús explicó la Pascua en términos de su propio sacrificio por los pecados del mundo.

Hoy vamos a celebrar la Cena del Señor. ¿Te has preguntado alguna vez porque comemos estas hostias crujientes de pan o bebemos jugo de uva (o vino) en la iglesia? ¿Que significa eso? Lo que estamos haciendo es algo para recordar el sufrimiento que Jesús soportó por nosotros. Es un profundo significado que podemos entender leyendo la Biblia.

Como nuestro Señor estaba terminando su ministerio sobre la tierra, la noche vino cuando él comió la ultima cena con sus discípulos antes que sufriera en la cruz. Era una comida muy importante y él tenía un mensaje muy importante para sus seguidores. Así era la comida de Pascuas. Ésta comida comenzó en Egipto cuando Dios le dijo a Moisés que la liberación estaba llegando los próximos días.



La cena de Pascuas era familiar para la gente de Dios. Ésto les recordaba la noche en la cual Dios envió la destrucción a Egipto y mató al hijo mayor en cada casa, excepto en aquellas casas en las cuales había sangre de cordero derramada sobre la puerta. La sangre fue un signo que la destrucción se veía y pasaría sobre esa casa y ahorraría la vida del hijo mayor dentro. Dios les dijo a los hijos de Israel que mantengan el banquete de Pascuas como un memorial de su liberación de ser esclavos de los egipcios. Este día era para los israelíes como el Día de la Independencia para los americanos. Fue el día que fueron libres.

Un cordero de un año de edad, sin ninguna mancha sobre la lana (sin defectos), sería matado y después la sangre sería derramada a los costados y arriba de la puerta, sería asado al fuego. Este fue comido rápidamente con hierbas amargas. Las hierbas amargas les recordaban los 430 años de esclavitud en Egipto. El pan era hecho sin nada de levadura en la harina para hacerlo levitar. Cuando está horneado, era chato y crujiente, como una clase de galleta sin sal. La levadura era un recordatorio de pecados, así que el pan era sin pecado.

Jesús le enseñó a sus discípulos: Yo soy el pan de la vida. Este es el pan que desciende del cielo, para que el que de él come, no muera. (Juan 6:48,50) El rezo tradicional antes de comer el pan decía esto: Bendito eres Señor nuestro Dios, Rey del universo, quien trajo el pan a la tierra. [Lea Lucas 22:19] Jesús les dijo que estaba entregando su cuerpo como un sacrificio por nuestra liberación de los pecados. Él estaba libre de pecado, un cordero sin defecto, pan sin levadura (pecado). Este rezo era previo a la resurrección de la muerte; este Pan viene de la tierra. Nuestra liberación del pecado está en nuestra mano.

La copa de vino tiene también un significado importante. Antes de beberla, el rezo tradicional era: Bendito eres Señor nuestro Dios, gobernador del universo, creador de la fruta del vino. Jesús había trabajado duro por tres años para convertir a sus discípulos en Hombres de Dios. Jesús les enseñó Yo soy la vid, vosotros los pámpanos. (Juan 15:5) Él había creado lo que ellos eran y lo que fue fruto de su labor. Ahora estaba con ellos para contarles las buenas noticias. El vino era un símbolo de la sangre de Jesús vertida en la cruz. Ésto significa que perdonaría todos pecados de los que creyeron en él. Ésta es la sangre del nuevo pacto, que por muchos es derramada. (Marcos 14:24)

La última cena tomó un nuevo significado para los discípulos después de que Jesús se levantara en Pascuas. Jesús era el cordero de Dios, sacrificado por los pecados del mundo. Su sangre fue vertida tanto que la muerte pasó desapercibida para nosotros y pudimos esperar tener la vida eterna. Jesús superó la muerte y resucitó. Así es como la comida de Pascuas se volvió conocida como la Cena del Señor. Jesús nos mandó: haced esto en memoria mía. Ésto ha continuado hasta hoy en las iglesias para recordarnos el sacrificio que Jesús hizo por nuestros pecados.



©1998 por Jim Kerlin. Todos los derechos reservados. 

Escritura tomada de la Biblia de Estudio NUEVA VERSION INTERNACIONAL®. El derecho de autor© 1973, 1978, 1984 Sociedad Bíblica Internacional. Todos los derechos reservados mundialmente. Utilizado con el permiso de la Sociedad Bíblica Internacional.

 

Lucas 22:7-20 (Nueva Versión Internacional)

La última cena
(A) (B) (C) (D) (E) 7 Cuando llegó el día de la fiesta de los Panes sin levadura, en que debía sacrificarse el cordero de la Pascua,8 Jesús envió a Pedro y a Juan, diciéndoles:

—Vayan a hacer los preparativos para que comamos la Pascua.
9 —¿Dónde quieres que la preparemos? —le preguntaron.
10 —Miren —contestó él—: al entrar ustedes en la ciudad les saldrá al encuentro un hombre que lleva un cántaro de agua. Síganlo hasta la casa en que entre,11 y díganle al dueño de la casa: "El Maestro pregunta: ¿Dónde está la sala en la que voy a comer la Pascua con mis discípulos?" 12 Él les mostrará en la planta alta una sala amplia y amueblada. Preparen allí la cena.
13 Ellos se fueron y encontraron todo tal como les había dicho Jesús. Así que prepararon la Pascua.
14 Cuando llegó la hora, Jesús y sus apóstoles se *sentaron a la mesa.15 Entonces les dijo:

—He tenido muchísimos deseos de comer esta Pascua con ustedes antes de padecer,16 pues les digo que no volveré a comerla hasta que tenga su pleno cumplimiento en el reino de Dios.
17 Luego tomó la copa, dio gracias y dijo:

—Tomen esto y repártanlo entre ustedes.18 Les digo que no volveré a beber del fruto de la vid hasta que venga el reino de Dios.
19 También tomó pan y, después de dar gracias, lo partió, se lo dio a ellos y dijo:

—Este pan es mi cuerpo, entregado por ustedes; hagan esto en memoria de mí.
20 De la misma manera tomó la copa después de la cena, y dijo:

—Esta copa es el nuevo pacto en mi sangre, que es derramada por ustedes.

Cross references:
Lucas 22:7 : Mt 26:17-19; Mr 14:12-16
Lucas 22:7 : Mt 26:26-29; Mr 14:22-25; 1Co 11:23-25
Lucas 22:7 : 22:21-Mt 26:21-24; Mr 14:18-21; Jn 13:21-30
Lucas 22:7 : 22:25-27 –#8212 Mt 20:25-28; Mr 10:42-45
Lucas 22:7 : 22:33-34 –#8212 Mt 26:33-35; Mr 14:29-31; Jn 13:37-38

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VIERNES SANTO - LA CRUCIFIXIÓN -

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Viernes Santo


Es un día crucial en la liturgia cristiana y la conmemoración de la muerte de Cristo en la cruz. Luego de su encarcelamiento Jesús es sometido a un juicio, donde sufre torturas aberrantes. Es en ese mismo momento donde recibe la corona de espinas sobre su cabeza y le cargan la cruz. Así, Cristo recorre la ciudad de Jerusalén con la pesada cruz de madera en dirección al Calvario. A horas del mediodía el Señor es crucificado. Más tarde, para certificar su muerte le clavan una lanza confirmando el fallecimiento. A la noche, los fieles desclavan el cuerpo de Cristo y lo entregan a su madre, para finalmente enterrarlo en el sepulcro. Ese mismo día Judas, arrepentido de su traición, se ahorca y acaba con su vida. Durante el Viernes Santo se realiza la adoración del Árbol de la Cruz y el Vía Crucis. Es el único día del calendario litúrgico donde no se celebra la eucaristía.

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SÁBADO SANTO - VIGILIA PASCUAL

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Texto Bíblico: Lucas 24:13–35 (cf. Mar. 16:12, 13).

INTRODUCCION

Una caminata por un sendero, por una montaña fresca por la sombra de los árboles, escuchando los cantos armoniosos de los pájaros, que como un concierto armonioso muy bien organizado les regalan a los caminantes sus ofrendas musicales. Es un gusto que ningún ser humano debe de perderse.

Emprender una caminata siempre será gratificante, es muy agradable, para todo ser humano. Ya sea por ejercicio o por entrar en contacto directo con la naturaleza o entrar a otro ambiente o por indicaciones médicas. Iniciar una caminata de esta manera, será siempre muy agradable y confortante.


Pero la caminata que leemos en los textos citados comienza con dos de los discípulos de Jesús extremadamente desencantados, que están abandonando la causa por la cual, tres años antes, lo habían dejado todo. Pero ahora, después de tres días de esperar a su líder en el que habían creído, la realidad vivida los ha convencido de su tontería, y partían para tratar de reconstruir sus vidas que habían dejado atrás. En un fin de semana se les había escapado todo, el único ideal que había llenado sus corazones jóvenes de esperanzas.

Esta es una caminata diferente a las que hemos mencionado. Es una caminata en la cual los caminantes llevan sobres sus hombros cargando toda una frustración encima. Ellos volvían a sus casas y a sus trabajos con una gran decepción. Regresaban pensando nuevamente en volver a recoger las redes que un día habían abandonado cuando Jesús les llamo. Púes su líder había muerto y con ello morían también las esperanzas que un día habían albergado en sus vidas.

El Sumo Sacerdote había declarado la muerte de su líder. ¡Jesús de Nazareth ha muerto, paz a sus restos! Cuando Jesús murió el grupo de seguidores se convirtió en un cuerpo con el corazón quebrantado. Los seguidores de Jesús en un momento se volvieron hombres acabados, terminados y frustrados. Estaban terriblemente asustados y sin esperanza alguna.

COMENTARIO

El relato de los discípulos de Emaús es propio de Lucas (Lc 24,13-35). Marcos sólo refiere como una corta noticia (Mc 16,12). Lo relatado por Lucas ocupa lo medular de la fe cristiana, la victoria de Jesús sobre el pecado y la muerte, explicando aquello que los ángeles comunicaron a las mujeres que visitaron el

sepulcro: « ¿Por qué buscan entre los muertos al que está vivo? No está aquí, ha resucitado» (24,5-6; cfr. 1 Cor 15,17). El mismo día en que encuentran el sepulcro vacío y reciben la noticia de la resurrección de Jesús sucede lo de Emaús (24,13).

La caminata de Jerusalén a Emaús tiene un hondo significado para la fe cristiana. Dos de los discípulos de Jesús bajan de Jerusalén camino a Emaús situada a unos 12 kilómetros de la capital (Lc 24,13). A través de esta caminata se alejaban de Jesucristo muerto y resucitado en Jerusalén y de los que habían creído en el proyecto de Jesús. Alejarse de Jerusalén, por tanto, es abandonar la causa de los necesitados es abandonar al Señor mismo y por lo tanto es abortar la misión (cfr. Hch 1,8).

Desconcierto y frustración

Para estos caminantes ya no existían las posibilidades de que lo ya ocurrido tuviera trascendencia alguna posteriormente. Pedro, el líder natural, estaba deprimido, más allá de lo soportable, primero, por la conciencia de haber negado a Jesús por salvar su vida. La caminata de Emaús tipifica e ilustran el ánimo de los seguidores de Jesús después de lo sucedido en Jerusalén.

De cualquier forma que queramos describir esta caminata, no es una caminata agradable como las que hemos mencionado. El v. 16 quiere decir que Dios de alguna manera impidió que los dos discípulos reconocieran a Jesús y no fue que él tuviera una apariencia distinta, sino que su misma frustración se los impidió. Pretendiendo no saber nada Jesús, se enteró de qué era lo que les entristecía y que se rumoreaba que su tumba estaba vacía. Estaban seguros de que Jesús había sido un profeta, pero de que Jesús haya resucitado era un poco difícil de creerlo, solo se escuchaban rumores.

Una de las esperanzas que había muerto en ellos era de que él fuese quien redimiese a Israel, pero no podían entender cómo había sido rechazado por los gobernantes y por los mismos de su pueblo. Recordaban que había existido una profecía de su resurrección al tercer día, pero su desconcierto no les permitía dimensionar el asunto de la resurrección ni mucho menos de nadie que hubiera visto a Jesús resucitado.

Jesús mismo caminó con ellos y mientras lo hacía respondió que el sufrimiento era un preludio necesario para que el Mesías entrara en su gloria como rey y les condujo a las Escrituras que así lo profetizaban. Sin embargo, ellos no comprendían esta situación, el mismo estado de frustración los hacía actuar de esa manera.

Sea que los dos discípulos hayan o no recordado fue como que un velo hubiera caído de sus ojos y no pudieron reconocer a Jesús. Fue hasta más tarde que se dieron cuenta de que, aun desde mucho antes, mientras Jesús caminaba con ellos les iba hablando en el camino de lo sucedido en Jerusalén. Habían sentido una extraña sensación, diciendo ¡como mi corazón ardía mientras el caminaba y hablaba con nosotros! Inmediatamente, se levantaron para ir a Jerusalén de regreso y contarlo a los demás.

Los discípulos se dieron cuenta que Jesús había dicho que algo importante ocurriría al tercer día y que se daba por sentado que su tumba estaba vacía. Los caminantes de Emaús entendieron sobre Jesús, e inmediatamente se dieron cuenta que la caminata iba más allá de Emaús. El camino necesariamente tenía que pasar por la cruz, por el sufrimiento y por el compromiso, por el camino a Emaús y regresar a Jerusalén.

Jesús reorienta a los caminantes de Emaús.
El camino a Emaús, como ya lo hemos dicho, es el retorno a lo cotidiano, a la vida que los discípulos tenían antes de conocer a Jesús. Emprender la caminata hacia Emaús es matar la ilusión de la liberación del pueblo de Israel, es el fin de la utopía humana (Lc 24,21). Era buscar refugio y aceptar el fracaso del plan salvífico de Dios, el fin de la utopía divina.

Sin embargo, en esta caminata ocurrió lo inesperado, el encuentro con el Resucitado y el reencanto con su persona y con la misión que el mismo les había confiado. Por eso mismo no se establecen en Emaús, sino que se ven interpelados a regresar a Jerusalén, la ciudad donde los espera el poder de lo alto y la comunidad de creyentes que confiesa a su Señor. Regresar a Jerusalén, es confirmar con los apóstoles su experiencia del Resucitado. Es en Jerusalén, y no en Emaús, donde se forjaran los testigos de aquel «que vino a dar su vida en rescate por todos» (Mc 10,45), es escuchando al caminante que los acompaño hacia Emaús que se inicia la Gran Comisión.

El camino de Galilea a Jerusalén (Lc 9,51) es la senda del discipulado, de quien sigue a Jesús (Hch 1,21; 4,13) para estar con él y aprender de él (Mc 3,14). El camino de Jerusalén a Emaús es la ruta interior del desencanto y del abandono del seguimiento. El regreso de Emaús a Jerusalén es la senda donde se escucha la Palabra y se comparte el pan para reconocer al Resucitado y vivir en comunión con él y con nuestros prójimos.

ACTUALIZACIÓN

Era muy evidente que Jesús había sido crucificado y muerto públicamente, pero de su resurrección solamente unos pocos lo sabían. Hasta ese momento solo las mujeres que habían visitado su tumba. El verdadero significado de la resurrección se encuentra recorriendo el camino a Emaús y volver a Jerusalén. Realizar esta caminata es devolver la esperanza a los desesperanzados. ―Si Cristo no resucitó, vana es vuestra predicación‖ Palabras dichas con mucha firmeza y con mucha convicción por el Apóstol Pablo.

Entonces la esperanza viene a través de creer en la resurrección, pero que sin duda alguna era necesario realizar la caminata a Emaús para confirmarla. El centro de la fe cristiana está en la resurrección, pero que esta resurrección se confirma realizando la caminata. Porque la fe cristiana en Dios es fe en la resurrección. Por lo tanto esta es la gran esperanza que nos consuela y que nos levanta, es lo que sintieron los caminantes de Emaús cuando su corazón ardía mientras Jesús hablaba con ellos.

Es la resurrección de Jesús lo que levanta a los caminantes de Emaús e ir a Jerusalén. Este espíritu de la resurrección como dice el Dr. J. Moltmann, me da la fuerza para vivir aquí completamente, amar completamente, morir completamente porque tengo la certeza que voy a resucitar también completamente. En esta esperanza soy capaz de amar a todas las criaturas porque sé que ninguna se va a perder. Por lo tanto la caminata a Emaús, es la confirmación de la resurrección de Jesús.

Fuente: Msc. William Ulises Rodríguez Arce Director de la Escuela de Humanidades Universidad Evangélica Nicaragüense Martin Luther King Jr
Contacto: E-mail: wurodriguez@gmail.com



Tomado de: MEDITACIONES BÍBLICAS SOBRE EL CICLO DE PASCUA: CUARESMA-SEMANA SANTA-PASCUA-PENTECOSTES

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TATO SIEMPRE TATO - ANIVERSARIO DE SU NATALICIO 21 DE ABRIL - HOMENAJE A TATO BORES -

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La Argentina de décadas pasadas fue semillero de grandes humoristas y de muy buenos libretistas, con el tiempo esto se fue degradando lamentablemente.

Creo que uno de los problemas más serios es que en lo medios no hay cabida para la creatividad ni para el humor de distintos géneros o no quiero pensar que en nuestro país solo hay público para lo chabacano, porque esto no es cierto.

 

La verdad es que muchas veces me pregunto que pasa en nuestro pueblo y de que nos reímos o la mala situación en que vivimos a diario ya no nos permite divertirnos de cosas que antes nos comunicábamos cotidianamente.

 

Los usos y costumbres de la familia cambiaron demasiado, ya que cuando éramos jóvenes nos sentábamos frente al televisor para cenar en familia y disfrutar unos de esos grandes del humor como fue Tato Bores, que nos contaba la situación de un desordenado país en sátira.

 

Uno tiene el recuerdo de ciclos televisivos por  grandes realizadores , libretistas , escenográfos , actores , hoy se reducen a programas dónde sólo impera el rating sin importar la calidad , ni mensaje de lo que transmiten.

 

Realmente la Argentina retrocede cuando antes avanzaba hacia gente del espectáculo que hoy esta reducida a las salas de teatros. Hoy  es el turno de recordar al monologista político más grande que tuvo la Argentina y que su espacio es imposible de llenar, eso si ,claro que si existiera tendría libreto para contar, de todas maneras lo presentamos porque los artistas jamás mueren ……..con Ustedes Tato siempre Tato-

 

 

Tato Bores es el nombre artístico del humorista argentino Mauricio Rajmín Borensztein, nació en Buenos Aires, Argentina el 27 de abril de 1927 y murió el 11 de enero de 1996. Fue un humorista y presentador de la televisión argentina. Si bien actuó en cine, teatro y televisión, es en este último medio donde con su humor político marcó a generaciones de argentinos. La Asociación Nueva Argentina recuerda a través de su Presidente el Lic. Ángel Walter Arjona al apodado y denominado “el Actor Cómico de la Nación”.

Hizo reír a varias generaciones de habitantes a lo largo de su carrera de más de 50 años. Fue una de las figuras más respetadas y queridas del país. Participó en 19 películas y una infinidad de ciclos de TV y obras teatrales. Fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en 1992.

 

A través del humor, dijo lo que nadie podía o quería decir. La sagacidad de sus comentarios, la crítica sutil que evitaba la censura cautivó a los televidentes. Tato Bores renovó absolutamente el lenguaje del humor político. Justamente, esta forma de recitarlos, a una velocidad increíble, hablaba mucho más de la realidad política del momento que el contenido mismo. La función que el periódico tenía en el humor de Pepe Arias, en Tato lo ocupó el teléfono, uno de los elementos emblemáticos de su personaje.

 

De ascendencia judía y familia humilde, Mauricio Rajmín Borensztein (Tato Bores) nació el 27 de abril de 1927. Su padre era un comerciante de pieles con importantes intereses sobre la religión. La familia estaba radicada en una vivienda del Centro Porteño, cerca de la Avenida Córdoba y Libertad. Tuvo otros dos hermanos: Abraham (el mayor) y Enrique (menor).

 

Con poco interés por el estudio, fue expulsado de la escuela Julio A. Roca, donde realizó parte de sus estudios primarios. Luego, continuó en la Escuela Técnica Nº 1 Otto Krause, pero solamente hasta tercer año, por lo que no pudo finalizar la secundaria. A la edad de 15 años, comenzó a desempeñarse como plomo para la orquesta de Luis Rolero y René Cóspito, aquella persona que carga partituras e instrumentos, ya que le agradaba el jazz y el piano. A su vez, estudió clarinete y a los 9 años tuvo pequeños trabajos en el Teatro Nacional Cervantes como ayudar al público.

 

En noviembre de 1992, el Consejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró “Ciudadano Ilustre”. En 1993, con 66 años, el actor realizó su último ciclo televisivo: Good Show, por Telefé, que comenzaba con una réplica de la tapa del disco La Banda del sargento Pepper, de The Beatles, realizada con figuras locales. Por problemas ocurridos, finalizó su temporada (generalmente de mayo a noviembre) antes de lo que explicaba el contrato, en 1994. Hacia ese año, durante una operación de una hernia de disco en la clínica Mater Dei, se le informó que no podría volver a trabajar.

 

En 1999, tres años después de su fallecimiento, sus hijos y Alejandro Cartoy Díaz editan una recopilación de sus últimos trabajos y es emitida por Canal 13 en honor a él titulada La Argentina de Tato, alcanzando los 14 puntos de rating, o sea, visto por alrededor de un millón y medio de televidentes. Su hija es la actriz Marina Borensztein.

 

En 2002 se realizó en el Centro Cultural Recoleta una exposición en homenaje a él .En 2006, la Legislatura porteña sancionó la ley por la que se denominó Tato Bores a la plaza situada en Avenida Figueroa Alcorta y Avenida de los Ombúes, en el Parque Tres de Febrero, en Palermo. En 2008 el escritor y periodista Carlos Ulanovsk y publicó un libro biográfico sobre Tato, con ayuda y datos aportados por sus familiares.

 

Iniciando su carrera en radio Splendid, en 1945, junto a Pepe Iglesias "El Zorro", y en el Teatro Maipo con Fanny Navarro.

 

En 1946 integró el elenco de La Escuela Humorística, donde caracterizó a Igor, quien luego reaparecería en un programa radial llamado Las Aventuras de Igor.

En 1957 comenzó su labor televisiva en La Familia Gesa (Canal 7) contando chistes políticos.

Era una época de auge del género, abierto por los monólogos de Pepe Arias sobre la caída de Juan Domingo Perón presentados en el Comedia y El Nacional.

 

En 1958, cuando el gobierno de Arturo Frondizi enfrentaba una crisis ministerial, Tato se presentó por primera vez vestido de frac y con habano, lentes y peluca: "Hay que estar preparado por si me ofrecían algún ministerio", bromeaba el artista y ya nunca abandonaría ese atuendo.

 

Bores renovó el lenguaje televisivo incorporando monólogos políticos recitados de memoria y a vertiginosa velocidad.

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Alguno de sus recordados guionistas

 

Detrás del mago, además, hubo siempre guionistas de altísima calidad, entre ellos Jordán de la Cazuela, Landrú, César Bruto, Aldo Cammarotta, Juan Carlos Mesa, Oscar Blotta (h), Jorge Guinzburg, Geno Díaz y Santiago Varela,

 

Sus hijos continúan sus pasos en el espectáculo, uno como productor y otro como director.

 

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Monólogo de Tato Bores

 

 

La culpa de todo la tiene el ministro de Economía dijo uno.

*No señor!!! dijo el ministro de Economía mientras buscaba un mango debajo del zócalo.La culpa de todo la tienen los evasores.

 

*Mentiras!!! dijeron los evasores mientras cobraban el 50 por ciento en negro y el otro 50 por ciento también en negro. La culpa de todo la tienen los que nos quieren matar con tanto impuesto!!!

*Falso!!! dijeron los de la DGI mientras preparaban un nuevo impuesto al estornudo. La culpa de todo la tiene la patria contratista; ellos se llevaron toda la guita.

 

*Pero, por favor…!!! dijo un empresario de la patria contratista mientras cobraba peaje a la entrada de las escuelas publicas. La culpa de todo la tienen los de la patria financiera.

*Calumnias!!! dijo un banquero mientrasdepositaba a su madre a siete días. La culpa de todo la tienen los corruptos que no tienen moral.

 

*Se equivoca!!! dijo un corrupto mientras vendia a cien dólares un libro que se llamaba “Haga su propio curro” pero que, en relidad sólo contenia páginas en blanco. La culpa de todo la tiene la burocracia que hace aumentar el gasto público.

*No es cierto!!! dijo un empleado público mientas con una mano se rascaba el pupo y con la otra el trasero. La culpa de todo la tienen los politicos que prometen una cosa para nosotros y hacen otra para ellos.

 

*Eso es pura maldad!!! dijo un diputado mientras preguntaba donde quedaba el edificio del Congreso.La culpa de todo la tienen los dueños de la tierra que no nos dejaron nada.

*Patrañas!!! dijo un terrateniente mientras contaba hectáreas, vacas, ovejas, peones y recordaba antiguos viajes a Francia y añoraba el placer de tirar manteca al techo.La culpa de todo la tienen los comunistas.

 

*Perversos!!! dijeron los del politburó local mientras bajaban línea para elaborar el duelo. La culpa de todo la tiene la guerrilla trotskista.

*Verso!!! dijo un guerrillero mientras armaba un coche-bomba para salvar a la humanidad.La culpa de todo la tienen los fascistas.

*Malvados!!! dijo un fascista mientras quemaba una parva de libros juntamente con el librero.La culpa de todo la tienen los judíos.

 

*Racistas!!! dijo un sionista mientras miraba torcido a un coreano del Once. La culpa de todo la tienen los curas que siempre se meten en lo que no les importa.

*Blasfemia!!! dijo un obispo mientras fabricaba ojos de agujas como para que pasaran diez camellos al trote. La culpa de todo la tienen los científicos que creen en el Big Bang y no en Dios.

 

*Error!!! dijo un científico mientras diseñaba una bomba capaz de matar más gente en menos tiempo con menos ruido y mucho más barata. La culpa de todo la tienen los padres que no educan a sus hijos.

*Infamia!!! dijo un padre mientras trataba de recordar cuantos hijos tenía exactamente. La culpa de todo la tienen los ladrones que no nos dejan vivir.

 

*Me ofenden!!! dijo un ladrón mientras arrebataba una cadenita a una jubilada y, de paso, la tiraba debajo del tren.La culpa de todo la tiene los policias que tienen el gatillo facil y la pizza abundante.

*Minga!!! dijo un policía mientras primero tiraba y después preguntaba.La culpa de todo la tiene la Justicia que permite que los delincuentes entren por una puerta y salgan por la otra!!!

 

*Desacato!!! dijo un juez mientras cosía pacientemente un expediente de más de quinientas hojas que luego, a la noche, volveria a descoser. La culpa de todo la tienen los militares que siempre se creyeron los dueños de la verdad y los salvadores de la patria.

*Negativo!!! dijo un coronel mientras ordenaba a su asistente que fuera preparando buen tiempo para el fin de semana. La culpa de todo la tienen los jóvenes de pelo largo.

 

*Ustedes estan del coco!!! dijo un joven mientras pedia explicaciones de por qué para ingresar a la facultad había que saber leer y escribir. La culpa de todo la tienen los ancianos por dejarnos el país que nos dejaron.

*Embusteros!!! dijo un señor mayor mientras pregonaba que para volver a las viejas buenas épocas nada mejor que una buena guerra mundial. La culpa de todo la tienen los periodistas porque junto con la noticia aprovechan para contrabandear ideas y negocios propios.

 

*Censura!!! dijo un periodista mientras, con los dedos cruzados, rezaba por la violación y el asesinato nuestro de cada día. La culpa de todo la tiene el imperialismo.

*That´s not true!!! (Eso no es cierto!) dijo un imperialista mientras cargaba en su barco un trozo de territorio con su subsuelo, su espacio aéreo y su gente incluida.The ones to blame are the sepoy, that allowed us to take even the cat (la culpa la tienen los cipayos que nos permitieron llevarnos hasta el gato).

 

*Infundios!!! dijo un cipayo mientras marcaba en un plano las provincias más rentables. La culpa de todo la tiene Magoya.

*Ridículo!!! dijo Magoya acostumbrado a estas situaciones. La culpa de todo la tiene Montoto.

*Cobardes!!! dijo Montoto que de esto también sabia un montón.La culpa de todo la tiene la gente como vos por escribir boludeces!!!

 

*--Paren la mano!!! dije yo mientras me protegia detras de un buzón.Yo sé quien tiene la culpa de todo. La culpa de todo la tiene El Otro.

*EL Otro siempre tiene la culpa!!! Eso, eso! exclamaron todos a coro. El señor tiene razón: la culpa de todo la tiene El Otro!!!

 

Fuentes: introducción G y G Producciones Artísitcas , Taringa Net –historia de la radio de Cesár Ulanovsky http://www.elsigloweb.com/portal_ediciones/290/portal_notas/12389-el-gran-tato-bores-es-evocado-por-volver´

 

 

 

 

 

 

 

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